体の強さと表現が一つになって、初めて音楽として成立する。今の力では、表現しようとすると、体が離れてしまい、説得力のないフレーズになる。一つひとつのフレーズ、一つひとつの音に緊張感をもたせ、フレーズを大きく捉えることをまず第一に考えたい。今までは漠然と音楽を聞いてきたが、ジャンルに関わらず、一流のアーティストがこれだけ細かく表現にこだわっているのかと、目からうろこが落ちた。今のレベルで聞けないこと、わからないテクニックなどが山ほどあると感じた。毎回、何のためのヴォイストレーニングか、自分でしっかり考えることに気づかせてくれる。
自分の歌は一直線に流れていくだけで、どこにもひっかからない。外国の人の感覚は、楽器を演奏するのと同じように声を出していくといわれたが、自分でイメージしてやろうとすると、点になってしまう。ぶつぎれで何のつながりもない。息の流れは感じられない。もっともっと体を使えるようにして深い息を流さなければ、上っ面だけで終わってしまう。
体の原理に基づいてることだから、正しい声を出すことは絶対にできる。今、やるべきことはベターのベストをそろえて常に出せるようにすること。一回できても、何にも身になっていない。それが完全にリピートできて、実力（しかもまだできていない）。ベターである限り完全はない。が、いつも同じように体の使い方、そのときの体のひびき具合で出せないとね。くずれちゃだめだ。くずれるなら、今そこに課題がある。基準を上げろ。もう一回言う。一回できても何にも身になってない、完全にリピートできて身についていると言える。体使って出す。だが、体を使おうとしても力を入れるんじゃなくてリラックスして出す。だから、体を使おうとしたとき、支えられない体の弱さでは困る。そこを踏んばろうとしてリラックスできず力を入れるしかなくなってしまう。ピタッと支えられないかぎり、リラックスはできません。体をつくる課題です。柔軟性がないから、すぐ体が固まってしまう（たぶん、人の数倍、かたいだろう）。だから、ベストの状態としてキープできない＝リピートできないはずだ。リピートして完全にすることが課題である限り、もっと柔軟性が必要だ。
表現のベースになる一音を手に入れるのだから、表現しているヴォーカルをもっと聞きましょう。厳しい基準でチェックしていくこと、それが正しいこと、聞いた通りのことをやろうとしないと聞いている意味がない。ベストは出なくても、ベターをそろえるという課題がある。ここで厳しい正しい基準でチェックする。表現するための出発点の一音として。そして数日、１回１回呼吸を整えて「ハ」「ハイ」「ハイラ」「ハイラララ」他で量をリピートして、のどが守られるものを出さない限りもたないと、強引にやったところ、あきらかに数日前の声と全然違う。３、４日前の声の欠点がハッキリ見えてしまうぐらい違う。数日で体が変わるわけはないので、今までどれほど甘いチェックだったかということです。
体を使って、上体、無気力で体についた声を出す。それをそろえる。姿勢、まっすぐじゃないといられなくなる。横腹をふくらませたイメージのまま、腰、背中をグッと前に尻でふんばって、前下腹の方で流れないように支えてふんばる。上体は無気力の人。舌に力を入れない。あごに力を入れる必要なんて全然ない。このとき、リラックスのままであること。こういういろいろなことは出すときに考えないで、できるというよりできちゃうというレベルのリピートが必要だ。そしてこれはイメージだけで、感覚としてもそうしてるつもりでも、どうもあご、舌、胸、肩に力が入っている。なぜでしょう。全然使う必要は全くないのに完全にそれをリピートしてます。ただそれでも、数日前よりいいんだから困る。そして、この基準のままでフレーズ（ことばでも）としてそろえる。体はくっついたままの声で。でも一本調子じゃなく動かすんです。弱いところでも体からはなさず、強いところでも芯は同じままで動かすんです。大変でしょう、考えるだけで。１フレーズで伝えることをやるべきだけど、あまりにも何もないので２フレーズくらいで伝える感覚が、意図的でもいいから出せる方がいいでしょう。
正しさのみを追うトレーニングといってしまうが、声だけじゃ学べないので仕方ない、いいでしょう。このとき、リズムを守ることです。リズム感が出るといい。キィはベストとピークがあって、ピークはやりやすいけど、ベスト内のキィで動かせる方が実力のある人でしょう。だから、ピークから入りましょう。そのイメージのまま、ベスト内でできること。そして、伝わらない、ただの声、それでいい。そうなんだから。その基準こそ正しくもとう。頼れるのは自分の厳しい判断力のみとなる。この正しさがポイントとなる（あと実行だが）。一流を聞くことのみによって、その判断力は得られる。
今は聞こう。共通のベースとその人が一流と呼ばれる個性を感じとる。うーん書けることだが、それがしかも伝えられるように書けることかな、もしそうなら、伝わらないんだね。
自分本来の本当の声は壊れない。小さな条件の変化には左右されない。失われない。その声をつかんだ上でコントロールする。どれがいけない、どれがいいという絶対のものはない。自分自身で本質的なものを探って、積み重ねていく（常に集中しながら）なかで、みつけていく。。
福島先生は、難しいことを話しているわけではない。ごくあたりまえのことがわかっていない私、できていない私、やろうとしていない私、集中力のない私。
自分の息がお腹から出ているのか、それが声に結びついているのか、ゆっくりでいいから確かめながらやる。早くやりすぎるとお腹に空気がないままやることになるので、それでは何の意味もない。トレーニングのためのトレーニングになってはいけない。「ハイ」を100万回やったとしても何も考えずにやっていては、やるだけ無駄だ。一所懸命、精一杯やるということの意味をはき違えないようにする。オリジナルヴォイスとはどんな状態になっても失われないもの。二度だけ、これか？ と思う声と出会ったことがある。外人が話している声をまねしていたら、どこにもひっかからず気持ち悪いくらい何の支えもないかんじで自分で驚いてしまった。しかし、また元に戻ってしまった。そのときの感覚は忘れていないが、同じ声には出会えていない。グループでやるということは、いろんな人の声、発声の仕方がきけて自分の判断力をつけるのに役立つ。こなすだけのトレーニングでは身にならないと思った。自分の体の感覚は、自分にしかわからない。考えながら、確かめながらやっていってわかることがたくさんある。
オリジナルの声→基本がしっかりしてコントロールできている。クセではなく個性。息、声を出すことで体を鍛える、器官を鍛える。（フレーズ回しなど、その場で声を出すときは、体のことは考えずに、それは感覚で体に覚えさせる。その場で瞬時に声が出るようにする。つかんではなす感覚で。毎日の鍛え方の成果のかいがあり、「ハイ」は瞬時に体から放つことができるようになったが、だんだん難しいフレーズになってくると、疲れで集中力が欠けてしまうために、時間がたつにつれて、最初の「ハイッ」の感覚が出せなくなってしまう。特に、「ハイ、ラオ、ラララ」の「ラララ」が情けない出方になってしまう。最初はよいけれど、後はダメになってしまう。持久力と集中力、最後まで最初の「ハイ」と同じ感覚で出しきる力が自分には必要である。
私の声についてだが、質感がまだなく、出して気持ちのよいものでもない。録音して聞いてみても、まだまだ理想とかけはなれていて不快である。自分なりのトレーニング法をみつけ、マヘリアジャクソンくらいの質感が出せるようにしたい。私は女性としては低音の方だが、もっともっと低音域を鍛えようと思う。低音域にもっと芯がついてきたら、それから少しずつ高音域をめざしていこうと思う。声づくりについては、10年以上、もしくは一生かけてみようという覚悟である。カーメン・マクレーを聞いてみても、彼女の初期の頃と後期の頃とでは、声の質感が変化していっているのがわかる。初期は初期の頃なり、そのよさがあるのだが、後期の方が声に質感が重く、深く（何と言ったらよいのかわからないが）出ている。彼女の人生やキャリアが声に重なってきて、あの深みのあるものが出せるようになってきているのだと思う。
とにかく私も、声が完成してからではなく（それだと10年後ぐらいになってしまうから）、歌の活動もやっていきながら、少しずつ声をつくっていこうと思う。基本の出し方をもっとよく踏まえて、できるところもさらに100倍できるようにしていくべきだと感じた。
うまくいくときの感覚を常にとり出せるようにする。胸声とひびきのバランスは、このくらいでもよい（それで体が使えるのならば）。のどがかさつくときは、体から吐くトレーニングをして、体を整える。押し出すだけでなく、ひびき（フレーズの練習を用いる）。逸（そ）れはじめると、ずっとそれたままになっている。自分のトレーニングもあのくらい、徹底してやらなくてはいけない。緊迫感と時間の密度の濃さがまるで違ってしまっている。体があたたまってきた頃、自分でも「これだろうか」という感じがした。毎回、それが出てくるまでトレーニングし、すぐに出せるようにしていく。声を押し出すようにしないといけないという、自分の声への思い込みをなくす。
肉体的・精神的なあらゆる問題をクリアしてから舞台に上がりたいと思うのは、一つの道を進む覚悟をもてない自分の甘さであると、そんな歌う以前の問題について、福島先生の口から言わせてしまう情けなさと、同時にいつも今の私の状態を指摘していただけることをありがたく感じています。表現に向かう方向性が見えてこないと、トレーニングのためのトレーニングになってしまっている。“ヴォーカル”をめざすなら、表現に足りないものをどう込めていけるかから創っていかないと、何も統合されない。今、私の中でしぜんに出しやすくなっているのは、つくられた声だと思う。無駄な力を抜いてくるはずのことが胸にも背にも力が入りまくって、体の深いところに落としていく作業が何もできていなかった。自分のイメージや声を統合するために、頭を使う習慣は何も改善されていない。
細かく動かしているものは要所要所できちっと戻してやらないと、どんどん早くなったり逆に遅れたりする。耳慣れたフレーズと自分の中での譜上の区割りのようなものを、きちんと捉えておくことが必要。。
日本語の発音からくる長短のアクセントから抜け出す。音声のイメージ「ターター」。次につなぐフレーズなのか勝負すべきフレーズなのか考える。低～中へ盛り上がっていくサビ前のタイム感、加速さを出すために、体を入れる。音の流れ方で表情を表現する。次の表現の前のブレスで決まっていく。呼吸は止まることなく回っても、フレーズはきちんと強弱をつける。聞いて、すぐ音を捉え、出していくことができない。音の感覚、イメージのなさ、大きなフレーズで捉えることができない。意識的問題、日本語にとらわれてしまう。頭で考えすぎている。どこに強弱をつけるのか考え、その上で後は体の呼吸で直していくべき。ことばで表現することを重視していたせいか、音の表現が全くできていない。近所の子どもは「マンマ」だけですべての感情を表現するが、何を言いたいのかわかってしまう。私は、よろこびもかなしみも同じように聞こえている。最後のことば、呼吸まで集中力がない。
技術は教えられるものではなくて、何回もやって体で覚えていくもの。語るように歌う場合、息は、張って歌うときと同じくらい吐いているけど、声にする分を何分の１かにしている。ことばでしっかりとっていくこと。ことばが切れぎれにならないこと。ことばのリズムを崩さないこと。呼吸を止めるのは簡単だが、前に動かしていくのは難しい。トレーナーのコメント、特に悪い例についてどうなってるから悪いのかの説明が、イメージしやすくてわかりやすかったです。「声と体、息が一致していない」のも「声が先に進んでしまって、体、息がついていってないから字余りみたいにだらしなく聞こえる、息が余っている」と言ってもらえて、納得できました。
テキスト「ロックヴォーカル入門」Ｐ89の解説、とても役に立った。自分ではわかっていたつもりだったが、改めてこの親切な説明文を読み、理解が深まった。他のページの解説も、パラパラと目を通してみたが、ムダのないツボを押さえた文章が並んでいて嬉しくなった。こうして、テキストの使いこなし方を覚えていくのですね。
リズムに関して。ちゃんと“ノッてる”歌い手は、拍ジャストより、若干早く（難しいニュアンス）入ってる。難しいがわかるような気がする。頭で拍を感じて、そこから体を動かし、声にしていたのでは遅すぎるということか。体を使うタイミングと、それが声になる瞬間の時間の差か。すごく難しかった。頭の中が、がんじがらめの状態だったことに加えて、曲のテンポが比較的、速かったせいだろうか、コントロールしきれぬままに流れてしまった。先生がおっしゃってることはわかる。自分のやりたいこともそれなりにイメージできる。後は実際の体の動き。弱いというよりも鈍い。イメージしたものを即座に出せるようになるには…やはり数をやるしかないだろう。
トレーニング中、感じたことは、体が開かない、横腹も動いていない、姿勢も悪くなる、特に姿勢は部分部分バラバラに考えてしまい体は一つ、つながっているのだという感覚がないような気がする。それは土台がしっかりしていないからだ。つまり、ガチガチでとてもリラックスしているとは言えない。普段からの気配りができるかどうかだろう。また軍人のように背筋を伸ばしすぎて逆に呼吸が不利になってしまうこともよくある。重心がどうも後ろにかかりすぎていたようだ。胸も張りすぎて呼吸を阻害するようになっていたので正しい姿勢のイメージをつくり直すのも必要だろう。レッスン中、思うように声が出ないとき、ノウハウを思い出そうとするが、体が今の最大限の器までもっていけてないのが事実。調整不足を感じた。これはできるできないの問題ではないので、自分自身の問題だ。場をつまらなくするのは、あなた自身のせいだと先生はおっしゃっていたが、本当にその通り。それ以外にないと思った。成果を出せないからにほかならない。だからこそ、自主トレをもっとやらなくては！
先生のＦ１のレースの例えにすれば「こういうふうに運転する。あとで走ってもらうから何回か見ておいて」と言われて見ていても、コースやそこで何が行なわれているかを読む前に、どこをどう通っているのか、ひどいときは何が通ったのかさえ見ることができない。耳の動態聴力のなんと未熟なことか。できる人というのは、ことばも含め、まず何が行なわれているか（体の使われ方、コーナリングやスピードなど）を捉えることによって、全体が体に入っていくようだ。。
今日の福島先生はノリノリでした。何度も笑わせてくれて、とてもリラックスしてできました。頭で考えてないとき、自分が勝手に歌えてるときが何回かありました。無の状態になれました。心と体の解放と過度な緊張と集中力、これらが全部そろったとき、無の状態が生まれるのだと思います。自分が自分でなくなる歌になってしまう瞬間です。
「歌ってはいけない」ということについて、私はリズムや音程をどこかにおいてきてしまったような歌い方をしていた。歌ってはいけないということは、流れてはいけないということなのではないだろうか。どこにもインパクトがなく、何を表現したいのかもわからず、ただ曲の流れにのってことばを発していくだけ。そうなってはいけないということなのではないか。本物の歌は、アカペラでもその中にリズムが聞こえるし音程だってちゃんとある。でも、それを感じさせず声の表現だけがみえる、それが本物の歌だ。フレーズ一つとって、そこに強く表現したいところがあって、流れが出てくるのはわかるが、自分がここだと思ったところを意識しても体はついていかない。これはとにかく、トレーニングしていくしかない。あと感覚の問題で、自分と違う人はすぐわかる歌に聞こえてくる。メリハリがあって、一つのフレーズを自分なりにつくろうとしているのがわかる。私の場合、二言ぐらいの短いものならイメージできても、長いことばになってくると音として先の方までイメージできなくなる。原語でやった方がやりやすかった。日本語におきかえると、かなりややこしくなるものもあった。強調したいところがあって、そうでないところがある。表現が弱くなるのではなく、強くしたいところがあるから、そうでないところもあるということだと思う。ことばを意識しすぎると、流れがなくなってしまい歌にならない。人のを聞いていて、フレーズすべてに力を入れてしまうということは、フレーズすべて口先で歌ってしまうのと同じように表現がなくなってしまうと思った。自分にもその傾向がある。弱く出して、それも息につなげ表現するということができないものだから、強く出すという楽な方向に走ってしまった。曲のふくらみをイメージすること、息の流れの中に音をおいていくという感覚をもつこと。
前から気になっていたけど、わからなかったことがある。先生が、トランペットやサックスの楽器を吹くのと同じように音をおいていってると言われたこと。今まで自分は吐く息を一定にしてその上に強弱をつけていくのかと思っていたけど、トレーニングをしていて別の感覚があった。アメリカの有名なサックス奏者が、「呼吸を循環させるテクニック。息つぎをしないでサックスを吹くため。自分の限界以上やったら失敗する。息の持続の仕方を覚えれば、思い通りの長さを吹ける。」と言っていた。それは、息を吐き続けたとき（声を出していったとき）お腹はどんどんへっこんでくるが、それを腹筋の力で押し戻すという体の動きではないのだろうか。そう考えると聞いていてブレスはしていないようなのに、ことば（息）が続いているように聞こえることもわかる気がするのだが。毎回のレッスンで思うことは、自分の頭で考えることと、体で試していくということだけだ。
理論も大事ではあるが、それはベンギ上のものだけで有効であって、現場とは違う。だから、普段からイメージを大切に、どう現場（ステージなど）とつなげていくかが頭に浮かんでこないとうまく使えない。体－息－声はつながったものでないと意味がない。出口もきちんと見つめないといけない。トレーニングのためのトレーニングになってはダメだ。意識を高めて実践に活かしたいと思いました。体をリラックスさせて話を聞いたりトレーニングすることがまだ慣れない。余計なところに力が入ってしまい、足、腰が痛い。体を鍛えることからしっかりやっていかないと、体力がついていかなくなってしまいそう。集中力の強化も必要。胸にひびく自分の声は低くてとまどった。のどが乾くから息の吐き方が間違っているのかも…早く正しいトレーニング方法を身につけよう。まだ人の様子をみてしまう自分がいるし、トレーニングすることに（正しいかどうかなど考えてしまい）、控えめな自分がいる。とにかく出してみることだ。出た声を早く判断できるように努めよう。
一流の歌手の歌をヴォリュームやフレーズの動かし方などまねて、自分で実際に歌ってみると「この人がこんなに簡単そうに歌っているところが、こんなに難しいなんて」と気づける。そうすると、そのあと歌の聴き方が違ってくる。なんにせよ、自分でやってみないことには気づくことのできない一流のすごさというものがあるのだ。
今できるところを確実に、いつでも取り出せるようにすること。できることをよりよいものにしていくことが、今の私には必要。
自分では、言われるまで気づかなかったが、日本っぽいフレーズなんだな、やっぱり日本人なんだなーとしみじみ思ったりした。私のキライな谷村新司のようにクサク歌っている自分に赤面しながら、まあいいかと思ったりする。演歌は苦手なはずなのに、今日かかった曲に感動して泣いてしまった。やっぱり演歌って日本の心？と思うのだった。今日はじめ、歌に迷いがあった。いろんな人にいろんなことを言われて、普通に歌うのがいいと思ってた。あれこれ言う人は結局、価値がわかっていないで、自分のいるレベルや経験内でしか判断できないのだと思った。でも、一つのことを極めないでどうする。あっちもこっちも両方できなきゃ、でなくall aroundに、弱くも強くも自由自在に歌えればいいだけの話であって、そのために勉強しているのだ。全く違うことを言う人がいると、対立した考え方と感じがちだが、世界でいう歌というものを球として捉えると、両者は球体の別の側面であるに過ぎない。日本の歌（球体のかなり狭い部分に限定されているかもしれない）の世界に欠けている部分をトレーニングしている。少しでも、all aroundに対応できるようになるために。かといって、皆が普通にできること（音程、リズム、声）はできて当然なので。
声を出すことの技術的なことにとらわれすぎていると、前に出なくなる→前に聞こえなくなる。出す瞬間には絶対の集中力、すきのなさをもって臨む→技術レベルは、その瞬間もう問えない。声を出したらまわしてはいけない。迷う（途中で）ことはあり得ない。表現する気迫があれば、統一性＝オリジナルが出てくるはず。結果、失敗したとしても、その一瞬に入れていれば、何かしようとしたことやプロに対して足りないのがわかる。できないことは、後からつけていけばよい。やるのは表現。まず“出そう”と思っていないという甘え。思いきり、きっぷのよさ、張り、テンションを最初のワンフレーズを出すところからの意識のもっていき方。集中。Goが出たら、行けること。凝縮してぱっと出せること。最初の10秒でも違う世界、空間をつくる。トレーニングをしたことでよしとするような鈍感になってはならない。。
今日の授業は（特別の授業は初めてでした）とてもペースが早くて、曲を聞いて、ハイッ歌ってみて…また曲を聞いて…やってみて…と、約６曲くらいだったんですが、声を出すので精一杯。メロディがないどころではなかった。自分の耳と感覚をさらに疑ってしまった。まだ、声を出そうとすると音がとれない。音をとろうとすると声が半端になる…気になったところに悪いものが集中してしまう。まるで、教習所に通い始めて間もない運動音痴なドライバーみたいでした。今日、“なるほど”と思ったことがありました。外国の歌を聞いて、まねをしてみようと思うと、どうしてもフレーズを伸ばすこと…と捉えてしまいがちですよね。でも、そう、違うんです。すごく、あっさりとフレーズを切ってたりするんですよね。あちらのヴォーカリストは。でも、なぜまろやかに聞こえるかというと、声自体が“倍音”だからなんですよね。声にすごいワイドがあるから、耳にはなぜか伸ばして聞こえる。でも、それは単に、奥行きの成せる業だったんですね。やはり基本は、問題の根本は、“声”なんですね…。
上半身をリラックスさせ、お腹から息を出す感覚は、自転車やバイクに乗っているときに感じられる。姿勢よく座るものではなく前傾するようなもの。ハンドルに全体重をかけると腕も肩も疲れるから、腹筋や背筋で体を支えなければいけない。そうするとしぜんに下半身は安定し、上半身はリラックスしている状態になる。この方が体も自由になる。そして姿勢もまっすぐにして声を出せば、すばらしいトレーニングになる。体力づくりにもなるし、何よりも自転車は風を肌で感じることができるから、心をいきいきさせるのにもってこいだ。自分なりの楽しいトレーニングをたくさんみつけたい。
一本調子で大声で叫ぶのではなく、歌の流れを考え、声に奥行きをもって前に出すこと。決して表面をなぞるのではない。歌をきちんと捉え、安全性を追求すること。一流の人の歌を聞き、理解する耳をまずつくること。そして、自分に何が足りないか、何が必要かを知ること。「santa lucia lan tano・te」の「lan tano・te」で音がはずれてしまった。ずっと体に入っていかなかった。歌いながら自分でもはずしたと思った。思いながらも直せなかった。「santa～」で大きく捉えるので、「lan tano・te」を弱く捉えてしまいそうになる。芯を離して弱々しくなってしまう。深い位置で保ちながら、柔らかい表現というのは難しい。今回の曲はとても難しかった。小さく歌っていても、力を抜いた感じもなく、とてもうまい歌手だと思う。全然マネできませんでした。
「同じパワーで20曲歌い続ける力」－何てすごいエネルギーなのだろう。まだ私は５分全開したら、こと切れてしまう。「ハイ」今まで口で先に「ハイ」をつくってしまっていた。もっとお腹の深いところからふくらみ始める「ハイ」がある。少しだけきっかけをつかめた。「あーおい」で「あ」をひっぱるのでなく、置くような「あ」にしたとき、根っこが途切れてしまう。“自信はなくてうぬぼればかり”ああはずかしい、はずかしい。今日のみつをさんのことば。表現に向かえない私につきつけられる。でも少し、つま先を少し前に進められたかも。あっ、またうぬぼれてる。
フォームについて（息吐き“ハイ”と言う）のアドバイスがありました。最近、息吐きで、また疑問を抱いていました。入所してから始めて、未だに息吐きのポジションがつかめないでいた。①息をたくさん吐こう、長く強く…と思っていると、結局のどで押しているだけで、あご、口にすごく力がハイっていた。②それを直そうと、のどを開け、側筋に力を入れようとすると今度は息が前に出なくて、逆に息が中に入ってきてしまう。③それを直そうと、お腹で前に前にと思うと、吐き気がする。④吐き気が気持ち悪いので、お腹の力を入れるところが違うと思い、とにかく側筋だけでその力で“ハッ”とやる。まだ“ハイ”とは言いにくいのですが、この感覚かな…と思ってきた。
今日のアドバイスで一つ覚えたことは、先生が、“この背中のまん中です”と言われて、私は“えっ？”と思った。自分でやってたところと全然、違うポジションに力が入ることを知り（というか、もちろん腰なども全体に力が入ることになるのですが）、おどろきました。こんなに広い範囲にわたって力が必要なのだ…ということ。なるほど、やってみると、腰まわりからもっと背中までに、全体に意識を集中し、“ハッ”とやってみると、不思議と、なんとなく口や首に力が入らなくなる。へたに“お腹、腹筋…”と凝り固まってやっていたので、その緊張が、あご、口、首に力が入る原因でもあったのですね。最近では、耳の下が痛くなったり、こめかみ、頭痛…とにかく顔がすごく痛んでいたので、非常に今日のアドバイスは助けられた気持ちでした。意識を少し高めにもってきて、ポジションは深く、胸を張って息を出す…これでまた、始まりになりました。今日は、少し変な言い方かもしれませんが、本当に“始まった”という感覚が私を取り囲みました。
ワンフレーズで人と違う自分というものを出せなければ、歌になってからできるものじゃない。歌を知ってるとか知らないとかはあるかもしれないけど、知らないから自分を出せませんでしたなどという理由なんて通用するわけない。結局、この自分と今以上に向き合っていかなければいけないと思う。
優れた作品を聴き、体の使い方と表現を見せていただけたこと。息、体を動かすことが、すべての基本であること。雪村いづみさんがすごい表現と体の使い方をしていることを今さらながら知ったこと。
最近、いろいろな先生が、たとえば腹式呼吸についてさまざまな表現をしてくださっていることが、自分の中で統合されてきている。各々の先生方の表現があって、それがとてもおもしろく、一人に教えていただくような形より、わかりやすいと思われる。私の場合、歌と語りを混同させてわけがわからなくなるときがある。未だにわからないが、歌の表現の中から大きく、そして多くのものを取り込み吸収したいと思っている。
この福島先生の授業は、一流の作品をたくさん聴き、大変に新鮮でおどろくことが多い。体の動かし方は、基本的に同じ（歌も語りも）だから、“い”の音のとり方とか強調すべきところに息と体をもっていく方法などは、スケールの大きい歌を学ぶことによって、自分の体の器が大きくなっていくと考える。しかし、語りの場合（日本語によって）、特にドキュメンタリー作品のナレーションなどは、抑揚を大きくつけていくことがあまりないため、却って安定した息の流れの中（ブレスノイズが入らない状態で）強調したり、ことばにニュアンスをつけていくのがとても難しい。別の意味で大きく体を使わなければならない。しかも、低音部を使い、迫力と説得力を必要とされるので、なおさらである。ここらへんが課題である。
すばらしい歌を聞くときの課題として。必ず自分だったらを考える（距離を自覚する！ 距離を埋めていく課題をみつけ、手がけていく！）自分の感覚に素直に（無理は続けない！ カッコつけない！）白紙で聞けるように（音楽にひたれ！ 心が）あびるほど聞く（音楽にひたれ！）一曲を深く聞く（しつこく！ あきらめず！ あきらめず！ ただあきらめず！ ）耳ができてくると目標が絞られる…なぜだろう。「これだ」と気づくときに関して…何となくではなく、はっきりとつかめる（非常な驚きでこの話は聞きました）
思い切り力を入れてやっていたことを、無駄な力を抜いて同じことをやる。声量ではなくインパクトが大事。最小のエネルギーで最大の効果を出す。ものごとは教わって身につけていくものではない。自分で身につけていく。自分から動く。合気道は、呼吸をした方が相手に吸い寄せられる。周りとの気の問題。隙を見せない。トレーニングは無駄だらけ。質をよくしていくことが大切。トレーナーのことばを自分でどう消化し、取れるものは取り、削るものは削ること。何かを吸収し複雑にしたら、自分で選択して単純にすること。慣れていないメロディの動きなどで、今まで経験していないような動きになったら、それを受け入れること。新しい体の感覚が大切。人間の動きの中心は腰。手足が腰から距離があってはいけない。体全身が、統合された感覚。意識、感情、声の一致。人間であれば気持ちの動きがあり、それを声にのせる。ピアノと一体化する声の感覚。周りと調和しようという意志がないと、一体感を失う。反射的な動き、声。遠慮があるとき、声を出すタイミングが遅れるように思う。体を預ける感覚。身を任せる感覚。私は両手、両足、首の後ろ、後頭部にかなり緊張がある。集中度の強さを身につける。その集中度の持続。握ったものを放すと、拡散になる。極端なことをやる。極端にやることで合っているのか、間違っているのかがわかる。日常の生活で、思いきり感情表現する機会があると、それが自分の経験となるように思う。呼吸を深めると感覚が変わる。ひらめき。感覚、気の充実。自分であるかのごとく、思い込んでいた嘘の部分を落としていくこと。そうすると、体の邪魔をしている部分が取り除かれ、自分が歌っているのではなく、神（または対象物）が歌っている感覚になる。体の中に宿るものを外に出す。
何かあったときに「あっ！」と言うが、このことを客観的に考えてみると、何か衝動があって心が動き、体も動き、声が出るという結果になっているという説明は確かにうなづける。この「あっ！」が表現の原点なのだと何となく感じた。確かにこのときは「あっ！」と言おうと思って、その通りに「あっ！」と言ったというふうになっていない。このことが、もし正しいとすれば、僕は今まで表現というものを大きく勘違いしていたことになる。今までの僕は「表現とはこういうものだ」という先入観が先にあって、それから表現というものが出てくると考えていた。しかし、今はそんな先入観なんてもともとなくて、むしろそういう先入観のないところに表現というものが出てくるのではないだろうかと思えてきた。「あっ！」のように。思わずそうなって結果として表現という形になって表面に現われたというイメージだろうか。でも、さぁそれが音楽とどう結びつくかと考えるとわからない。音楽と結びついていかなくてはどうしようもない、という気もするが…。心を解放するということで、どれほど体も解放されて、それが声と結びついているのかということがわかった。後半の「あー」とただ声に出しているときには、自分でもおどろくぐらいの大きくて力強くてよい声が出た。この感覚を音楽に発展させていきたいと思いました。ちなみに天に向かって両手を上げて「あー」と叫ぶということは、誰も見ていないところでやってみたいと思う。確かに、この「あー」は力強くて、素直な表現になっているような気がする。ただ、これが変な方向にいくことは避けたいが…。
反射神経。一瞬にしてその世界に入り、自分を出していける。一つのフレーズに聞いたものを自分の中に入れ込んで、自分を出せるか。「苦しめないで忘れないで」のそのことばのなかにどれだけの思いを込められるか。そのことばを本気で言おうとしたとき、呼吸が深くなり、そのことばを言いたい体になったという感覚があった。このことばを言ったときに、ことばの裏にある感情が、人に伝わるためにはどうしたらいいのか。それは大きな声を出せばいいというものじゃない。口先で苦しめないでといったって、伝わらない。自分の心からの声を出さなければ伝わらない。自分がそういう状況になったことがなくても、そういうことばを言ったことがないとしてもイメージがある。いろんな一流のものを見たり、人と出会ったり、今まで生きてきたやってきたことの中にいろんなものがつまっている。そういうものから取り出してこなくてはいけない。誰に言っているのか、どんな気持ちで言っているのか本当、一瞬でもボーッとしていられない。他人のを聞いていて「何だあいつ!!」と思うこともあるが（やる気の面で）そういうことにも構っていられないので、すぐ意識を自分の方に戻さなくてはいけない。ことばをどこか入れ込む、それも深く。これは歌の段階というより、ことばの段階でまだまだ入れ込めていない。だから入れ込んでいるところと離しているところのメリハリがつかない。自分では、そこの音に感情を込め、入れようとしても体がついていかないから、ただ声を前に出すだけに留まってしまって、私の表現というものが出ない。出そうとすると、口先になっていく。体も鍛えていかなければいけないけれど、心の方は鍛えるというより、自分の意識と思いの強さなのかもしれない。
結局は、僕がどのようなものをどういうふうに表現したいのかということがあって、初めてトレーニングの仕方が決まるのだなと思いました。レッスンが終わって福島先生に「生々しい」「臨場感」ということばを使って質問させてもらいましたが、最終的に僕がどう表現したいのかによって決まるのかなと感じています。たとえば、殺すシーンでも、本当に殺しているように“生々しく”“臨場感”を出して表現するのが見ている（聞いている）人によって、より僕が伝えたいように伝わっているかどうかが大切で、それによってその“生々しさ”も“臨場感”も変わってくるのかなと思いました。それには僕が、聞いている立場になって、自分の歌が自分が伝えたいように伝わっているかどうかを客観的に考えねばならないと思います。それは結局、自分で一つひとつつかんでいくべきものなのだと思います。
「ことばと音」～ことばを音にする～歌を歌う状況を自ら創ること。その空気をつくり、“表現”する。トレーニングと表現をしに来る、という違いを知ること。課題に対しては、結果を出さなければならない。トレーニングを表現に結びつくようにやっているか？ 何のためのトレーニングかを明確にすること。常に、歌の練習をするときにも、観客がいるということを仮定する。自分の気を高め、集中力を身につける。本気にならないと、“肉を伴った声”は出てこない。歌の中に入れるかどうか。そして、フレーズ、ことばを表現するための技術を、トレーニングで鍛える。人に聞いてもらう力を学ぶ。人に伝える「何か」を探す。
福島先生の①のクラスで学んだことが、私の中で重要なもの（こと）として残っています。それは、レッスン前の心の準備です。時間と空間の話。本日のレッスンは、人数が多くてそういう“気”を高めることが非常に難しかった。そういうこともあったのか、鑑賞の時間がとても多くとられて、少しずつ不思議な感覚が起こってきました。特に、カルメンマキのときは、最高潮でした。
即興をするときに働く頭の中のメカニズムを分析してみると、曲を聞く→音をとる→ことばが音に、どうやってはまっているかを知る→最高音、最低音を知る→どこでアクセント（盛り上がり）をつけるかイメージする→どこでブレスをするか考える→聞いたまんまの楽譜的考えをどう崩すか考える→自分の声はこのフレーズを歌うとどうなるかイメージしてみる→それ（そのイメージ）通り歌おうとする（歌いたい）には、いくつかの部分できっと引っかかるだろうと予測する→そこをクリアするためにその重要部分をフォローするために、どこの部分で調整するか→その部分には○○○ということばがついている。そのことばをどう処理するか（じゃあ、○○○ということばを少しハネてみようとか、伸ばしてみよう…など）－歌う前に、これだけのことを数分、または数秒で考え、音声（歌）になる、ということを私は今日の授業で知った。
途中で頭の中が戦争になった。こうして考えてみると、大切なことが抜けている。それは、“何を歌（詞）っているか”だ。まず、それが最初に考えなければいけないことなのに、それがなかった。そして、これだけのことを考えても、いざ歌ってみると、すべて結びつかなく、頭と体がまさにバラバラで、何とも後味の悪い思いだった。
一回一回体を使って、ていねいに発声する。ゆっくりでいい。先生に、ことばで「あごもっと引いて」とか「肩動いてる」「肩の上だけで言ってる」などと言われるごとに、どんどん不しぜんになってしまう。言われてその場で直ることではないのだから仕方ない。自分ができないこととして心にとめておこう。自分のトレーニングの中で少しずつ直していく。自分でよくないところに気づけないのが困ったものだ。とにかく目標（今の時点）は、「ハイ」をしぜんに言えることだ。
サビの部分からアレンジ的にリズミカルになり、気持ちも盛り上がってきた。そのあまり力がノドに入ってしまいガサガサしてしまった。サビの①、②、③どれをとってもつっぱしり過ぎて、自分の中だけで盛り上がり、構成的につまらなくなっていたと思う。②の部分、どうしてもつなぎの部分としてよみ込むことができなかった。テンション、ヴォリューム、共に①＜②＞③（ただし①≠③）というのが自分の中での解釈です。①＞②＜③という形だと、一致しませんでした。②のとき、つなぎとして扱おうとすると、とても難しい。①から②に移るとき、車のブレーキングで言うと、制動距離にあたり、切りかえをはっきりさせるのが難しかった。ポジションを保ったままヴォリュームをおとすのは難しいと感じた。
「よく練習する人」最後は才能と感性かもしれないが、自分に眠っている、もって生まれた力をどれだけ呼び起こせるかも、才能と感性なのだ。天才トランペッター（黒人）が「黒人はジャズがうまいというのは、白人に比べてレッスンする場が少ないからだ。楽器は自力でマスターするしかなく、その中に自分のソウルを入れ込むことしかできないからだ。」私はこれを原点のことばだと思った。難しかったりくじけそうになるときは、このことばを思い出そう。
「ハイ」がナチュラルに言えない。りきんでしまう。→「ハイ」のイメージが悪いせい（いかにも発声というイメージを「ハイ」に対してもっていると思う）。歌ではできてることが発声だとできなくなることがある。しぜんな「ハイ」他、発声イメージをもたないと、トレーニングが無駄になる。トレーニングの仕方について：「ハイ」深い感覚でとりたい、強く大きく言えるようになりたい、ナチュラルで、どこもりきんでない声をつかみたい、など、今そのうちのどれのためにトレーニングしているのか、いちいちはっきりさせて「ハイ」と言う。その他の課題は、できなくてもとりあえずおいておく。全部いっぺんに意識すると体が動かなくなる。「ハイ」のイメージ：ストローでピンポン玉を吹き上げるように、息が体の中の線をどこにも触らずまっすぐ出していく感じ。
トレーニングでは比較的、深いポジションがとりやすいが、歌になるとどうしても、浅くなりやすい。ねばるくせがある人は、スピードが出ないので注意すること。フレーズを歌うにしても、やっぱり基本は自分のペースをつかむことなんだと思った。フレーズの長さでどれくらい息を使うか、体を入れるか瞬時に自分のペースをつかみ、歌えるように日頃から練習が必要だと思う。
声の流れ、リズムの流れ、メロディの流れ、ことばの流れ、感情の流れ、この５つの流れ（＝線）を束ねて歌にしていく。これが「声という器に音楽を宿す」ことの正体なのでしょうか。
一冊を深く読み込む。何か言われても気にすることはない。自分のことだけ考えていればいい。本当に体を使えて声を出せたら、発声トレーニングだけでフラフラになるし、座り込んでしまう。ワンフレーズ歌うだけで、じわっと汗ばむ。→そうならないんだから、私はまだまだ。自分の今日の調子をきちんと把握する。私はのどに力が入ってきたなあと思うと、声を出すのを加減している。加減せずに思い切り出してみて、どうしたらのどに力が入らなくなるか、工夫してみる。思い切りやるって、本人は思い切りやってるつもりでも実は全然それが思い切りの限界じゃないことが多い。思い切りやれていないこと自体に気づけないんだ。思い切りやるためには、自分の限界を超えるつもりでやることだ。そこで初めて、100％出し切れる。歌の中に深く入り込むことも同じ。自分では入り込んでいるつもりでも全然、表面的であることが多い。それで精一杯、入り込んでいる気になってしまうことがこわい。常に問うていよう。もっともっと集中してその歌を感じとれるんじゃないのか？ 歌と一体になれるんじゃないのか？ もっともっとやれるんじゃないか？ と。自分が知らずにつくっている「自分はここまで」の壁を打ち破るつもりでやっていく。
何がどれが正しいというのではなく、いかにそのときに集中してできるかが大切で、そのうちにしぜんと体がよい状態になってくれる。常に自問して、今からどうするかを考え、実行していかなければならない。到達点（ゴール）などというものはなく、どんなレベルであっても、まず始めに基本があって、その上で問題はあるのです。私は最初、呼吸するにあたって、それがどういう方法でどうすれば正しくできるようになるか、いつも考えていました。でも、それは毎日の積み重ねで体がしぜんな状態になってくれるのかと最近、少しずつですが思い始めています。
先生の授業でいつも必ず一つ、同じことを言う。それは“息はしぜんに入るものだ”と。それを頭に入れて息吐きをしていくと、確かに出したら出し切れば“ボンッ”と息が体に入る。そして、お腹の周りが柔軟になってくるようになる。今度は、メロディやことばをつけてみると、また事情が変わってしまう。今の私は息を出し切らないと多くの息が入ってこない。だから、メロディを歌っていると、各フレーズはそんな出し切るほど長いフレーズがいつもあるわけではないし（その前に長いフレーズを最後の最後までお腹で支えられない）その間に、短いフレーズがあったりして、歌の中盤で逆にお腹が張ってきてしまう。張っているから、結局のどの方に力が入り、お腹で声を出しているつもりが、上半身で勝手に処理をしてしまっている声になってしまう。そんな感じで歌が進み、間奏になる。しかし、張ったお腹は間奏でもリラックスできず、後半にそのままもちこんでしまう。また別の面では、今度は一つひとつが割と長めのフレーズの歌だとして、比較的、安定して息と声が一致して（キィが合っているフレーズという点もある）、うまくいっているところで少し音の並びが（音符の並びが）動き出してくると、逆に、安定してた分、別の動きができにくくなる。固まってしまったみたいに（というか、もうそのキィのあたりでお腹がストップしてしまうみたいな…）。そのキィのあたり以外では、安定は望めない状態に陥る。今の私の状態がこんな感じなのですが、固まってしまうと息が入らない。意識して“出さなきゃ入らない”と思って、急いで息を出してしまう。変なクセがつかないように気をつけなければ。続けて、続けて基本のステップを踏めば、きっと少しずつ、そのコントロールができるようになると信じます。音楽を“感じること”というお話で、私が勝手に捉えた解釈は、“イメージトレーニングかな…”と思ったのですが…。自分の中に、今までなかった音（声や楽器）に出会うと、戸惑って、全然、自分の波長に入ってくれないものと、スンナリ入ってくるものがある。スンナリものを取り入れるだけじゃだめだ！と思っても、そうでないものだとイメージがぜんぜん浮かばない。“たとえば自分が今、その音を出していたら、こんな感じであんな感じで…”と、想像がつかない。無理やりその違うものを入れようと思うと、自分の中のスペースが崩れる。でもいろんな音に触れなければならない。難しい。とても。
声を発生させる→“表現する”→歌にするという少し大胆な流れで書いてしまいましたが、“表現する”両側に“何か”があるんですよね。私の段階では、まず声を発生させることを身につけなくてはいけないんです。この流れを頭に入れながら、声を発生させる…あー、すごくキレたいです。プッツンとキレて声を出したい。まだ、身体、精神の中にキレてないところが、破れないことろがある…原因は何か？
「聞いていると汗が出てくる」トレーナーが言ったことに私は正直、驚いた。聴き方の違いをまざまざと感じた。ここに来るまで邦楽一辺倒だった私は、今でも「声のある」ヴォーカルの歌を聞いていると、疲れてしまうことがある。しかし、汗の出るような聴き方をしたことは一度もない。頭で想像するより、体で想像できるように。聞きながら一緒に歌い、一緒に体を使っていくうちに、耳も養われていくのだと言われ、自分の聴き方の甘さを、また痛感した。聞き流しているのではダメで、意識して聞くことをもっとしようと思う。
最初の一音のポジションをどうとるかが非常にポイントとなること。そこを深くどれだけつかまえられるかだ。つかまえられたあとは、その一音を維持しつつふくらましてみたり、ガーと体を使って引き伸ばしてみたりする。その際には、当然、体がちゃんと使えていることと、支える力があることが必要となる。また、フレーズを細かい感覚でとるようにすることも、のちのち役に立つそう。最初からもっと背中をふくらますようにする。つまり、息を吐き始めた後、徐々に体に力を入れていくというのではなく、とにかく最初から100％入れていく。息の段階でこれをやれていないと、“つかみ”の部分でポジションを深くとることが難しくなってくる。そのためのトレーニング。一番重要なつかみの一音を取ること。とてもわかりやすかった。「よおいしょ」から「やっほっほっ」「ハーアーアイ」「あーまーみー」という段階を見ることで、今やっていることのポイントがはっきりしてくる。また、体の使い方の違いというのも各段階に応じて“絵”としてイメージできるようだった。
30分間は体の感覚にすべて託して、脳ミソを外して体で考え抜くことが大切だ。テンポにも音にも。頭にいきそうになるのを外し続ければ、ポジションを低い位置に保ちやすくなる。福島先生の見本は、きちんと福島先生の表現が成されている。あの通り、摸倣しようとしなくていい。ポジションと体の使い方だけを捉えて、後は自由の表現をしようと心がければいいのだ。「アオ・ラオ・ララ」の中でも充分、表現を学べる。意味をもたない文字の羅列だが、そこでしっかり「気」を込めておかないと、このことばが突然「いのちかけて」になったとしても、何もできない。声がいくらでかくてもダメ。心の奥から自分の想いを出そうとすると、しぜんに声の輪郭を円にして音を押せるようになり、フレーズにつながりが生まれる。不思議だ。「感情」って不思議だ。感情って波なんだ。うねりなんだ。伝えようと思うと、がむしゃらに出さず、胸の前のところから出る音の波を、徐々に徐々に相手のところまでつなげていこうとする、空気を震わせて。おもしろい。表現から入るってことだ。
アーティストの息使いに合わせて息吐きをやること。ときどき息吐きに飽きたときやってみるが、その大変さに却って酸欠になりそうになったりしていた。有効なんだと感じた。また吐くとき、吸うときの間に“止”を入れると、体の変化がわかりやすい。スタッカートのときのような効果がある。
いつも問いではじまり問いで終わる。なぜ何十回聞いても、日本の歌を歌うときと同じようにいかないのか。音に対する感覚が違う。多くの日本人は音と出会わずに終わる。体がどういう状態にあるかわかったとしても、感覚はつかみどころのない生き物のようだ。レッスンで聞く歌手の声は一つに統一されている。ポジションが全然変わっていない。表現することからそれていく。リズム・音程などを気にして私の口から出ることばは嘘くらい。こんなんじゃだめだと同じことばを再び口にする。私は伝えたい気持ちを100％以上もっているか?! 自分でしっかりと握っているか?! そのワンフレーズに全神経を集中しろ。強く出した音が必ずしも高い音というわけではない。弱く出した音が必ずしも低い音というわけではない。日本人とは違う感覚で外国人は歌っている。私はそのことがずっと気になっているが、頭の中は晴れない。ステージ実習の歌を練習しているとき、日本人の歌だと楽譜通りの音程で歌っているけれど、外国人は音符通りになど歌っていない。何ヵ所か必ずピアノを弾く音と歌っているものが違うところがある。音符に一つの音がつく日本語とは違うことだ。フレーズの中で必ずその音符の音程は通過しているけれど、それは点としてではなく、線の中でということなのだと思う。そして、それが動かすということなのか。
今まで、フレーズの中にどういう形でことばを置いていくのかなどとは考えたこともなかったが、大切なことなんだと感じた。歌の中にことばが取り込めていればいいんだと思っていたが、受けとめ方がなんか違ってたなと感じた。
声楽とポップスのひびかせ方の違い。頭にもっていくのと、鼻へもっていくこと。同じひびきでも当てるところが違うと声が変わるので、自分の声をよく聞くこと。高音は首を上げてのどを開く。逆に低音はあごを下げてのどを下げることにより、平べったい声や極端な音色が出ない状態にすること。
久しぶりに目からウロコが落ちたような…自分は何てたくさんの時間を無駄にしてきているのだろう。全然わかっていない。気づくべきところで確実にものにできてなかった。頭でしっかりわかってやっているのでないところが、一番の原因だと思う。「何となくそう思った」感覚でとってきたから。福島先生との大きな差、なぜ先生は学ぶことができたのか、練習できたのか。あの耳、理解する力（自分のものとして）は、相当やらなければムリだと思う。
自分で判断するということがまだできないが、自分の声を判断するために人の声を参考にしている。頭ばかりが先行してしまうと、体がついてこない。１回目より２回目をよくしていこうという意識とテンションを上げてやっている自分ではあったが、課題が具体的に見えてこないということはわかってない証拠か。均等に息が吐けてない。ロングトーンが苦手。これは課題だ。先生がいて人数が少ないだけで緊張しました。福島先生が「あの先生みたいな人は、いるだけでいいんです。」と言っていた意味が少しわかりました。よく見せようって意識が働きそうになるけれど、そんな力もないので、ただ精一杯、先生のアドバイスを活かせるように前向きな姿勢で取り組んだ。１回目より２回目がよくなることがやはり目標だ。
呼吸に合わせてフレーズのおき方、スピードを変えてみる。これはできるとすごくおもしろく、やりがいがある。ずーっと同じに歌うよりずっとおもしろい。捨てるとこは捨て（力を均等に配分せず、全部は歌わない）１フレーズやポイントで出し切る（見せ場をつくる）。フレーズも全部、塗りつぶせばよいというものではなく、間があいてもスピードを変えたり（おとしこみ）別の線をつくった方がおもしろい。
理解できないかもしれないけど、認めざるを得ないものがあるということ。
いろいろなことを考え確認しながら、この授業を受けた。今やっているこのトレーニングは何のために、何を伸ばすためにと。そう考えるだけで、声の出し方が変わってくる。特に今日思ったのは、“あえいおう”というもの。のど（口）の奥は同じように解放しておこうと思った。それに“い”を他の音と同じように縦に出そうとした。意識しすぎると舌に力が入ってしまうけれど、縦に深くなってきているのを感じた。マヘリア・ジャクソンの“ジェリコ”を聞いて強く感じたこと、それはリズム感。とてもとても軽快で、バックのピアノの音と声とがとても“あっている”と思った。ただ、おっしゃったように“ヴォーカリストの声のプロセスを聞けるように”ということが私には欠けていた。
ヴォーカリストにとって、テンションが重要な要素であること。テンションとは、シャウトしたり張り上げたりということではなくて、一曲の最初から最後まで聴き手をひきつける、そういう世界をつくっていくものであること。林英哲氏は、今月のPlayer誌のインタビュにも出ていたが、結局テンションは、その人の存在自体からにじみ出てくるもの、要はその人の生き方、人生そのもののあり方から出てくるものなのではないかと思える。反省すべきは自分の生き方か？ クイーンは昔からよく聞いていたが、かなり印象が違ったことにおどろかされた（機器と音量の違いか？ それともいかに普段は無神経に聞いているのかということか）。
声を出すときの体（お腹）の動きを細かく考えすぎずに、体そのもので覚える。息吐きのときに、しっかりと息を吐くこと。先生に練習のパターンを100ぐらいもっていなくてはいけないと言われた。そして、それを50くらい、いつでもできるようにしておかなければいけない。一つの練習しか知らずにいて、そればかり２年間やっても上達しない。個人練習でトレーニング方法の発見とテキストをよみ込む。そして体で覚えられるようにする。
「できてみなければわからないことがあるので、あまり細かいことは気にせずに練習を続けること」とトレーナーに言われて、少し気が楽になりました。
出だしと終わりを決められるか。出だし…体のフォームとキィをしっかり決めて、一音が出せるか。次に続く流れを踏まえた音として出せるか。終わり…決めるところをしっかり決められるか。伸ばすところ、大きく出すところの余裕があるか。
自分の呼吸で歌うということは、頭で考えてたりしてはだめだ。自分の体にきくんだ。音の流れに全神経を集中してその中に入り込む。自分の体の中に入れる。そしてその音を、自分の体に合わせてみる。ものすごい集中力が必要だと思う。自分が感覚そのものにならないと迷ってしまう。でも、そういうことを少しずつでもとり出せるようにしていかなければ、自分のものは生まれてこない。一つのフレーズを短くとる。いくつかのフレーズを凝縮していって一つの感覚でとるようにしていく。これは、点でとっていくこととは違う。頂点になるところかもしれないけれど、点と点は線でつながっているのだから、その線を感じながらフレーズをとっていく。
言語の違いが音をとる感覚をも違わせているということはわかる。日本語は流れていかいなもの。文章で読んだって句読点ばかりだし、そういうものに慣れてしまっていると感情にそった読み方ができなくなる。人に伝えることばが話しことばじゃなくなる。歌は文章を読んでるのではなく、話して語って叫んでるものだと思う。呼吸に合わせるということは、自分がどう感じて、どうことばを発していくかだと思うから、どこを強くして弱くして入れ込んでと考えるのではなく、その音の感覚のなかに入ったとき、自分がどう感じたかが大事なのだと思う。
いろんな歌い手の曲を息の線を絵で描いたらおもしろいと思った。声で聞くというより、どういう呼吸の流れで一曲をつくっているのかみえてくると思う。自分のを書いたら、浮き沈みがほとんどなく、一本のまっすぐな線がいくつも切れ切れにあるだけだと思う。人と歌い方が違っても、自分の呼吸に合ったときというのは、自分の感覚がとても気持ちいいと言っている。数回だけど、そういう感覚があった。とにかく集中していなければ、そういう感覚に鋭くいる状態を保てない。今はこう動きたいと体がいっても、そう動けないものがある。それは頭で制御しているとかではなくて、体がついていかない。
「最初に楽譜があるわけじゃない」ということは忘れがちだということに気づく。日本でなら、短歌とか自分の気持ちを綴ったものがあって、それは説明文なんかではなく、「私はこう思うんだ!!」という叫びでしかなかったと思う。それがより、多くの人々に直接、伝えたいからというんで歌になっていったのだろう。だからどんな歌も「私、こういうことがあってこんなこと考えて、こうしたいのよ あなたどう思う？」とか「こういうところがあるんだけど、とってもいいところよ」とかいろんな思いのことばのくり返しなのだと思う。そうしたら、それを伝えるとき、自分はどんなふうに目の前にいる人にそのことばを投げかけるのかということが自分の呼吸というものにつながるのではないか。ことばの裏に自分の感情がなければ、それはつくられたことばのくり返しでしかなくなってしまう。嘘のことばは歌になっても伝わらない。
上のグレードの人との違いは、体もそうだが何フレーズか先をちゃんとまとめていくことができると思った。その人の呼吸が聞こえた。呼吸に合わせて自分のフレーズをとっていくということは、頭で考えていてもできやしない。今の自分の体でできることは何なのか、どこまでなら表現できるのか、それがわかるには自分がこうやりたいというイメージがないと、その差を埋めるためにこういうことをしようという課題は出てこない。
本物を聞いて、自分の体に取り入れ、それをどう自分の中で再構成し表に出し、そのあとに何が残るのかが問われる。フレーズの動きを感じて、自分でコントロールしていく。音の長さや音程が気になるけれど、それだけではないということ。よい音楽を聞くとき、ただきくのではなく、音のイメージ、何が表現されているのかということも感じよう。今日は、とても暑い日で、熱気にあたり調子が悪かったのですが、本物のアーティストだったならば、声にそして歌にそんなことを感じさせないだろうと思いました。体の具合に左右されてしまう私は、まだまだ未熟だと思います。それに、体もできていないということも感じました。ワンフレーズの中で低から高、高から低音という部分にそれが出てしまいます。本物とは、息と体の強さが全然違うのです。トレーニングするしかないのですが、そういうことを感じるとき、自分にイライラしてしまいます。また、フレーズをとるとき、最初は大きめにとり、一本一本きちとつないでいくことが大切だと思いました。体と音のイメージをつくっていくことが、私の第一条件です。
音程差がなさそうであること。今さらのようにことばの深さを感じた。あれが全部、体の中に入ってしまうということは、本当に自由にことばが動いていけるのだろうなと思った。胃のあたりから下にすべて入っていて、その中でできる。同じようにやろうとして、たちまち浅くなるとき、振り回されているように感じた。一つにしようと思ったりする時点で、すでに不しぜんになってしまう。張り上げもせず、展開していって、きちんと終わる。あのわき腹のあたりで声が鳴っているような感じ。
シャンソンを聞いていると、自分のクセがよくわかる。自分でやっていることが、つくっていて気持ち悪かった。思うように言いきれない。基本をやって確実にしないと、やりたいことができない。未だに当たるかはずすかというところでしかやっていないのだと思った。日本語をうまく３拍子に入れるのは難しいが、おもしろい。ぎりぎりまでつめれば、動いていくものだと思った。
音声イメージトレーニングのレッスンということだったが、やはりこういうことは自分で築かなくてはいけないというのが結論だった。ただ聞いていてもダメで、やはり自分でやってみる。くり返す作業が自分とプロの差を示すきっかけをつくる。そうやって耳も鋭くなる。くり返し作業がどれだけ大切かということだった。まさに、その通りだと思った。が、どれだけの度合いでその通りと思っているのか…学んだと思っても学べていないことだらけだと最近、気づき、自分が信じられない。恥ずかしい話だけど…。理屈抜きに確信できるもの、それだけが真実なのではと今のところ思う。ことばは他人に何とか理解してもらおうという補足的なものであり、言ってみれば「無理矢理」なのかもしれない。だからテキストを読んでもわからない。真実を確信できるものにのみ、ことばに置き換えられたものも理解でき、つまり「無理矢理」ことばに置き換えたその感覚、そのことばを選択した感覚を理解したことにより、他人との真実の共有感を得たということなのだと思う。それを理解したと呼んでいるのではないだろうか。その共有感をもっと率直に効果的に増幅させて感じさせるのが歌だと思うし、自分の歌もそうでありたい。
原始人がことばをもつようになる以前にもっていた感情表現のような、または白熱のバトルをくりひろげるカーレースのエンジン音のような、人の常識を破るような歌…何言っているのかわからなくなってきた。24時間トレーニングの状態でいることがいかに大事かも改めて気づいた。この世に生を受けて以来、休まず行なわれている“呼吸”を否定することが大事だと本気で思った。呼吸がにせもので本物の声が出るわけがない。トレーニングと称してもうけた時間内だけ意識するのは、恋人の前でだけいいかっこをしようとするのと同じで、何にもならない。超基本的なことから取り組む努力をしている。
フレーズを大きく捉えていく。大きく捉えるには、なるべく単純に捉えていく。単純に捉えられると、構成がわかりやすくなる。一つのフレーズはだいたい> <となっているが、弱くなっているところの呼吸を入れるところと、大きく捉えたフレーズの山場をもってきて一致させる。この山場は自分の感覚や体に合わせてつくる。フレーズの感覚、４つを一つにとる。声が出なかったら、出る声の中で動かしていけばよい。その中でできることは山ほどある。曲の動き…なぜ、そう動かしているのかを考える。だんだんわかってきたら、次に何がくるのかということも予想できたりする。
今日は、「フレーズと構成」という課題のレッスンだったが、自分の頭の中にそういった考えがなかったので「音楽とは、本当に難しいものだな」と思い、悲観しそうになったが、すぐに気をとり直し、こういうことを一つひとつ学んでいかねばと思った。レッスンが進んでいくうちに、「なるほど」と思えるところもできて、少し安心した。要するに、歌も一つの物語になっていて、一曲を通じて完成させたい世界がある。そこで、起承転結が出てくる。それぞれのパートは、いくつにでも細かくなりそうだが、大きな物語の中のたとえば起なら起としての役割があるので、大きく一つに捉える。その中で４つで大きな一つを形づくっている。また一つひとつのパートは、起なら起で、流れを単純に捉えた方が、構成がわかりやすくなっていくのでよい。また、その単純な捉え方やパートないでの動かし方は、自分の感覚や自分の体に対しての合理的な使い方ということに関係してくる。「何となくこういう終わり方は嫌だな」という感覚や、自分の息の長さ、強さには注意を払い、フレーズを大きくとっていくように努める。イメージと自分のもっている器とを一致させて歌う。理論的にわかったのは、以上のことだが、あとはできるように努力するかどうかだ。それが本当に大事。
「声を楽しんで使う練習をすればよい」と福島先生がおっしゃっていたが、やっぱりこういう気持ちが必要だと思う。「声をどう動かしていくか」というようなことが、楽しみになるぐらいに早くなりたい。
イヤートレーニングの意味。音楽（歌）から何を聴きとるのか…自分の感覚に素直に（はじめは嫌い、わからんでもよい）正直に、その曲、声に込められている演者の感情・表現を読みとる。声に何が入っているのか？ を聴きとる。ヴォーカリストとしての耳（体質）とは…その音がすんなりと耳に入ってくる。音を聴きとり感動できる（自分が歌うとき、人の心を動かす原動力となるもの。これができないと、人を動かせない。）ヴォーカリスト体質になるために…そのジャンルや歌手、客に対する先入観をなくし、嫌いなものこそ聞いてみること。「何となく」ではなく１曲を真剣に、じっくりと深く聞くこと。音・声の大きさは問題でなく、何が込められているのかを聞く。同じ曲を、他の歌手のものとも聴き比べる。聞いて何を得るか…「わかる」ということ。何がよくて、何が悪いのかがわかる。
自分ができなかったことは、そのできない分だけがプロとの違い、自分に何がないかということ。何が足りないのかを聴きとる感じとる。プロと比較するときも同じ。なぜすぐれているものはすぐれているのかを考えて勉強していく。歌の世界、全体を捉えた上でワンフレーズででも、それを表現すること。まわってくる一瞬がステージ。自分のオリジナルの声、フレーズ（歌の世界）。何を捨てて何を残すのかなど最初の時点では難しい部分もあるが、それにしてもその方向に向かって誰もできていない。短いひもが一本、自分のまん中に通っている感じ。
“ノンブレスで…”と思うと、そのことに気をとられて、歌全体から集約していくことなど片隅に追いやられ、フレーズをよく理解できないとその注意に気をとられ、へんなのど声で歌い、歌の世界をと思うと、他のことがあっという間に遠のいてしまう。“ちょっとこっちが長さが足りない”とひっぱると、他のところが全く足りなくなる。このひもの長さの悲しいくらいの短さが自分の今の器なのだ。くり返し、そして壊しては残ったものを積み上げ、ベースになるものを毎日体につけていかない限り、このあまりにみじめで情けない想いからは絶対に抜けられない。。
今日レッスンの中で先生の一言に泣きたくなりました（こらえましたが）。どうしていかなくてはいけないか、どういうことの繰り返しかというお話の最後に「…そうすればいつか必ずたどりつく（みつけられる）んですね。」とおっしゃったことです
（先生のいつも嫌がられる“福島教祖”という意味でなく、つきつめ続け、結果を出し、なおつきつめ続ける方の言われたことばだったので）。
私にとって「やり続けても答え（自分の声／自分の歌の入り口のドア）はみつけられないのではないか」というのが苦しいことの原因の一つだったので。もちろん、甘やかす意味でおっしゃったのではないわけですが、私は思い切りいいようにとって、ゲームスタートのホイッスルが鳴ったような、思いっきりいっていいんだ！ という気持ちになったのです。
逆にそれだけ、どこか自分が漕ぎ続けていくべき船に体重をのせきっていない、覚悟しきれず岸からはなれず漕いでぐるぐるしていたんだなと気づきました。ここのお客さんのお試し期間でした。トレーナーが自問自答するように“すべて犠牲にしちゃいました”とおっしゃっていたことばが、改めて身にしみ込みます。。
ーー
ハプニングは起こり得るものである。歌詞を間違えて失敗するような歌なら、歌う前から失敗である。「ほんとうの自分」とか「ほんとうに自分のやりたいこと」とモノトークで何人かの人が言っていたが、僕自身、今の自分のやっていることが、ほんとうに自分がやりたいことなのかはよくわからない。でも言うことを実践することは、それなりの継続した努力が必要なのだと改めて思った。僕には今日の人たちの中で「ほんとうの」ということばを使った人で、それが伝わった人は一人もいなかった。自分にも全く言えることだが、まだまだいろいろな意味で薄っぺらなのだろう。他の人の歌を聞いていて思ったことだが、歌というのか声というのか、何か厚みのなさを感じた。音程だけを追って歌うのは厚みがなく、その音程は伝わるが、肝心のその中身までは聞こえてこない。しかし、中には一瞬だけでも厚みを感じる人がいたが、それは曲の一番最後の部分で、心も体も解放されていたせいだろう。これを一曲すべてに通じてやるには相当の体力が必要なのだろうと思う。伝えたい部分は声がいる、息がいる、体がいる。
ここに入学して何が変わったのかと言えば、練習の仕方。そして、歌１曲の中での課題の見つけ方。これは本当に大きい。それまでは、歌を歌うことが練習だった。うまくいかないフレーズがあればできるまで歌えば、そのうちどうにか出るようになるだろうと。ところが全然、進まない。何年、同じ曲を歌ってても。その、なぜ進まないか、そのイメージ通り…というのは何なのかを問われると、私はコピー好きの人間で、男性ヴォーカルの曲では起こらないが、女性ヴォーカルの曲で歌いたいなと思った曲は、その歌をまるっきり同じになれるように歌いたいと思って歌っていたからです。無理な話だし、その必要もないのに、そういう衝動が原動力で、意地でやってしまう。間違いだらけのスタートだった。
ただ恐いなーと思ったのは、しばらくそれでも意地で歌の練習をしていると、よく先生の本に書いてありますが、自分で声を加工してなんとかまとめることを覚えてしまうこと。やはり、何度も何度もやっていれば少しは始めた頃よりはよくなる。それでいい気になってると、やはり残酷なもので、そういうときに限って、また再びショッキングな曲に（歌、声に）出会う。そして、やっぱり私の声はとてもとても間違ってる…と。いろいろな変化が自分の中で起こっています。
近頃おどろいていることは、以前聞いていた尊敬していたアーティストのＣＤを、あまり聞けなくなった。私は洋楽しかほとんど聞かなかったし、一応一流の人だけど、クセのある歌い方をする人が私は好きだったらしくて、“あっ、この人は声を絞ってたのか”とか“今、聞くときじゃないな”と思ったりして…。ただ、あちらの人はヴォリュームはすべての人、ありますね。
好き嫌いを別として、勉強のために聞く歌以外で、本当に自分の中に入ってくる声、歌、楽曲が絞られました。最大公約数で残ったアーティストは、やはり大切にしたいし、そのスピリットはどんどん自分の中に入れていきたい。それがきっと、普遍性のある音楽を生み出せることにつながるから…。いつでもどこでも、もしもそのとき、突然“今歌ってみてください”とか、歌わなければいけない状況になったら…というのを想定している。そしてそのとき、果たしてどのくらいのものを人に伝えられるか…突然の状況や、ひどい状況で、どのくらいの力が今、出るのか…。
私は先生の“一瞬を永遠にする”ということばがとても好きです。形のないところに何かを残すこと、創り出すこと…を目標にして…。
自分がこれから歌っていくとき、どんなメッセージをもって歌っていくのだろう。日々、強く繊細な心で世の中を知ること、そして人間に関わって生きていくことで、何かが得られるかもしれないと感じた。
私は歌をやりたいという以前に、一人の人間として立ちたかった。男とか女とかそんな枠で考えるのではなく、一人の人間として自分にしかできない表現をしたかった。自分の考えを、自分の声とことばで言いたかった。そんな思いを思い出した。
どうにかしてこの日本も、そういう大人のたくさんいる国にしていきたいと思う。それには自分の力をつけるしか道はない。力のないものがいくら吠えたって、誰も聞いてはくれない。
表現すること、自分でいること、演技、まだ私の頭の中ではそれらがバラバラ、ひとつのものにならない。でもこれはこの疑問は忘れてはいけないと思う。
今こんなにトレーニングできる時間があるということは本当にありがたいことだし、常にもっともっとという気持ちでやっていきたいと思う。ジャニスが仲間たちと話している声、笑っている、怒っている、いろんな声がステージの上にそのままでていた。ただもっとたくｂｳんの息を吐き、感情をすべてそこにのせているという違いだけだった。トレーニングを頭で考える部分と感覚でやっていく部分をきりかえるのは難しいけれど、もっと先にあるこうなりたいというイメージをもってやっていけば、できるようになると思う。イメージが大切。
「このままでいいのだろうか」と考えてしまった。今の私からどんな歌が出てくるんだろうと。声のトレーニングをし、リズム、音程、ことば、歌につながるすべてのことをやっているけど、一番大切な表現したいものは何なんだ？ということ。
今、自分がやっているトレーニングとか考えると道のりは長いなあと、たどり着きたいと思っているところを見てしまう。今のこの気持ちで続けていけば、生きてさえいればたどり着けると信じている。
彼が自分がとても気に入った曲を、まわりの誰もが見向きもしなくてもいいんだと言っていた姿に学んだ。アーティストにはそういう部分がないと、やっていけないと思う。自分がよいと思ったものはよいのだという気持ちがないと、まわりに流されてやっていくことになる。そういうこだわりは、一つのことを真剣にやっていれば必ず出てくるものだと思う。
今、世界のレベルで通用する声を手に入れたいとトレーニングしているわけだが、声以外にもたくさん世界のレベルに通用するものをつくっていかなくては、声を手に入れてもそれはショーウィンドウに飾ってあるだけのものになってしまう。世界の音楽を知ることは今この時代に日本とは違う国がたくさんあり、そこで人々はどういった生活をして何を考えて生きているのか。たとえそこに行けなくても、人間には創造する力があるのだからそれを活かせばいい。だけどこの身体が動くならば、いろんな国の空気を人々を肌で感じたいと思う。
日本の歌って、日本の心ってなんだろう。日本は何百年も前に鎖国をといたはずなのに、人々の心は今でも鎖国状態のような気がしてしようがない。人間を育てていかない、感動をひきおこさない歌が多すぎる。私はそういう歌は歌いたくない。日本しか知らず（知ろうとせず）小さい枠の中だけで歌いたくない。日本人に向けて日本の中だけで歌うとしても、私の心の中にはもっと大きなものをつめこんで歌いたい。ちっぽけな人間ではいたくない。
新しいことに挑戦していくことで、自分を成長させていく。一流として活躍し続ける者は、みえないところでどれだけのことをやっているのか計り知れない。ただ、単に続けていくことは誰でもできる（いや、できないかも）。常に自分の最高のものを出し続けるには、止まってはいられないのだ。それをつらいと思ったら、その場から落ちていくだけだと思う。表現したいという想いは、多くの人がもっていると思うが、それをどんな方法で出していくかということは考えなくてはいけない。それには、一つのことにこだわっていくことでしかみつからないのではないだろうか。それは選択して決めるものではなく、自分の心の内側から固まっていくものだと思う。
この私の心の中は、あらゆることが混沌としていて全然つかめやしない。自分を追い詰めていくことでしかみつからないのかもしれない。本物の可能性がある者は、必ずといって言いほど、見出される。人との出会いは本当に不思議だ。こんなに多くの人間が生きている地球で、一生に出会う人はほんのわずか。そのなかで自分の生き方を左右する人間に出会うということは偶然では片づけられないものを感じる。感謝したい気持ちにさえなる。自分にとって嫌な思いしかくれなかった人との出会いも、後になってみれば、自分の心に何かよいものを残してくれてたりする。だから、どんな出会いも、それをどう活かしていくかは自分の考え次第なのだ。
学んでることはみえないけど、すべてステージに出る。ステージに上がるまでが勝負で、足りなかったことをまた黙々とやってステージにあがる。プロは皆、そういうことをやってるし、自分も今、同じような環境にいる。どんな会場とか金をとっているとか客が何人いるとかそういうことじゃなく、すべて自分の意識の問題だ。イメージがあればいくらでも自分をいろんな状況におくことはできる。プロは伝えたいこと、表現したいことがあるから歌っているし、心から歌を愛している人ばかりだ。そういう人たちが絵を描いたとしても、詩を書いたとしても、自分の世界を創ると思う。いろんな表現方法があるなかで、歌を選んだ人たち、そしてこの私も同じ。歌は自分という人間をすべて使わせてくれる。自分という人間のすべてを磨いていけることが、歌の素晴らしいところだと思う。
本物はシンプルだということは、ステージをみてもわかる。何もごてごてとくっつけなくても、歌い手がステージの上で世界をつくるのに余計なものをつくる必要はない。ステージにいろんなものがくっついてくればくるほど、本当のものがみえなくなってきてしまう。そこに人はいるのだけど、とても遠いところにいる感覚になる。一人の人間をみるときに、その人のもっているものや仕事、年齢、学歴…そういうものばかりみてるのと同じだ。その人間の心がみえなくなってしまうもの。私は歌っている人の心がみたいと思うし、自分もみせたいと思う。どんな仕事でも、やっている人間が心から好きでやっているという姿をみることは嬉しいことだ。そういう人は、実に少ないというのが現実だけど。好きなことをやっている人の顔は輝いているし、生き生きとしている。
好きなことをやっている人には、どんな人も勝てない。好きという感情って不思議だ。その気持ちだけで何でもできてしまうのだから。好きなことは一つあれば充分だ。その一つがいろんな世界をみせてくれる。子どもの心をなくさないようにしていると言っていた彼は、素敵な人だ。大人になると、素直な心を忘れてしまう。日本の社会にも問題があるのかもしれないけど、感じたことを素直に表現しにくいということがあると思う。自分の感じたことを口に出し、行動し、それでいいという場があまりないもの。子どもの心はいろんなことに好奇心をもっているから生き生きしているし、素直だ（子どもにもいろいろいるけど、頭でっかちの大人よりずっといい）。
聞いてきたものがその人の歌に色濃く出ることを考えると、自分の歌には何が出るのだろうと考えてしまう。音楽的なものはないに等しいこの体に、少しでも多く入れてあげることが大切だと思う。自分のスタイルを確立していくには創って壊してというくり返しを何度もしていく必要があるのだろう。歌を歌っていくということは、永遠に謎の自分を知っていくことなのかもしれない。
一番、身近なものが一番わからないというのは、不思議なものだ。彼女をみていて心を解放するということは、どういうことかを考える。何かに向かっていくという姿勢が心を開くのだと思う。いくら声を出そうと、心を解放していなければ何も伝わらない。消極的な歌手などいない。いろんなことを感じるためにも、心のドアは開けていなくてはだめだ。何かに向かっていくという姿勢は常にもっていなければと思う。いろんなことにぶちあたりながら、ものともせずつき進んでいく強さをもちたい。
歌うということは、自分対観客であるようで結局は、自分対自分なのだろう。自分に負けない強さをもっている者だけが歌い続けていけるのだと思う。ホリーの仲間のように、出会う人間は重要だ。
アーティストの世界は一人ひとりが強烈な個性をもっているから、よい出会いができれば刺激になる。慣れ合いだけの仲間では、お互いの成長はのぞめない。日常の生活で、多くの人々は刺激ある、お互いが成長できる関係よりも、ぶつかりあいなどない安心できるものを求める。
私はどこにも緊張感のない関係は、自分が停滞してしまうというより、腐っていってしまうのだはないかと思う。一つのものをこだわりをもって、とことんつきつめていくのなら、衝突は当然、ありえることだ。ものを創り出そうとする人間に「どちらでもいい」という意見はない。自分の感じたことに素直にYes、 Noを言うことは、自分の世界をつくっていくうえで大切なことだと思う。
歌おうとしないこと。体の中心で捉え、心の中でことばを練り込んだ表現を発さないと、出たものはすでに嘘になっている。そうして捉えようとしないと、息として体に入らない。歌の世界（自分のオリジナリティで捉えた）を息として捉えないと伝わるものにはならない。まず表現する、体で捉える、伝えようとすることをしないといけない。声のことはその次であり、できてくるまでの小手先でのごまかしや体裁を繕うことはいけない。耳に聞こえてくるオリジナルの歌、歌の譜面の音（？）にとらわれてしまう。既成の表現。表面的なもの。その場での程度を無意識に設定している？ 息に入れられないということは、ちゃんと思っていないということ。入れないのはなぜなのか？ 何がわかっていないのか？ 自分の耳に聞こえているもの、自分のなかで歌を聞いたときに、広がっていく歌の世界、空気、イメージはなんなのか。それ自体がもう未熟な耳の上にのった虚の世界だから実感として入れられないのか？ 入れられない“自分”の器（私というもの自体）の問題なのか？ 込めたつもりでも、つもりで口から出た瞬間に嘘になっているのはなぜなのか？ 思った、捉えたイメージと声になるまでの間に何かがあるのか？ それとも何もないのか？ どうしていつも空振りのように何にも当たらなかった感覚で終わってしまうのか？ “両方をやらなくてはいけない”という先生のことば。“音程やメロディがとれていたり、またある程度の大きさの声が出ているが何も入っていないか、その逆か”処理スピード（譜としてとって声を出して出した瞬間には入っている状態→スタートは入れて息で捉えるところ）の問題なのか？ 私は何に重きをおいているのか。私の耳は何を捉えようとしているのか。心は何を捉えようと動いているのか。。
“難しく考えてはいけない”そのためには自分をシンプルにしなくてはいけない。取り除き、捨てなくてはいけない（大切なことのみになる？）。今、最初のところも解けない。人の目を気にして歌って、声を息を出してはいないか？ 気にする…というより、どこかで評価を予測しようとしていないか？ それが問題のはじまりか？ 出したものがすべて、出したときはそこまでの努力や試行錯誤が、もう結果という形になるだけで、言い訳などあり得ない世界ではないのか？ 捉え、出せなければ、しなかったのと同じではないのか？ 私の言い訳を聞かせられるために観客はいるのではない。私だって自分の言い訳を歌いたいのではないはずだ。声にしたいのではないはずだ。思っていることは違うのではないか（“違う”ことしかわからないが）。なのに今、私がやっていることは間違っている。間違いながらも今は探り続ける以外に自分には、やり方がわからない（書くのは簡単だ。書くのも口にするのもとても簡単）。何がこの間違いのはじめのきっかけなのかを自分で見つける。そこからでないとはじまらない。。
