レッスン録 643
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レッスン☆ 360306
課題曲レッスン
「愛は限りなく」360411
ピアフ「群衆」「谷間に三つの、」「バラ色の人生」「愛の讃歌」「私の神様」「水に流して」 360428
基本レッスン 360429
取り組み方
「青色のジャヴァ」
「男が女を愛するとき」 360514
「黒い鷲」
「アルディラ」 360514
「はるかなる山の呼び声」 360702
Q&A
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レッスン ☆
どこまでの声とどこまで歌を求めているかというのは、一つのフレーズですぐに現われます。今は体のこと、それから声のことを中心にやるべきですが、同時に１曲の長さから各フレーズを、具体的にイメージしてください。
対応できる課題に関しては、なんとか対応できても、そうでないところがガタガタです。そうでないところとは、声が出るか出ないかというところよりも、音楽が入っているか入っていないかというところです。アドリブでやらせてみると、はっきりわかります。
それだけでこれまでどういう傾向のものを聞いてきたかということ、それからしっかりとその声を呼吸や表現と一緒につくってきたかというようなところがわかります。だから、それをやってください。
こういう世界は皆なれるか、なれないかみたいに分けて考えるのですが、なるしかない世界なのです。どこかから結果が与えられるものではないのです。芸能界やオーディションをターゲットにすると、それは受かった受かってないということでしょうが、結局ならせるところまでやったらなるし、ならせるまでやらないとならないということです。
これは、当人にとってみたら、深刻な問題です。しかし、そのことが身についた、身についていないかというのは、後で考えてみたら結果としては出てくると思うのです。死ぬときに、あるいは10年やったときに考えてみたらよいことです。
だから10年がかりの世界です。声のことをいくらやっていても、体のことをいくらやっていても、何も入っていなければ、あるいは入っているものがプロの演奏家の100分１もなければ、それと同じだけの表現が出てくると考える方がおかしいわけです。
そういうことでいうと、いくら学んでも尽きない世界ではないかと思います。声のことをつくる、体のことをやるとかいった技術面の方が簡単な気がします。そこの差というのは埋めていけるし、２年たったときに声があるかもしれませんが、そこまでに入れてきたものがあるかどうかで、その声が歌に生きるかどうかが決まります。
ここでやっている基本のことは、鉛筆を握る力をつけて、それで文章のルールを覚えてというレベルです。しかし、その人の文体ができてくるくらいの勉強まで、ここでやっているつもりです。
しかし、誰からも中味が出てくるかというと、やはりそれは入れておかないとでないでしょう。それが、教えにくいところです。教えられようとせず、よいものに触れて、長くみていけばよいと思うのです。
本当に自分がどのぐらい歌えるのかどのぐらいできるのかを知ると、もっとわかりやすくなります。思ったほどでないなとか、できていると思うかです。できないなら、自分がすごいと思える声を、どこにいても出せるにはどうするのかということを考えることです。
いろいろ個性のある人がいますが、その個性を戻していきます。多くの場合、ある環境でおかれた役割を演じてきたにすぎないからです。
ピエロを演じている人は、ピエロでなく人間です。それを知った上で演じているから、おかしいのです。おかしなことをやって笑われるのでなく、笑わしているのは、演じているからです。
習い事というのはみんな、いったん自分で思ってきたもの、つくりあげてきたものを、その人本来のしぜんな形に戻すところからスタートします。それで自分の体が働くように心がおもむくようにしていって、その上にそれまでやっていたことも積み重なって、一つの表現が出てくる。だから、しぜんでないといけないのです。それが難しいのです。
歌おうとすると、ふしぜんになります。それはやはり、芸を支える力がないわけです。自分にないところで歌おうとしているからです。そこをどうやってつけていくかということでいうと、技術は急いでやってもだめです。体力は早くやった方がよいのですが、技術は、歌の世界に関しては年齢は関係ないような感じがします。なまじ早くやって早く身につきかけた人ほど、ものにならなくなっています。
結局、その人の味や、こぶし、その人独自のフレーズが出たところで決まります。最終的に歌になるかならないかというのは、最初からすぐにはっきりと判断することができないものだからです。個性があるとかないということはあまり関係ないです。もし素質があるとしたら、何がしぜんで何が自分にとって一番心地よいということがわかっているかわかっていないかということでしょう。そのあたりが日本の社会にいると難しいのです。
自分で思っていることは、そんなに間違いではないのですが、ただ、そのことを突き詰めていく作業のときに、どうやっても最初と違う方向にいってしまう人が10人のうち９人です。残りの１人だけが黙っていても伸びていくし、歌えるようになります。その人は人に伝えることがどういうことであるかを知っているからです。
海外のヴォーカリストがレッスンでなく身につけていくときのようなプロセス，それに近いことをやります。☆
たとえば「い」「う」で展開させるとか、「ル」や「ダ」を使わせます。そこで、一番欠けていることは、キレのよさです。本来、体や息をより使うということは、キレをよくするし、保てるためにやるのです。それが、たとえば、「こーのーあーいー」とかになってしまう。これは、声とともにイメージの貧困さです。体が使いきれないためでミスにもなりません。プロセスならよいのですが、そのプロセスをとれないで、ずっと学べないでいるのです。
常に考えて欲しいことは「このあい」と伝えるためにどうしないといけないのかということです。伝えるために声があって、それが日本人の平均レベルでいうと「このあいー」ぐらいしかいえないから、もっと深いポジションで「このあいー」ととらないといけない。そのためにそこの結びつきをきちんとした方向性にもっていく。そうもっていかないと、どんなに大きくなっても音楽的になっていかないからです。
ピアノを弾くのに力づくで弾いてみると伝わるといっているようなものです。しかし、プロのように、見ようみまねでも大きなジェスチャーをつけたり、思い切り鍵盤を叩いてみるのはよいことです。
そこで、自分にまだコントロールできなくとも大きさを感じていくことです。☆
指揮者のまねをするのもよいでしょう。すると、音に身をゆだね、そのなかから自分の音をみつけ、それをとり出し、その音を中心に音楽も動かしていくことが少しずつわかってきます。
プロとは、歌い込みの頻度が違うので全然、比べものにならないです。基本的な体力や技術の点からいうと、呼吸のとり方が小さく弱すぎます。同じようにとるのであればこのなかでもっと早く呼吸を終えておいて、それから歌うまえでもよいし、息を吐き終わった後でもよいからぱっと戻しておいても、その間にもっと余裕があるべきなのです。
音をおいていけるだけの余裕がない。これだけのことばを一つにしていえるという形でとる、そこの感覚だと思うのです。リズムや音感とかフレージングのところの問題を、楽譜上でみえているところだけで歌っているから足らないのです。
キレのなさも結局、余裕がないから、次のところで入れないわけです。気持ちも体もその前までに準備が整っていないと、そのフレーズからしか目がいってないから、そこから次のところにいけません。
音楽を聞いたあとには、その音楽のイメージのなかに入っていけるものです。自分の計算だけでは仕方ないのです。こういうのも聴き込んでいるうちに、節とかこぶしとかを、自分の呼吸に合せないといけません。
そこで生じるふしぜんさ、技術的に出だしをきちんと処理できないとか、終止の部分をきちんと止められないというところがネックとなります。発声や声の勉強をやっていないけれど、歌でできる人もいます。しかし、声もそんなに深いところでつかんでいるわけではなく、その声をうわべで転がしているだけの場合が多いのです。
深いところで声をつかんで展開するために強化することで、２、３音も音色を出せない日本人を１オクターブまで確実に声をつかめるようにしていくのが、ここのトレーニングです。歌は音域の問題でも、音量の問題でもないです。結局、体を一つに使って、ことば自体をどういうふうに呼吸を合せていくか。呼吸と声の関係の問題です。呼吸は大きくしていくほどよいのです。
そのために、ここの場所と時間があるわけです。いろんな課題をやっていますが、あくまで、そこから歌に気づき、歌と自分を合わせていくためです。歌をはじめるまでに、どれだけのものが入るか、それが本当のキャリアとして何年分、何曲分繰り返して入っているかということも、ベースです。
そのなかから、耳、体を統合していってそれから歌が出てきます。体というのは最初の時期、２～３年ぐらいまではぐんと伸びます。全然、泳げなかった人が泳げるようになるというレベルのことまでは、誰でもできるわけです。
しかし、そこからが大変なのです。技術として基本を抑えた上で伸ばしていかなくてはなりません。ただ泳ぐまえに水に入るだけで体力を消耗するとかという段階の人は、そこまでのことをこなしておくことです。90分、人前でやるためには、８時間くらい、立つ力がないとできないのです。
ここでできることは、いろいろな材料で自分のメニュをつくることです。２年で歌は何とかなるものではありません。歌を教えている学校はいくらでもあります。歌を勉強している人たちもいくらでもいます。それなのになぜ、５年たっても10年たっても、プロとしての歌になっていかないというと、最初に徹底した基本が入っていないからです。
何が基本であるかさえ、わからないからです。歌の基本は、音と声、それを感じ支える呼吸と体です。この上に本当は、文化とか風土によって支えられるものです。つまり、才能と努力、素質と勉強という、先天的なものと後天的なものとは、掘り下げていくと、しぜんな体と文化風土から受け継がれた感性になるのです。
音声表現に関して、日本の場合は、特に弱いのです。バックグラウンドとしてあらゆる表現に自分の血や感覚は入ってきます。なぜロックのことを直接やらないで、声に戻ってやっているのかというと、そこにしか本当の意味でくみ取れる材料はないからです。
たとえロックヴォーカルであっても、一流なら、伝統的なところの部分で、たとえば、オペラやカンツォーネなどから基本をくんでいます。応用したものは、舞台として、そのときは新しくとも、やった瞬間に古くなります。
個性的なところに応用されたロックに範はとりにくいのです。それに対して基本は、古いもののなかから受け継がれ、永遠に新しいのです。バレエやスポーツを考えてください。となると、基本に忠実なものから学ぶのがよいわけです。
ショービジネスの世界になってくればくるほど、余分なものがどんどんついてきます。しかし、それは最初の原点がある人に対してついてくるものであって、その人が原点そのものをもっていなければ、いくらショービジネスっぽいとこから入ってきても、ものまねにすぎません。
アーティストとして一人でステージを支える立場には立てないわけです。今、皆さんが聞いてみて、30年、50年と、そのヴォーカリストが多くの人に愛され引き継がれているのに、自分がもし、そこに何も感じず学べないなら、それはまだ、自分の耳が聞けないと認めるところからスタートして欲しいと思います。
本当のことをいうと、自分の感性の大切にすればよいのですが、私の経験からいっても、あるレベル以上で音楽を聞けるまで、好みより一流、難しくても人類が恩恵（つまり、感動）を受けとったものを聞き続けることです。そのことに早く気づくかが才能かもしれません。芸術とはそういうものでしょう。それに触れることと人生での体験から触れて気づくことが問われます。ピアノでも最初からよしあしはわかりません。
今、気づくのは無理でも、いくつかでも気づいてもらえたら相当、違ってくると思うのです。難しいもので、黙ってやっていたらくみとってこれるかというと、それでくみとれるぐらい、簡単なものであれば、誰も苦労しないわけです。
一つのことからどれだけのことを気づいていくかということをわかりやすくするために、いろんなものを聞きます。どんどん展開していくから、そこで判断できなくとも、まず全力で接するところから始めればよいのです。学びたいなら、一流の難物にあたることです。
バックグラウンドの力づくりに鑑賞は必須です。皆さんの鑑賞レポートでも、結局、大して聞いてないのです。そんな人の口から、一流の歌が出てくるとは思えません。学んでいたら一年後に自分のものを読んだら少しわかります。
書かない人は、そのことさえわからず学べません。本当のことでいうと、音楽の勉強になっていない。だから、音楽的な勉強をするための方法を学ぶため、その感覚を磨くためのことです。
今、ぎりぎりでもよいと思うのです。２年たって、しっかりと書けるようになればよいのです。しかし、それさえしないと、いつまでたっても自分の歌に自分の一番しぜんなものというのは出てこないと思います。
そこで出てきたもの、踏んできたものというのはどういう順番だったかを逆上ります。ノウハウということよりも、自分でどうしてこう変わってきたのか、自分の頭のなかでどういうイメージで何もなかったときから、今にいたるまで組み立てられてきたのかを知ることです。
それを、フィードバックしていくのです。どんなノウハウやシステムよりも、自分たちがやってきたことは自分の体でわかっているのですが、人に伝えるときには、自分がわからないところがあるから難しいのです。自分がわからないということでは、教える人も同じ問題を抱えます。
そういうことでいうと、ロックそのものを使って教えるというのは、できません。危険なことで、まして日本の歌でやっていくと、歌の力とは違うキャラクター性やタレントが問われます。
年に何人か、とにかくヴォーカリストとして恵まれてきたと思える人に会います。ヴォーカリストという定義はとても難しいのですが、何を歌ってもヴォーカリストというような人のことです。しかし、何を歌ってもヴォーカリストみたいにみえるという人は、逆にヴォーカリストというのではないのかもしれない。あるいはアーティストとヴォーカリストは、違うものとして、歌を歌うだけの役割のヴォーカリストといってもよいでしょう。
ここでいうヴォーカリストというのは作曲家や作詞家がいて、どんなものを与えられても、それを歌にみせてしまう声の技術のある人です。アーティストとは、もっと総合的な要素ですから、逆にいうともっと昔から受け継がれているような音楽の、一番よいところが何なのか、何が人の琴線に触れるのかみたいなことをトータルでやっていないと難しいと思います。音楽性ということになります。
ヴォーカリストとしての才能はあっても、それを歌ったら何かそこにアーティックなものが感じられるかといったら、必ずしもそうではないでしょう。技術や声だけで歌っている人もそうです。これは、その人のスタンスなり、その人がやっていけばよい方向へのヒントです。
アーティックなことでやっていくというのは、もっと広い部分でいろいろと学ぶことが必要になってくると思います。歌のなかだけでは難しいでしょう。楽器をやってみるとか、時代、社会に関心を向けるということも必要でしょう。自分のとりまく環境において、価値を出さなくては活動が成り立ちません。
ヴォーカリストは、それを歌で行ない、アーティストは歌を疑うところから行なう。もちろん、自分をとりまく環境というのをどのレベルで捉えるかも、その人に合せるのでなく、その人のなかに世界を包括していくといえます。
一人ひとりのヴォーカリストに対して、私なりのよみ方というのがあり、それで評価しているのですが、その基準を自分でつくることです。
私のことばを聞いているばかりでは、結局、ことばで間違った方向にいきます。自分でよみとったものが私のことばとあっているとよいのですが、要は自分で判断することです。
ただ優れているか優れていないかということでは、絶対的な基準があります。そうでないと、何も積み立てられていかないでしょう。私の場合は、誰よりも主観をはずしてやっているつもりです。ファンのたくさんいるアーティストの作品を認めないのは、おかしいことでしょう。ただ、そのなかでも、何が優れているのかを判断して、そこを学ぶのがコツです。学ぶための価値づけにすぎません。
よい歌に関しての評価は、どの国にいっても同じだという自信はあります。
その評価眼をつけてください（よい歌というより、よい歌い手です）。
歌らしく表現らしく整えようとし、あたかも歌がそうであるかのようなふりをするのをやめていくことが、大切なことです。それを徹底してやっていけばよいわけです。
日本は、そこがあいまい、いい加減、特に音声表現についてです。日本に住んでいるとよいものか悪いものかよくわからなくなってきます。それで本当によいものをみたときにも何かよくわからないで、悪いものをみたときも何となくごまかされる、見かけや他の人をみて、よいものみたいに思い込んでしまうのです。
本質を観る眼と判断基準が必要です。本質を観る眼を曇らせないために磨き続けるためには、一流のものと接し続けることです。☆
こういう分野でやっていくのであれば、自らのなかにすぐれた判断力が必要です。100人いて99人が認めなくとも、自分がよいと思うことが、それが一人よがりではなくて、きちんと歴史的に残るだけの評価となるほどの、あるいは人を納得させる理由をきちんとつけられることです。
説明はできなくてもよいのですが、提示できるということです。その基準が、ゆらがないということは必要です。それはこだわっていくしかわからない世界ですから、何かに自分のなかでとことんこだわっていけば、わかってくることだと思います。
誰でも自分の基準はもてますが、表現者としてやっていくなら、一流として通用する基準をもつことです。
基本的にことばの表現というのは、子供が「おかあさん」といったときにでも伝わります。別に息を使わなくても声を出す発声トレーニングで学ばなくても、自分の生活のなかで表現しているわけです。
その後、「はじめての」（ミファソソ）などと４音つけていうとなると、これは技術がいります。
音はとれますが、本物の音とその展開が、音楽になるのに２年ぐらいでもプロのレベルにいかないと思います。５年ぐらいやってこのレベルにいけば、かなり早い方です。だからそれは技術なのです。やらないとできないところです。
今は、音域はどこでもよいです。それでも日本人にはとても難しいから、まず半オクターブぐらいクリアできるところでやっているわけです。そうでないと、肝心な問題に入れないからです。
体とか息をやっておくのは、最初からマイクをもっての表現というのだと、前に出ていかないからです。狭いところで完結してしまうわけです。
だからマイクを使わず、声と音の空間感覚の捉え方の練習をするわけです。それに対し、距離をもって、ここにいれられるだけのことばの処理をすることです。そうでないと、歌が大きく活きてきません。
歌というのは主観的なものですが、それは好き嫌いのことで、基本でみるのなら、客観的なものです。
日本人というのは、どちらかというと、ワクをつくろうとしてワクのなかでやってしまいます。情景があって、お話があり、そこに感情が込められます。
しかし洋楽では、大きさが違います。もっと距離をとらないといけないです。
歌い手はいろいろといます。でも最初は、自分がその気になりきって歌えるような歌を歌った方が簡単です。ただ表現の大きさから考えると、自分のなかで閉じてしまうと、よくないわけです。開示を目的と意識をもち、声をとばすにも前にとばさないといけないのです。
それを口のなかでつくっていくのでは、カラオケのチャンピオンを超えられないと思います。
プロのをみるより、素人ののど自慢をみていたらわかりやすいでしょう。うまい人はとてもうまいですが、あのうまさで何がだめなのか、あれで何でプロといわれないのかというようなところを考えていけばよいと思います。
多くの人は、声がひっこんでいるからです。前に声が出る人も、体や呼吸がその人の大きさでフィットしていないからです。小手先の技術で磨けるものではないのです。ストレートにしぜんになって感じるようになることです。
日本人のお客さんが相手ですと、日本語でのていねいさを意識して声を殺してしまうところが往々にしてあります。☆
日本人のコミュニケーションのあり方、そのときの距離の感覚が出てしまいます。だから、歌がおかしくなってしまうのです。バランスがくずれるわけです。
きちんと「はじめての」といえる声で統一すればよいのですが、そうできないでごちゃごちゃやってしまう。声の流れを失ってしまうから、次に大きく踏み込まないといけなくなってしまうのです。でも、もう踏み込めない、それで全部、流れを壊してしまうわけです。
自分の一番よいところを出せるような判断を、自分のなかでつけていくことです。客観的な基準というのは確かにあります。それをとって、自分のものとしてみていく。自分のがわからなければ、人のからみていけばよいわけです。
そのためにグループでやっています。いろいろみえると思います。声の技術があれば、ここまでは近づけるところと、近づけないところがわかってきます。絶対に近づけないところは、アーティストの天性のところの部分です。だから近づけるところを近づける。すると、自分の天性がでてきます。
足らないところは、別の部分にもたくさんあって、それがみえればよい線にいくのではないかと思います。どちらにしろ、最初にはバックグラウンドをつくるということと基本を徹底してやっていくことをいいたいです。見かけ上の効果が出ているとか、声が出ているとかそんなことよりも大切なものがあります。バックグラウンドがある人というのは、後で器用なだけでやっている人に追いつき越していくのです。
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課題曲レッスン
「愛は限りなく」
このヴォーカリスト（ジリオラ・チンクエッティ）は、かすれて声量がないように思うかもしれませんが、大変に深い息をもち、しっかりと体で捉えています。そうでなければ、高音のポジションのときにここまで芯で捉えられないはずです。そして、中間音でヴォリュームをつけたり、音色を変えられる、これも、一流のヴォーカリストの条件です。
中間音を、この深さで捉えることができる日本の女性ヴォーカリストは、ほとんどいません。その深さのなかでことばをおいています。しかも、十代です。
このことが、今わからなくてもよいですが、音がつながっているところを聞いて欲しいと思います。また、できなくてもよいですから、この深さの息をイメージしてください。イメージしていれば、そのうち体も器も伴って、大きくなってきます。そうしないと、音声のイメージもできてきません。音声のイメージは、体とことばの延長上にあるものですから。
「なみだで そっと あたためたい」（レド♯ﾌｧ♯ﾌｧ♯ ﾌｧ♯ーﾌｧ♯ ﾌｧ♯ソラド♯レシ）
まず、「あたためたい」の「めたい」だけを言ってみます。頭のなかで「あたためたい」と感じ、思っておいて「めたい」のなかにその感覚を表現として出します。音声イメージをつくっていきましょう。ことばでつかんで、その感覚で音をのせます。
「なみだ」でつかんで、「そっと」はのせるだけです。「なみだ」は歌いすぎないようにしましょう。発声的になってしまいます。「なみだ」で踏み込むから「あたためたい」に戻ってくるのです。かなり大きいフレーズをとっています。
「くもが ながれる そらを あなたの むねの しろいハンカチのように そのしろさが むねに しみる」（ド♯ーー ド♯ー（シ）ド♯ レーー レレ（ミ）レ ド♯ーー ド♯ーーーーー（シ）ド♯レレレレーーーレレ レ（ミレ ミ）ド♯ド♯）
このフレーズで、メリハリのつけ方を学んでください。浮かしたあとは、きちんと踏み込むことです。そして、踏み込んだあとに捉えないと、流れてしまいます。
「くもが」をどうおいて、「ながれるそらを」の展開をどうするのか考えてください。
（ちなみに村上進さんは「しろいハンカチのように」で完全に浮かしているため、次の「そのしろさが」で踏み込んで、もとに戻しています。）
最初は、ことば、音の高低、メロディを捉えるまえに音のイメージを捉えてください。このフレーズの音は「ド♯ーーレーード♯」の３音くらいに単純に捉えて、音のイメージを読み込みます。
そのイメージを出すために、音の高低があるというくらいに考えておくとよいでしょう。
基本的に「くもが」から「しみる」までは、１フレーズとして考えましょう。自分の呼吸に合せると、切れるべきところでことばが止まるはずです。
「あいは よろこび あいは かなしみ」
（レード♯ ド♯ーーー ソ♯ソ♯ソ♯（ﾌｧ♯ソ♯）シラ）
「あいは」のなかに、体での表現を使います。「あいは」の「は」から「よろこび」の「よ」のところと、「よろこび」の「び」のあとが流れてしまうと間伸びしてしまいます。ことばも歌も、しっかり言おうとしたら、止まるはずです。棒読みにならないようにしてください。
２回目の「あいは」で捉えておこないと、「かなしみ」で音色が保てなくなります。「あいは」の「あ」をきちんと捉えて、「あ」で開くことです。この部分は、体は使っても声は押さえます。声が余ると、表現が死んでしまいます。声を押さえるとき、のどが閉まってしまわないように、息で押さえる感じです。雰囲気や発声だけにならないように、体を使ってバランスを保ってください。
「それが こいか」
（シーー ラシソ♯ あるいは、シーーラシド♯）
ことばをつくる部分と声の根の部分がありますが、今は声の部分を捉え深くすることです。ことばの発音に気をとられると、今は逆に体に声が宿らなくなってしまいます。
自分の体に読み込んでいって、そこで何かを感じ、その感じたものを外に出していく。そのあとに、声がついていくという感覚です。自分の呼吸に合せ、日本語そのものをきちんと音声にしていくことです。口先でつくらないようにしましょう。
ことばのなかで１オクターブ処理をしようと思ったら、音をつなげる感覚とともに、音、息の深さの感覚が必要です。
この感覚を、日本語でトレーニングすることは難しいので、カンツォーネやシャンソンを材料に使っています。カンツォーネは音声、ひびきのイメージ、シャンソンは言語、芯のイメージがつかみやすいと思います。その材料のなかで一つでもつかめたところを何回も繰り返しトレーニングして、完全にすることです。
３音程度の幅のフレーズができないのは、自分でイメージができていないからです。音楽の捉え方、耳での受け止め方が体に入っていないと、外に出すことはできません。体の状態、気持ちのテンションが高まっていないと、表現することはできないのです。レッスンを受けていくなかで、集中力を鍛えていってください。
歌になったときに同じ音をキープするためには、より体が必要となります。体を使おうとすればするほど、のどが開いていないとどんどんはずれてきます。だから、日頃から息を吐くことが大切なのです。
取り組み方としては、今できないことに関しては待ちますが、できることは100パーセント、自分を出しきることです。出しきれていないところに問題があります。体も気持ちも力を出し惜しみしないことです。
今日の基準をもって、各自トレーニングに取り組み、精神力も鍛えて、すぐに表現のテンションにもっていける切替えの早さを身につけてください。小細工せずに、ストレートに出していってください。
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ピアフ特集
「町は祭りの喜びに叫びどよめき乱れて」
すぐに音程がとれている人が少ないですが、難しい音程ではありません。ピアフに慣れていない人には、音程をとるのがいちばんの問題になってしまいます。なぜなのか、声の深さ、扱いが違うからです。☆
音程と別に、ことばの読み込み自体、かなりギリギリのところで読み込まないと、特にピアフの場合、何も練習にならないことがわかると思います。だから、音程はあまり気にせず、声でもっていくことです。
声の練習を土台にのせるということはどういうことなのかを考えてください。かなりギリギリで使わないと、これを一つ言ったらクラクラになるくらい、心身を使わない限り表現できないです。
もう一度、いきましょう。共通の部分を言っておきます。
日本人にとって難しい４分の３拍子ですね。弱起から入っていきますから「町は」ここの「は」のところで合せること、「は の びに き て」そして「乱れて」は同じ音です。変えている人が多いですが、アクセントから見るとこれら側の音に巻き込んでいくことです。
これは向こうの歌に共通しているところです。そこに強くやるということです。「町は」、という始め方よりもダンダンというところのダンから始めることです。「は の び に き て」これをフレーズの核としてとっておき、それにのせることです。
「町は」あたりは聞こえなくてもよいです。ただ日本語で歌うときは、そうもいかないから「町は」と、どうしても強くなってしまいがちです。
それから最初の「は の び に」というのと「叫び どよめき 乱れて」というのとでは当然、表現方法が違います。「町は祭りの喜びに」ここまでフレーズとしてことばをつなげています。だから、ここまではきちっとことばを握って離さないところの部分です。
次のところは当然のことながら「叫び どよめき 乱れて」という線がありますが、これをもう少し大きなところで回転させます。だから「乱れて」の部分は、体の反動の部分で言っておけばよいです。
もう１回、いきましょう。音の雰囲気を出せるようにしてください。いつも不思議に思うのは、２回やったときに、なぜ２回目が変わらないかということです。それなら、なぜ２回やるのかということです。１回目と同じ間違いが、たとえばことばを間違える、音をとり間違える。前の人のを聴いていたらわかるはずです。
音程は、間違って覚えてしまったら慣れていない人は、間違ってしまうことがあります。だからそのへんをきちっとやっておかないと、２回やって同じであれば、これを10回とか20回もやらなければいけない。すると先に進まないし、できている人に対して申し訳ない。
少なくともことばくらい前の人をしっかりと聴いていたら、そんなに間違えないはずです。間違えるのは構いませんが、同じミスを何回も繰り返すというのは努力不足です。自分がやったあとに何をやったかわかっていないわけです。自分のなかで、間違ったというところさえ、わからないというのは、おかしな話です。普通の人もそんなことはしないと思います。
ここの箇所で感覚が変わっていきます。少し読み込みにくいと思いますが、
「波におされて流され、たがいに抱き合い、いつしか二人は一つ」
群衆の波におされて流されて、群衆のなかで二人は一つになって、また群衆の流れによって離れていくという歌ですね。
とてもわかりにくいかもしれないですけれど
「波におされて流され」ここまで覚える。次に「たがいに抱き合い」ここで覚えると、
そして「いつしか二人は一つ」になるということです。
結構、難しいところですが、何とか乗り切ってみてください。
３拍子というのが難しいです。雰囲気が先ほどとは変わります。
先ほどはダダダダダ…という感じでしたが、ダダダダダダーダという感覚が少し変わりますので、そのへんを少しでも出せるようにどうぞ。
シャンソンの旋律とか３拍子とか、こういう進行は慣れていないな人にはピアフの声自体も難しいと思いますが、ヴォーカルのレッスンであれば、一年後に10回でとれないのは異常なことだと思ってください。
ヴォーカリストだと名乗りたければ、とれているのがあたりまえであって、とれていないのはおかしなことです。ただ普通の人には、かなり難しい。これは10回やらないととれないという感覚でも仕方ないですが、それだけ足らないと思って勉強してください。
同じような形でやっていきます。ことばで覚えてなくともよいです。ダダダダダダーダとかララララーラでも構わないです。ここで、ことばは、まだどうでもいいわけです。ただ、「ダ」とか「ラ」の方が数えにくいので、わけがわからなくなる人が多いから一応、ことばをつけているのです。
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「谷間に三つの鐘が鳴る」
古い曲です。
「谷間に三つの鐘が鳴る」
これは「ある山奥の谷間の村に、星のきれいな夜、赤ちゃんが生まれた。じんろくべいさんの門出を祝って村人たちは皆、盃を交わした」という始まりです。そこから「鐘が鳴るよ鳴る、教会の鐘が。じんろくべいさんの誕生の鐘が」という展開です。
「谷から谷へと村から村へと、小さな命の一つのともしびを消さないように」これで３番までついています。
ことばの練習というよりは声の練習です。この交わしたのところから「あー」と入っていきます。そこから「鐘が鳴るよ鳴る、教会の鐘が」というところです。きれいな歌ですね。
先ほどの上がっていくところが「あー」で「鐘が」と入ります。１オクターブあります。こんな感じです。「ア」でも「ラ」でも音がとれれば構いません。「鐘が鳴るよ」のところからやります。
和音でいうとレファレシ、それからレファシドです。だから変わっている音というのは最後の音だけです。最初はレファシレ、それから最後はレファシド、だから少し低くなります。こういうのは説明しなくても聞いていることで捉えてください。
日本語をつけると、少しやりにくいと思います。頭のところをやっておきます。
「ある山奥の谷間の村に」
そして、言い換えても構わないです。今のところ、
「鐘が鳴るよ鳴る 教会の鐘が鳴るよ」
にしても構いません。
「ある山の奥の谷間の村に」で、１音しか変わりません。
二つ違って、二つの音しか使わない、ドレド、これだけです。
音程がはずれている人は、基本的なところからがんばりましょう。
音程がとれるというのは時間をかけてください。器用にパッと聞いてパッととれる必要はないですが、本当はとれないといけないことです。それとともに、いくら何でも２音くらいのものですから、このくらい対応できるようにしておいてください。
少し難しい４度離れるところがありましたが、できないというのは、耳が劣っていると思ってください。
表現ができている人とできていない人との差があります。たとえば今のでも、私が説明するよりは、そのなかで学びとっていってください。
まず何が表現できているのか、誰がよいのか、誰が表現できているのか、なぜよいのかということが、わかるようにしてください。
そうでないとたぶん、自分でやっていることもわからないと思います。自分が音がハズれていることがわからない人とか、今ここで問われているのが何かわからない人は、それも徐々に勉強していってください。
「バラ色の人生」
「花におとずれる愛のそよ風は、二人の心をバラ色に染める」
ここまで入ります。そしてここからです。
「愛の悦び胸にあふれ」このくらいは覚えられますね。
そのまえのところは
「花におとずれる愛のそよ風は二人の心をバラ色に染める」
といっているところで入ります。
これはいいです。こういうのがあって入るという、まあジャズとかでよくやりますね。
「愛の悦び…おお、ラヴィアンローズ」この歌は知っている人も多いと思います。「ラ」でも何でもいいです。
皆さんが音程をはずさないでいけるのですね。いろいろな間違い方をするから乱されていく人が多くなっていくのです。
「ラヴィアンローズ」のところをどうおくかというのがとても難しいです。それと「愛の」の巻き込みのところ、それと「ラヴィアンローズ ータ」と次の音を予期して、「ローズ」と聞いた後、次の音を聞きたいと聞いている人が思うか、それで終わってしまうか、です。だから、ていねいにやってみてください。
「愛の讃歌」
これはジャズでも他のリズムでもいろいろとでています。
トランペットと聞き比べてみてください。
「あなたの燃える手で私を抱き締めて ただ二人だけで生きていたいの ただ命の限り 私は愛したい 命の限りに あなたを愛したい」
「ほほとほほを寄せて 燃える口づけを交わす喜び あなたと二人で暮らせるものなら 何にもいらない」
「私の願いはただそれだけよ あなたと二人」
本当は出だしのところとか「命の限りにあなたを愛するの」あたりをやりたいのですが、時間の関係で、またいつかやりましょう。
「あたしの願い」は、男性の場合は「わたし」と言った方がよいと思います。
「あたしの願いはただそれだけよ あなたと二人」という感じです。これも覚えてください。
「あたしの願いはただそれだけなの あなたと二人」
ハイテンションから入っていきます。）これも同じです。
「あたし」の「し」、「ただそれだけよ」言いたいところを決めてしまえばいいわけです。
そうしたら二つ踏み込めるわけです。それを音に合せる、そこまで言い切ってしまえば「あなたと二人」と、そこまでいかなくてクッションがはね返ってくるわけです。
だからプロの歌い方は皆さんが思っているより、こういうのを二つ並べるのではなくて、こちらを圧縮する代わりに下のこちら側からこうふくらましてみたり、バランスというものをとっています。かなり早く読み込んではいますが、慌ててやってはだめです。
それから「わたしのねがいは」と、均等にことばを並べる感覚はなくした方がよいです。実際、わざとことばをこういうふうに一つずつおいていっていますが、そこに流れが見えないと、全部、止まってしまいます。そういう歌い方もなくはないですが、ただことばはメロディのライン上にのせて処理していった方がよいです。
「モンデュウ」
「私の神様」です。
「モンデュウ モンデュウ モンデュウ」「あなたは私の神様」
同じです。
「あなたの愛を生きづかせるの あなたは私の神様 あなたのそばで私は暮らしたいの いつの日かあなたと別れる日に泣いても 私は生きる あなたの想い出抱いて 短い愛の日々でも」
これで２番です。転調して一つ上がっています。
「身も心もあなたにゆだねたいの こうして」
「いつの日か あなたと別れる日に泣いても」
がよいですが、どちらも難しいところは難しいです。
「身も心も」も入りにくいし「いつの日にかあなたと」
音はそんなに変わらないですが、いろんな課題がぎっしりと詰まっています。
「別れる日に泣いても」こちらは「ゆだねたいの こうして」です。とりあえず１番でやりましょう。
「身も心もあなたに」
覚えるのは少し大変かもしれません。
「身も心もあなたにゆだねたいの こうして」
同じところで
「いつの日にかあなたと別れる日に泣いても」
です。
「私の神様」というのは、そういう意味です。
「身も心もあなたにゆだねたいの こうして」
「いつの日にかあなたと別れる日に泣いても」
あるいは「ラ」でも「ハ」でも構いません。
何でもよいです。結構、大変です。
これだけ人数がいますと、いろいろな勉強になりますね。
私は、ことばでなく音のもっていき方を聞いていますので、ことばは何でもよいです。
「こうして」の処理、イメージの問題だと思いますが、そこが大きく違っています。
「身も心も」のところは全部、入れ込んでいくところですが、そこで入れ込めないから「こうして」や、最後の方にまだ力が余っています。
最後の方に力を使ってしまっては、バランスが悪い。力の使いどころというのがあるので、その配分を間違えないことと、それからその配分を体に戻してやることです。
頭で考えて最初に強くやって後でゆっくりにしようとか、柔らかくしようといっても、それは通用しません。
次にミルバので聞いてください。
こちらは「モンデュウ」の方ですね。
聞いてみたらピアフとの違いやピアフのすごいところとか、ミルバの歌い方のベースがわかると思います。ジャズなどでも、聞いてみるとよいと思います。
「愛の讃歌」
ピアフは語っていてミルバは歌っているというのがよくわかると思います。
最後の課題です。
「水に流して」
「わたしの胸のなかには甘い恋の未練などはないの。私は水に流して遠い過去のすべてを忘れるだけ」
これもいろいろとおもしろいところがありますが、今のところをやりましょう。
「私の胸のなかには甘い恋の未練などはないの」ときて、次のところです。
「私は水に流して遠い過去のすべてを忘れるだけ」というところです。
「水に流して」という歌ですから、「私は」を、それから「水に流して」と覚えてください。
「私は水に流して 遠い過去のすべてを忘れるだけ」そして「想い出に」と続きますが、そこはいいです。「忘れるだけ」まででよいです。
その後は「想い出に火をつけて みな燃やしてしまったあと、何もかもすべて忘れ はじめから出直すのよ」という「水に流して」という歌です。
「ノン」が「わたし」の「わ」にあたります。「わ」が伸びます。「忘れるだけ」のところで言い切れるようにします。
かなり語尾を引っ張りますので、「わたしはー」のところ、「水に流してー」のところ、「遠いー 過去のー」こんな感じにあまりならないように、シャンソン特有のビブラートはまねても、よいことではないのですが、ただアクセントをおくところはそういうところになります。伸ばすところにおきます。
最後のまとめとして、この曲で全体に注意するところだけ言っておきます。
まず、タータタタで入るのはよいのですが、タータタタと広げるようにならないことです。
当然、タタタ・タタタ・タタタで刻んでいるわけです。
この曲で知らなくてもよいですが、ほとんどそういうのが多いです。三連音でとっていくものですから、この曲は三連音が水の流れを表現している曲で、そのリズムにまず、うまくのってくださいとか言ったら余計にできないわけです。
そうしたら声は「ターニ」のなかにあるわけです。三連音に限らずタァーアアアという流れというものが。そうすると、「わー」１、２、３、４というふうに考え、１、２、３、４「たしは」なんて考えてくても、その声のなかのどこに入ればよいか、わかってくるはずです。そこまで読み込める人は少ないと思います。
バラバラにしないことです。これを聞いて「わーたしは」こういう感覚ではないです。「タータララ」ここまでつながるわけです。「水に流して」というところも同じです。タータタタこれはおくだけです。もう流れがあって、そこにタータタタタタ、そしてそういう呼吸があったら、次にタータタ、こう上がれるわけです。タタタ・タタタその呼吸のところがうまくいっている人は少ないです。
最後の「忘れるだけ」でハズしてしまっています。
「遠い過去のすべてを忘れるだけ」
どこかに入れればよいわけです。そうでなければ、その前にブレイクしておいて「忘れるだけ」でよいですから、そこで動きが止まらないことです。
曲自体は、全部、流れています。止めるとか止まらないとか、ことばでは全く逆のことを言っているようですが、ただ一つひとつのことばは、きちっと入れておかなければいけないです。
「遠いー」とこう引っ張ってしまうのではなくて、「と おい」と「おい」だから言っている声に出して表現して大きくやっている部分と、体で大きく表現している部分とは違っています。
今、皆さんが覚えて欲しいところは呼吸の大きさ、それから体では表現しているところの大きさです。
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基本レッスン
課題「ドドド（同音で３回）」
「ドレ♭ド（半音上がる）」
「ドシド（半音下がる）」
「ドド＃レ（半音ずつ上昇）」
「ドレミレド（上がって下がる）」
「ミレドレミ（下がって上がる）」
音が上昇するとき高低イメージで捉えずに、強弱にイメージしてください。
音が上がるときは強くするイメージです。
基本的に１フレーズと捉えて、最初の音に他の音を入れていく感覚です。「ド・ド・ド」と捉えるのではなく、「ドー」のなかに他の二つの「ドド」を入れる感じです。も、「ドー」のなかに「レミレド」が入っている感覚です。
・「ドー」とピアノで強く弾いて、そのまま音を伸ばしていると、この音の倍音（オクターブのドやミ、ソなど）が聞こえてきます。「ドミソミド」など、発声トレーニングでよく使われるのは、この倍音の和声を利用して、和音の感覚をつかむためです。
・高音で声がひっかかってしまうのは、声を離してしまうからです。息がどんどん浅くなり、のどが閉まってきてしまうのです。これを、口のなかであて方を変えていこうと考えずに、息のポジションをより深くすることによって、少しずつ解決していった方がよいでしょう。
口のなかでつくっても、ポジションや声が深くなってくると使えなくなります。息が通っていなければ、いくら口のなかでひびかせてみても、音色が宿りません。
・今やるべきこと、できることで確実なキャリアとなるのは、息を吐くことです。吐くことをトレーニングしていれば、吸う方はしぜんに瞬間にできるようになります。歌は、吐いているときに歌になるのです。吐くことをコントロールしていけばよいのです。
・発声練習は、歌うための状態を整えるものです。そのやり方は、人によって違うと思います。自分の状態がよい状態に整えられる型を自分でつくり、それをトレーニングすることです。
・体の解放、心の解放をするためには、集中力が必要です。声は、とても正直で、その人の状態－今のっているのか、足が地についていないのか、スランプなのかなどは、声でわかります。
声は自分の体のなかにあるもので、自分の状態をつかむ目安になります。そのためにも、型とは大切なのです。歌っていくうちにわからなくなったり、わかったつもりで歌っていたりしているときに、基本に戻すために必要です。基本の型にぴたりとはまらなければ、歌っていても伝わっていないはずです。
・声は、磨けば取り出せるものです。そして、磨いたものは、失われることはありません。声のことは、とことんやって身につけていって欲しいと思います。
取り組み方
「伝わる」ものには、必ず一つ共通の基本があって、その部分だけははずしてはいけません。それが何かを知ることです。日本以外の国だと歌い手は、その部分がなければ、決して通用しません。強いて言えば、それは息が通い、深く流れているかということです。
自分の声のオリジナリティを出すことです。フレーズ、ビート感がないと演奏とならないのです。息や線をつくれといっているのは、そういうことです。オリジナルの部分というのは、その人独自の感性、センスの部分です。
皆さんの歌を聞いていて、年に何人かは感動させる歌を一、二回残していきます。皆さんのなかでも、一瞬そういうキラリと光る部分はあるのです。プロとは、そういう瞬間をいつでも取り出すことのできる人たちのことをいいます。
まず、皆さんは、そういう瞬間を一回でも二回でも出す経験が大切です。レッスンのなかでも舞台でも、そのなかで研ぎ澄まされた感覚のなかでつかんでいってください。表現したいことがある。そのために必要なものを自分のなかに取り入れる。そして、キラリと光る一瞬を感じたら、逃さずつかむ。そしてそのことを蓄積することです。
クリエイティブ、またはアーティックな活動は、ある段階までいかないと本当に意味がないものですから、そこまではすべて自分で自己投資しなければなりません。そうして、いろんなことを学ばなければなりません。成長して、ある段階までいけたとしても、それを保つためには、もっといろいろなことを学ぶために投資しなければなりません。その繰り返しです。
皆さんが、もしこのような活動をやっていくことを選んだのに、人と同じように過ごしていては、選んだといえないのです。毎日の一瞬一瞬、今日一日のなかで何をし、何を感じ、自分にとって価値のあることなら、人に与え、伝えるためにどうすればよいのかを考え、感じ、蓄えていくことです。
人に与えることは、そのことによって自分の勉強になります。皆さんがもっと、自分の価値をこの場に出していれば、もっとも自分の勉強になるはずです。☆
そして、場も刺激的になり、相乗効果が生まれます。場の空気、皆さんの呼吸、体、声。それが働いているところから、アーティスティックなものが出てくるのです。そうすれば、しぜんに体に宿ってくるはずです。そのことを、単に積み重ねていけばよいのです。
トレーニングするということは、心と体を解放し、その場に入ることができて、自分のすべてを出すということです。そして、そのようになれたところから、いろいろなことがわかってきて、やがて自分で人前に出せるようになります。そのことを感じられるようになります。
それを５年、10年とやり続けることです。自分でチェックの基準もできなくて、感覚も鈍ってくるのなら、何年やっても意味はありません。研ぎ澄まされた感覚を維持し、それを何年も続けていくことが、どれほど難しいのか感じ、キャリアはどこで形成されるかということを考えてください。
研ぎ澄まされた感覚をこの場でつかみ、それを自ら出すこと求めにここにくることです。技術はあとで伴ってきます。その感覚とイマジネーションがあれば、必ず実力はついてきます。感覚が鋭くなることは、必ずしも幸せではないかもしれません。苦しいこと、つらいことをより深く感じてしまうかもしれません。
しかし、アーティストという職業を選ぶのなら、自分の生きてきたこと、悲しくつらいことはすべて表現に昇華して逆転していくことができます。すべては、この世界に深く活きてます。だから、そこまでの器をつくることです。そして、すべての生活、知ったこと、学んだこと、生きざまを集約して、歌、声で表現することです。
世の中には、歌いたくても歌う時間も場もなく死んでいく人もたくさんいます。皆さんは、歌うことのできる時間、場があることを、もっともっと幸せに感じてください。
はやくステージ実習、ライブ実習、レッスンが楽しくて仕方がないとなってくれるとよいと思います。
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「青色のジャヴァ」
「ジャバ」のリズムは、日本人の感覚にはあまり入っていないリズムです。３拍子ですが、２拍目に強拍がきます。４分の３拍子や８分の６拍子とも違います。このような感性、センスも体のなかに吸収してください。
ミルバが谷村新司氏の曲を歌うＣＤが発売され、来日コンサートが行なわれました。そのＣＤを通して聞いてみましたが、ミルバは谷村新司氏のもつ部分は全く出さず、よいか悪いかは別として、自分のものとして歌っていました。谷村氏をヴォーカリストとしてよりも作曲家として評価しているといっていました。
歌っている対象も、日本人に向けてというよりは、イタリア人に向けているかのようです。そこが、ミルバのミルバたるゆえんでしょうが、共演という感じではありませんでした。結局、ミルバは、いつも主役という形です。
ミルバなどは、全盛の頃とあまり変わらず、衰えていないのかもしれませんが、時代はどんどん変わり、これら一流のヴォーカリストたちもいつ世を去ってしまうかもわかりません。全盛の頃より体力、声そのものは衰えてしまうヴォーカリストも多いです。もし、来日していたり、見に行ける機会があれば、コンサートを見に行くとよいと思います。
一流のヴォーカリストのコンサートを見に行くときも、普通の観客として見ないことです。自分が主役として見ることです。自分のトレーニングに役立てるため、学びにいくスタンスでみることです。すべて、自分の肥やしとなるようにしてください。
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「男が女を愛するとき」
「When a man loves a woman」（レー(ド)レドドーーラドレ）
最初から英詞で歌うと口先だけで発音しようとしてしまいますので、「あー」でフレーズをつくります。
「～man」までで、一回か二回、アクセントを入れ体を使い声を動かしていきます。体を全力で使うとあるピークを境におちていきます。それを体の感覚でつかんでください。
「When」と歌に入るとき、その「When」はどのフレーズで、どういう形で入るのかをイメージしてから歌い出すようにしましょう。何も考えず、無造作に入らないでください。
「When」の「エーン」の部分でフレーズをつくり、きちんと自分で止めてください。しかし、トレーニングするときに先の「a man」があることを念頭に入れて歌わないとブツブツ切れてつながりが感じられなくなるので注意しましょう。
「When a man」の部分で動かして欲しいフレーズは、「When」の「エーン」と「man」の部分です。その部分はにぎって、他は解放することです。
大切なのは、自分がやりたいように動かしていることで、動かされてはいけません。そのためには、音程、リズムも含めて自分の呼吸に入れていくことです。そして、呼吸自体が表現を巻き込めるだけの大きさが必要です。そのために「息吐き」をするのです。同じフレーズを50回、100回とやってみて、表現の方から考えてみてください。
「loves a」の「a」は、そえられていることばと考えて、強調されないようにしましょう。フレーズができたら最終的にくるものです。そのまえまでで勝負しましょう。フレーズとしては、このあともありますが、この曲の勉強というよりも、このフレーズの部分だけで学んでいますので、このフレーズがこの曲全体の歌い方の半分の密度を占めているというくらいの気持ちで勝負してみてください。
音域は、自分が動かしやすいところに設定します。音が届くところではなく、体が一番動かせるところです。低すぎると体が動かないし、高すぎるとその音をとるだけで大変になってしまいます。
「When」と「man」、両方入れられないときは、片方に焦点を絞って一つだけでも出すようにしましょう。１フレーズに一ヶ所出れば、よしとしています。逆に、その部分で聞かせることができなければ、どこまでいっても聞かせることができないと考えてください。
長く歌えばよいというのではありません。短くても表現力が宿っていた方が表現のない歌よりよっぽどましです。レッスンでまわすときも、すべて１フレーズが無理なら「When」一言でもよいのです。自分のベストが出せる方法でやってください。
まず、フレーズを動かすということをしてください。感覚として、音が上に上がるということは、それだけ体を必要とするということです。ポジションをキープして、ひきつけてください。音楽も解放されるときは低音に下がっていき、強調したいときには上昇していく傾向にあります。その流れが出せるとよいでしょう。音符をとりにいくのではなく、強弱でイメージしてください。
ポジションをつかみ、体でキープすることと、音楽的、感情的な要素とは相反するものです。その技術と感情を、いかにギリギリのところで一致させるのかがポイントです。、音楽的要素を出すにも、100パーセント、前に出し表現に向けるように、練習のスタンスを向けることです。
表現というと、口先で雰囲気を出すことだと思いがちですが、ことばや音を根本でつかまえておいて、音楽的につき離すことが前提です。きちんとにぎらず離してしまうと、浮いてしまって芸になりません。声のことを考えずに表現ができるように、別に時間をとって型というものをきちんとつくっておかなければならないし、延長上に常に表現をおいておかなければなりません。
自分が、今、何ができるのかを知ることです。そのことがわからないと、レッスンでまわしている間にベストのものは出せません。そして、今の自分の力でできることをやることです。
最初の課題は発声、発音ではなく、息、体と声とを一致させることです。息がもっと吐けること、体が柔軟であること、打てばひびくような感覚に神経がとぎすまされていること。こういう状態ができないと、土台をつくり、そこにのることもできません。そのことに執着してトレーニングしてみてください。
ー
「黒い鷲」
最近、心配なのが、音程、リズム感に関してです。声のことを重視するために、ヴォイストレーニングにおいては、音程、リズムがくずれてもよいとはいっていますが、歌としては少しでも狂ってはいけないのです。
リズムの授業は、中級でも最低限度、なくてはならない基本中の基本です。この授業がプロのリズム感だと思ったら大間違いです。
今日のレッスンでやることがどうしてできないのかは、理解はできないと思いますが、理解できない音感、リズム感の世界があるということを知ってください。
ヴォーカリストは、バルバラというシャンソン歌手です。１オクターブの声をもっている人は、このくらいの感覚で音感をとっているのだということをわかってください。皆さんが歌ったときとは、かなりのギャップを感じるはずです。
「いつか わすれたけど あるひ めがさめると おおきなそらがさけて くろいわしが とんできた」（ラソファ ラシ♭ドドソソ シ♭レソ シ♭ラ ソレラレ レードシ♭レドシ♭ファララ ドシ♭ラ ミ♭シ♭ソ シ♭ラシ♭レラ）
日本語のことばとメロディが一致していて、めずらしく日本語でうまく歌える歌です。どこをつめて、どこを離すのか、とても単純です。
楽譜を渡されなくても、聞いたときに同じ繰り返しであがっていくのだとわからなければなりません。また、楽譜というものは、あくまでも音や構成がはやくとれるための補助的な要素しかありませんので、すべての表現が記してあるわけではないのは、あたりまえです。
楽譜が先で、歌があるのではなく、その逆なのですから。だから、曲を聞いてその歌から基本的なポイント、フレーズをとっていくことです。そのポイントを、体でつかむことが重要なのです。
まず、「いつか」から「とんできた」までを一つに捉えるトレーニングをしてください。そして、１オクターブを１音に捉えるイメージでもっていってください。その次に、どこで踏み込み、どこで離すかということになりますが、まずはできなくても、見本の感覚を自分の耳、体に入れる必要性があるということを感じ、感覚をよみこんでください。
「いつかわすれたけれど」から「わしがとんできた」までが１ブロックです。この１フレーズが何度も繰り返されて転調していくだけです。
１パターンの構成の曲をそう聞こえないように歌う勉強です。そのように自分で構成していくことです。
体から声を出すことが、最終的になぜ必要なのか。それは、音、リズムを一体としてより深いところでつかむためであり、声が出れば音感、リズム感を無視してもよいということではありません。そこが、誤解されているように思います。
声のことだけに偏ってはいけません。ただ、音程のための音程練習や、リズムのためのリズム練習をしてしまうと、声が出なくなるので体を使えといっているのです。その感覚をわかって欲しいと思います。
楽譜を配った理由は、音感のことをやろうと思ったからです。私のレッスンでは、音感について特に時間をさいていないようにみえますが、すべてが入れています。
間違って欲しくないのは、Ｗの中級のレベルは、もし１級～10級まで級があるとしたら８級くらいで、日本のプロのレベルで５級くらいではあるということです。楽譜をよむ力は、耳があればよいことです。よむことによって勉強していくという方法もあります。
一番やらなければいけないのは、体の深いところ、体の中心で声を捉えたときにどのような感覚で音が動き出してくるのかということです。音楽のなかの言語という感覚です。
ヴォーカリストは、音で話せなければなりません。そのなかにコード感、リズム感も入っていなければいけません。それは、楽譜をみたからといってつけれるものではありません。
そのあたりを中心に、レッスンしていきたいと思います。
ー
「アルディラ」
この曲は、比較的、息や体、声のことがわかりやすい題材です。
他の一流のヴォーカリストが歌っている曲にも、必ずこの要素は、満たしているはずです。見本と自分とのギャップをつかんでください。
「いのち かけて」（ラ♭シ♭ド ラ♭シ♭ド）
メロディをつける前に、ことばのなかでの課題をなくしておきましょう。
「いのち」の「い」を深く捉えられるか、何度もやってみます。ことば上で解決できたら、そのままの深さ、フレーズでメロディをのせます。そのときに、深く入れない、体がないことを知り、その差を埋めるために息吐きをするのです。
たとえ、音声にならなくても、深いポジションで捉えられていて、息が吐けていたら聴き手に伝わるのです。また、音程、リズムなど、楽譜上に記されている以上に表現を出さないと、ことばより弱くなってしまいます。メロディをつけるからには、ことばで語る以上に表現が伝わらなければ意味がありません。
「いのち」と「かけて」と、二度同じように繰り返すとあきられてしまいます。ふくらませたり、伸ばしたり、縮めたりと自分で何通りもフレーズを動かしてみることが大切です。
どこに自分は一番表現の重点を置くのか、どの部分がピークなのか、いつも考えながら歌ってください。同じ長さ、ヴォリューム感、配分にしないことです。
「ティセイトゥ アルディラ ティセイトゥ ペルメ」
（ラ♭ーシ♭ードー ラ♭ーシ♭ードー ラ♭－シ♭－ド－ ドーラ♭）
「ティセイトゥ」の「ティ」は、チとテの間の発音という感じです。耳で聞き取って、そのように声に出してみてください。
一語一語捉えるというよりも、大きなフレーズのうねりのなかで、そのなかにことばがついている感覚です。
「ペルメ」の部分は、日本語では「いつでも」とついています。この部分の「でも」の「でえ～」のなかにフレーズをつくります。この部分に音の感覚、リズムが入っているのです。ただ伸ばすのではなく、表情をもたせてください。線を出していって、線をみせることです。点があって、その間をつないでいってください。
日本人にしては、こんなに大きくやるのというくらいやっても、外国ではそれが普通の感覚です。感覚とイメージの要素の違いに差があります。
このくらい大きくトレーニングをしておいて損することはありません。大きくやっておいて、小さくまとめることはいくらでもできますが、小さくやっていて大きくするのは難しいです。
「アルディラ デルヴォ（ル）タ インフィニィータ アルディラ デラヴィータ」
（ファソラ♭ ラ♭ーーー ラ♭ーーー ラ♭ーーシ♭ ラ♭シ♭ドーード）
最初の「アルディラ」の「ディ」は、アクセントはつけませんが、深く入れて「ラ」にもっていきます。また、いつも言っていることですが、「アル・ディ・ラ」と同配分にならないようにしましょう。そうならないように、トレーニング方法として、「アル」にアクセントをつけてことばをよむ 「ディ」にアクセントをつけてことばをよむ 「ラ」にアクセントをつけてことばをよむ と３段階やってみると、リズムの長さ、強弱の配分がみえてくると思います。声から考えてみても、強弱アクセントで捉えた方が音楽的にも、もっていきやすいと思います。
表現することは、つかむこと（にぎること）です。つかむところを普通の言語でもっている外国人と、もっていない日本人とでは、大変、差があります。日本語も、そうつかんでいくトレーニングをしていくとよいです。役者や落語の人なども、つかんでいます。
常に考えて欲しいのは、１フレーズを線にして、そのなかでの構成をつくるということです。メリハリが必ずついています。そのみせ方、配分を考えて、うまく外に出していくことをやってください。
「デラヴィータ」の「ヴィー」で入れて、フレーズをつくります。「タ」で離すためにも、前の「ヴィー」は入れておくことが必要です。
「デ」から「ラ」へつかみます。頭をつかむというよりは、「デェー」、「ラァー」のしっぽをつかんでいく感じです。しっぽのポジションが浅くならないようにし、腹話術のように次のことば（「ラ」）をつなげる感覚です。つなげる線をつくらないと、体が使えません。
外国語は、強弱アクセントで、弱アクセントのところは、はっきり発音しないところもあります。その、あいまいな音声のうねりも見本から学んでください。
「ラーララララー ララララー ララララー」
（ラ♭ーソラ♭シ♭ラー ソラ♭シ♭ラ♭ー シ♭ドシ♭ラー）
この曲のコードの音です。コーラスの旋律だけとり出してフレーズをつくってみます。音の表現のトレーニングです。ことばは「ラ」でも「ア」でも構いません。見本のコーラスの歌い方は真似をせずに、サビだと思って思い切りやってください。心のなかでこの曲のリズム－３連の「タタタ タタタ」を感じながら歌ってみてください。
村上進の「アルディラ」の場合、基本が10あるとしたら、そのうちはずしてはいけないことが５あるのですが、彼は３の基本を踏まえて基本の５のうち２は無視し、その分、自分の世界に７もってきています。村上さんの雰囲気をそのままコピーせず、なぜならば、それは彼のフレーズ、オリジナルの部分だからです、こういう表現（基本からのずらし方）があるということを学んでください。
村上さんの壊し方に変わる自分のスタイルをつくって欲しいということです。どこまで壊しているのか、器の大きさを感じてもらえばよいです。同じことをやっても意味はありません。
トレーニング、レッスンでは、基本を教えていますし、その延長でやって欲しいのです。
ステージ実習やライブ実習、ＢＶ座など舞台では、表現という意味で、原曲をここまで壊して欲しいのです。その壊し方を学んでみてください。
ー
「はるかなる山の呼び声」
日本の歌い手も、昔は音色と音色の転回を大切に歌っています。今回の課題は、雪村いずみさんが歌っていますが、とてもフレーズを大きくつくっています。それは、できるできないというより、やろうとしているかどうかの問題です。体の大小にも関わらず、これだけの大きさがつくれるのです。
同じことが今できなくてもよいですが、同じ次元、間隔で捉えようとすることです。皆さんは、余裕を体につくってはいけません。最大限の力を出しきって、それによって足りないことが出てくるのはあたりまえです。
それが、トレーニングなのです。小さくすることはいつでもできます。しかし、小さくまとめてしまったものから大きくすることはできません。体をよみこみ、自分の体によみこんで大きくつくっていってください。
「あおい たそがれ やまが まねくよ よんでいるよ」
（ラ♭ドミ♭ ラ♭ドファミ♭ ラ♭ドミ♭ ファミ♭ファミ♭ファ ミ♭ファミ♭ドラ♭シ♭）
同じフレーズでとろうと思ったら「やまが」で一回、「まねくよ」で一回入れて、３倍から５倍、体を使うことです。「よんでいるよ」は、線を大きくとるところです。ここで展開するには体、息が不足しています。
「やまが よんでる ゆめも あこがれも やまのかなた」
（ラ♭ドミ♭ ラ♭ドファミ♭ ラ♭ドミ♭ ファミ♭ファミ♭ファ ミ♭ファミ♭ドラ♭シ♭）
フレーズをきちんとつくっています。「やまが」でフレーズ、「よんでる」で盛り上げます。「ゆめも あこがれも」は、曲で刻まれているリズムよりイメージは時間の感覚が長いイメージをもってください。長いイメージと、体が必要なところです。
「あこがれ」の「が」のように、ことばをいうところが前に出て聞こえません。要は芯、ポジションの深さでことばの音をきちんと止めていえるようにすることです。ことばで「あこがれ」というところに音をつけるイメージでトレーニングしてください。ことばだけでせりふのトレーニングをするというのはこういうことです。日本語は、気をつけていないと、どんどん横に流れていってしまいます。縦の線で捉えていってください。
この部分を１フレーズと考えると、
「（やま）がー、（よん）でーる、（ゆめ）も（あこ）がー（れ）もぉー」
のようにアクセントがつく音声イメージです。気持ちと体でそういうイメージをもっていないと、ことばをつめこんでしまうことになり、おいていくことができません。きちんとおいていけないと、単に歌い流して終わってしまいます。
この曲のような気だるい雰囲気の曲は、特に体をきちんと使っていかないと、だらだらと間伸びして終わってしまいます。体をしっかり入れてから、雰囲気はあとでつけます。
急にクレッシェンドしたり、またイメージだけ大きくするには、体、息をコントロールする力が必要です。
イタリアの歌い手のフレーズなどは、わかりやすいと思いますが、普通、１、２、３のあたりで力つきてしまうものを、さらに４、５、６まで体を使ってきます。その差を把握して大きくトレーニングしていくようにしていってください。
「わたしゃ むしゅくの わたりどりだよ さすらいの」
（ラ♭ファラ♭ー ラ♭ラ♭ファミ♭ー ラ♭ファラ♭ラ♭ラ♭ファミ♭ ファミ♭ファミ♭ファ）
「むしゅくの」は、歌わないところです。そして「わたりどりだよ」で「わたり＜」と展開できるとよいです。呼吸（息）がもう少しあるとよいです。
「わたしゃ」と「むしゅく」の間の空間の表現がもう少しあるとよいでしょう。少し間のびしています。
「わたりどりだよ」のあとの「さすらいの」の入り方を学んでください。うまくリズムが入っています。
楽譜通りのリズムをきちんと刻みすぎないようにしましょう。曲がおもしろ味に欠けます。英語の発音と同じで、歌は肝心なところはきちんと出して、他はぼかすようなイメージでやった方がうねりが出ます。すべてきっちりさせると、逆に自分の動きが止まってしまいます。
歌の構成からいうと、「わたしゃ」で10使って、「わたりどり」で６くらいにおとす感じです。「わたりどり」の部分は何回か＜＞を繰り返してゆらし、もたせています。
歌、声、気持ちのピークが一致していないため、バランスが悪くなっています。体が使いきれず、余ってしまっています。バランスがよいと、聞いていて一つの流れができます。歌詞の内容をよみこもうとするより、体の動きをよみこみ、体のなかのピークと声、歌の表現とを一致させるという考え方でやってみてください。
また、声が流れてしまいがちですので、体、息を吐く力、またそれをコントロールする力を養っておいてください。そのための、体づくりと息吐きです。
声のトレーニングとして、よい課題です。何回も繰り返し、ことばのつけ方、バランスを試してみるとよいでしょう。
ー
＜Ｑ＆Ａ＞ by 福島とトレーナー
Ｑ．“息のフレーズとことばのフレーズは違う”（ブレス、ことばの切り方、我々の業界でいう「切り切らず」なのかなと思っていますが）。「ポップスはさらにずれている」というのはどういうことですか。 何となくわかったような気がしたけれど、わからないです。
歌い上げないで、ことばを押さえる－これも先生のおっしゃることはわかります。
“セレーナ”の前半のフレーズは、現実の悲しみ、淋しさがあります。これをそのまま悲しく、淋しく表現するものなのでしょうか。 表現は、最初の私のレベルでは大きくして削っていった方がよいのはわかります。しかし、悲しみを悲しく表現したら、悲しくないのでは。 特にセレーナの場合、前半のフレーズは、悲しみ、泣き尽くした後の悲しみの表現であるように思うのです。だから、ここは大きい表現は必要ないかと考えてみるのです。
あるいは、ここは状況に現実をいっているから、少し淡々としていてもよいのでは－とも思うのです。こういう考え方自体が役者的で歌手とは違うのだろうか。 このへんのところもよくわからないのです。
Ａ．一般的に、音の世界で考え、音楽主体に表現するのがミュージシャンです。そこでのヴォーカリストの位置づけです。日本語詞と洋楽メロディで矛盾するとき、ギリギリまで溶け合わせますが、、私は最終的にヴォーカリストには、音楽をことばより優先するスタンスです。
きっと「こういう考え方」は「役者的」で、役者ではないし、でも「歌手」的かもしれません。
きっと本当の役者、歌手は「大きい表現」も「悲しく表現」も考えません。この歌に限らず、淡々と表現するでしょう。
この質問は、エチュードと表現を混ぜています。私は、表現を待ち望んでいるのですが、表現が出てくれないので、レッスンにおいては、エチュードになってしまうのです。
こういう考え方は、エチュードでのプロセスなので、このワク（次元）では、自分の設定で好きにやればよいということになります。
Ｑ．芯のある声は、ビーッというひびきがまじって聴こえます。ノドを開けて声を出すと、ボーッという息の抜けたような声になってしまいます。そこで、息の角度（というか、首の角度かな）を少し変えて、あごをひいてみると、ビーッといった声が出る。でも、これが正しいのかどうかよくわかりません。のどがビリッとしたり痛かったりするわけではないのですが、この歌い方をした翌朝、ノドが風邪の前日のような感じになります。この場合、朝からいいカンジで声が出ますが、やはり負担になっていると考えるべきなのでしょうか。
Ａ．このようなことであるなら、あなたは元々、日本人のなかで比較的しっかりした太い感じの声の持ち主なのでしょう。胸声をとったときのピリピリした声は、声の薄い人には起きません。声の芯とはイメージです。何をイメージしているかというと、深い息（自分で自分の息を深いと思い込めるサウンド［あくび－あくび声－最下音－気息音－ため息－胸部共振の順番でトレーニング］です。
しかし、実は息に深いも太いも大きいも小さいもありません。息は息です。歌に必要な息は自動的に出てきます。しかし、深い息を想起させるような姿勢、呼吸、音声はあるのです。あるものだとして、たぶんこれだろうと、自分の体で再現してみせることです。それが第一歩となります。
深い息が、声や歌で乱れても、息だけは深々とした印象を与えられるように、普段から意識していることです。その緊張感で過ごすのです。
特に深い息が必要な場面で息が抜けるようでは、恥じなければいけません。のどを開けて声を出すとボーッという息の抜けた声が出るということですが、声が確実に出ていないので間違っています。
音はしっかりと息もれさせずに出してください。息の力は音声の太さに変えてください。また、あごの角度や姿勢を少々変えても、ベストな声は出るようにしてください。
それからトレーニングでやっとこさっとこ出た声ですぐに歌おうとするには、まだ無理でしょう。その前に、４分間、息をフルパワーで吐けるようにしてください。歌の歌詞を深い息で言えるようにしてください。by トレーナー
