レッスン感想 787
からだが出来始めてくると、息を100％声にしようとしたとき、のどにかかりやすくなる。息を流し、のどに届く前に胸のところで声にするイメージ。このとき、のどは充分開けておくこと。②お腹で息を切る→これはまだ感覚的にわかっていない。息はきの練習のとき、意識してやってみること。③常にステージ上での自分をイメージする。ステージ上で聴衆に何かを伝えるということを考えたときどうするか。ただ歌詞や音を間違えないで歌えばよいというわけにはいかない。頑張って、力一杯やればそれでいいやという落とし穴から抜け出すこと。聞くものにどう伝えるかが問題。
体を充分使って、体から息をはく感じを体でつかむ。下半身の支えを便りに息をはく。その息に声（音）をのせるイメージ。②最近、前より声が出るようになってきて、その声で歌おうとしていたことに気づいた。これは『とらわれ』であって、その曲を聞いた心の動きを取り出すということから考えると、柔軟ではなく、不自由である。歌うときは歌うときで、どんな声でもよいからとまでは言わないが、素直に感じたままを表に出すということをやっていこうと思う。そして心が動いて「こうしたい！」となったときにそうしようとしてできない部分を鍛えていくということをしてみようと思う。
1フレーズ1曲1000回本気でやれるか。その音の世界の中に入れるか。それを取り出せるか。表現として足るものにできるか。ステージの上にいるのは自分か。ただやるということだけで満足していないか。昨日と同じことをしていては伸びない。後退していく。
その歌と自分との接点を作る。
ヴォイストレーニングとヴォーカルトレーニングをごっちゃにしないようにする。その落とし穴にハマるな！ほんとうにその声で歌いたいのか。を問う。
音を受けたときにイメージが広がって、それを表に出したいという行動・感性・感覚を捉える。それを大切にする。衝動・感覚が起こるには心をピュアにしてものごとに接する。常に常に心を新たにしていく（→これはとても難しい。けどできたらすごい！！）。⑧伴奏をイメージする。アカペラで歌っているとき、伴奏が聞こえていない。（→イメージの世界：作り出しているか。聞こうとしているか。どんな伴奏か。）
今、思ったというか直感的にくるものは音楽を体に入れること、自分の歌を音楽にしたいということだ。自分は言い切るということに一生懸命だったけど、音楽は常に流しておくというか流れていないとダメで、言葉が止まったからといって音楽が止まるわけではない、ということと同時に生きも意識も止まってはいけないということだと思った。とにかく音楽をたくさん体に入れることと、強弱感覚が何なのかということも研究して身につけたい。リズムを勉強することはまた違ったものである気がする。とにかくガンガンやる。
メニュー58からメニュー64へつなげてゆく。徹底してやるといろんなことが身につく課題。ことばにメロディをつけるトレーニング～「あいの」がまずことばで自然に一つに意味がわかるように言えること。「あ」と「い」と「の」は決して均等に言っているのではないし、体を使わないで言うものでもないということがまずわかっていなくてはいけない。「あいの（愛の）」を言っているみたいに音をつけて言えるようにする。言うときは下がるところを、音では上がらなくてはいけないフレーズを、いかに自然に歌えるかということは、一つにとらえられて入るところ（体使うところ）入っていなければ、息がしっかりながれていなければいけないということ。「あいのー」と「の」を伸ばさないということは、「あ」でしっかり深く入っていないために生じるぶら下がりフレーズにさせない、ということである。「あいの」がつかみづらいときは「なんで」でもよい。息が流れていると「あいの」がつながって聞こえてくる。「あいの」と同じように「あまい」が言えているかをチェックする。
「あいの」を「ハイハイハイ」で一つに言える感じを応用すること。「ハイハイハイ」も、「ハ」と「イ」はバラバラになってはいけない。ハイハイハイハイ…と繰り返して言ったときに「イハ」に聞こえないようにすることもチェックするのによい（ラブ…も一緒）。ポジションを深くとり、とったら離さないで、息でもってゆくようにする。一つの流れを出すためにも、息と体をより効率的に変換（吐く、使う）ことが大事ということ。これらのことが、メニュー64のフレーズトレーニングにつながる。
ことばで言うトレーニングがすごく不足している。自分の中に「愛の」が入っていないため、パッと取り出すことができていないと思った。「これでも、ことばで言ったのは、とれてます」と言われても、自分でピンとこないこと自体すごく問題のような気がする。心と（思い）体が一致していないことの原点であると思った。音をつけたら全然まとまりのないものになってしまうことは、言ってみれば、すごく当たり前と言えよう（今の段階では）。
「ハイ」を一つに言えることを徹底してやらないといけない。そして、このようなレッスンでもその都度しっかり出せなくてはいけない（歌で一曲通してばかりいては部分部分がちっとも完成されてこない）と痛感。“焦らず今やるべきことを深く突っ込んで、しぶとくやってゆくこと。”今年のテーマである。
発声練習①ハィハィハィ②ハホハホハ1フレーズでも汗をかく集中力が必要なのにこれだけやって汗一つかかず、ずっしりと疲れないことをおかしいと思うべき。
のどのあたりで発していて、身体全体で響く感じではない。身体に負担を感じてない。弱い。一回ごとに吐ききる。言い切ることを念頭におく。吐ききった反動で空気を吸い込む（入ってくる）そのリズムを感じてやる。歌でもそうだが、フレーズごとの1音目が弱い。たよりなく探ってしまう。
スタッカートでハッと鋭く当てる訓練←これが「声たて」か!!
レガートでハァ～とのばす中に何かを表現する訓練。
アクセルを踏むようにハァ～と力を込めて踏み込む訓練。
先生が試して見せてくれたことでものすごくイメージがわいた。
存分に息を使う。身体を使う。足りないことを知る→トレーニングで補強する。フレーズの終わりまでしっかりと離さず、雑に崩さないように「恋」から次のフレーズに移る。方向付けも忘れずに!! 感情・身体・息を一致させ、自分の全て全身全霊をかたまりにしてボンと打ち込む感覚なんだなきっと。それに近いものを感じたことがある。
なぜ「ノドを外す」ということが必要になるのかというと、それは声において、「何回でも同じことができるようになるため」であるということ。練習で10回に1回しかできないことは、ステージ上ではまずできない。それでは意味がない。ここではできる確率を高めること自体には意味がなく、確実にできるようにすることのみ意味がある（結果として見れば）。そう考えれば自分にとっては、「ノドを外す」ことは必須の項目だ。
「みんなに今足りないのは集中力」と最後に先生はおっしゃったが、まさしくそれが僕自身の問題である。ここでいう「集中力」というのは決して「雑念のない状態」を指しているのではない（と思う）。要は「どれだけ緻密に声・体をコントロールできているか」が「集中力」の意味ではないのだろうか。今の僕の場合、いかに（精神的に）集中しているつもりでも、それは声を出し始めるタイミングを取るところまでで、声がではじめたら、もう、「出た声に流されてしまう(?)」という状態になってしまう。いわば「急流いかだ下り状態」もしくは「初心者スキーヤー状態」。つまり、なんとかたどりつくのが精一杯で、どんなラインをたどるのかはコントロールできない（1フレーズでのことを言っています）。…だから、「コントロールすること」が課題となるのだが、最近ようやく「腹だけでコントロールしなくてはならない」ということの意味がわかってきた気がする。
逆に言えば、僕が今まで、いかに腹以外のところで声をコントロールしていたか、ということにだんだん気付いてきた。気付いてきたのはよいのだが、これを「腹だけでコントロールする」ようにするには、本当に今あるものをぜーんぶ捨てなくてはならないように思えるのだが、と書きつつもなんか自分が逃げ道を探そうとしているのをひしひしと感じるけども。自分に言い聞かせる意味を含めてここに書くが、“価値のないものは捨てるべし”。
言葉をひとつにとらえることはものすごい集中力がいるということ。フレーズにしていくにはもっと息をはかなければだめだ。
「ハイ」「ララ」を統一できる息の量・強さがない。そして深さも足りない。どんなにいろいろなことをやってもこのことの上にしかのっかっていかない。自分の呼吸もフレーズをうごかすこともそう。体をつかうことを自分の課題としてやっていても全体を見る目がなくなってしまったら壊れるだけだ。結局なにもできていないから全てが課題なわけである。できるまでやってゆくこと。
腰の動きを前傾姿勢の息吐き、発声でチェックする。腰に負担がかかることを確認する前傾姿勢そのものがきついので繰り返していって鍛える。息と声を交互にやることにより声が体からでてくる。息に乗っている感覚をつかむ。息だけで読むことにより口先や上半身で話している感覚をとる。口先だけのときと体を使っている時の自分の声の違い、他の人の声を聞いたときも判断できるようにしていく。速度が速いスタッカートでの「ハ・ホ」は腰の動きがついていかず、ずっと力が入ったままの状態になってしまった。腰の動きが自由にならない。初めはついていける速度から入って体に覚え込ませていくしかないと思う。
「息と声を混ぜる」ということがあまりよくわからなかったのだが、息だけで文章を読んでみたとき、普通にしゃべっているときよりも体の力・支えが必要となってくる。その後で、声にしてみたとき、普段との体の感覚が違うような気がした。息吐きの体の感覚をそのまま声に出したときも感じていなければならないのだなと感じた。トレーニングを始めてから今まで自分の出す声や音域が以前とは違う気がしているのだが果たして今の状態がよいとは思えないし、自分の歌をテープに録って聞いてみると、愕然とすることが多い。その音から自分の体の不自由さ（腰の力など自由にならないところ）を感じる。思い切りやってみるとただ叫んでいるだけにしか聞こえないし、音の立体感がない。これが本当の自分の声なのだろうかと疑問に思うことがある。
授業のとり方：例えば、自分のレベルに合っているか合っていないか。（合ってないからやめる。合っていないけど出てみる。いろいろ）自分が今何を一番固めていきたいか。（自分が今重点置いているところをたくさんとってみる。どうにかしたいというころに重点おいて出してみる。）
睡眠時間、一番大事なことは、今自分は何のためにここにいるか。ここに照らせば答えは出てくる。何をどうしたくて来たのか。ここでこそできること。ここでなくてもできること。何かだけやればよいというのではなく、基本におくこと。そこから選んでいく。
最近よく注意している教えは、「悲しい気持ちになれば悲しい声がでて怒ればまたそういう声がでる」ということ。あたりまえのことをあたりまえにやればそれでよい。そのためには感情を圧縮していくことが必要だ。もっと、もっと。
何となく声と息の感覚がズレ始めていることに気づいた。ステージばかり意識すると、徐々に昔の（首で歌う）感覚に寄っていってしまう。
一番基礎となる姿勢-呼吸（息）-声を確認することに最も集中して臨める。ぐいっと引き出されるような空気がある。この空気（…緊張感・集中力）を自分ひとりでも自分の中に作れないといけない。作るんだ。
「音から音楽へ」もっと素直にならなきゃいけない。心をはだかにした方がよい。かたよったものを見て、聞いて、心を濁らせわかった気になるんじゃない。しっかり眼を見開いて、耳を澄まして、赤ん坊の好奇心で見て、聞いて、触れる。口に入れてしまおう。
「全ての人が師だと思え」とある。きっと音楽も然り。腹に入れて、「自分の判断」をして、栄養をとったら排泄すればよい。要するに自分の中のフィルターをもっと高密度にしたほうがいいぜってことだ。
ガンズ＆ローゼスのような「不良たち」のハードロックの中に、せつないほど美しいフレーズを見つけたときに「全ての音楽はつながってるんだな」と実感する。
この時間は本当に多くの研究生の声を聞けたことがよい経験になった。同じ空気の中で自分も同じフレージングをすることで自分に足りないものを知る。声の存在感…身体の“器”の違いはもちろん、何よりそのフレーズに込めた「意志」がかんじられる人がいる。また、ステージでは大胆な人がことのほか慎重にフレーズを探っているのをみた。
大半の人がこのフレージングでくやしい思いをかみしめている。全ての人が同じスタートラインに立っている。意識的に、あるいは無意識に、この同じ空気の中からヒントを拾っていく。種を拾っていく。鉢は身体で、土はその人自身（たましい）だとしたら残り少ない時間の中で僕はどれだけの花を咲かせられるだろう。先達が残した枯れない花のまわりに、未だ見えぬ種がきっとたくさんころがってるんだろうな。自分の中の音楽の原点を探る。トランペットとか、楽器のフレーズを歌ってみるのもよい。最小で最大の効果を作る。少ない力で同じ表現力を創る。
今まで、声を出そうとしていただけだったことがはっきりわかる。体の動きが、感じが違う。ぶつけたらいけない。研ぎ澄まされるというのは、熱いと同時に恐ろしく冷たいことではないだろうか。こうしてやろう、とたくらむとき、冷静に自分のすることを見てコントロールする私がいるように、表現するという目的に達するために熱くなる瞬間、自分を冷たく見返すこと。浸ったり酔ったりはそこからだ。意識しなくてもその状態にならないといけない。そのためのトレーニングだった。
確かに発声も、問題あるのだが、一番違っていたのは、声を出しているということだった。音楽が違ってきこえるというのは、自分で音を置いていこうとして聞くと、音から音への間が、ひらけるかんじがしたり、ぎゅっと握ったり、いろいろな印象がくっきりする。そして、ひらける感じがするのに、歌っている人によってやり方がある。同じ感じを出すために、正反対の動きをしていたりする。そういうことを自分でもやろうとしたら、自動的に、今までみたいに歌っていてはできないと、体の中がそのように感じる。ぶつけていってもああいう印象は出せないと思った。ここまで違っていたことがわかるとショックでもあり感動的でもある。いろいろなところがガラガラ崩れてしまい、痛いのか気持ちがよいのかよくわからない。でも私はリスナーじゃないから、自分でそれを取り出さなきゃいけない。
音を受けてから感覚に届くまで、長すぎる。音を動かす、線を出す、踏み込む、ということを全て、浅い表面的なところでしか捉えていなかったということだ。どんなに歌っても、歌うと結局全部同じになってしまう理由がようやくはっきりしてきた。いきづまっているときには、大事なものが見えなくなり、あせるとますます狭く鈍くなり、気づくと、身を守ろうとしている。今更まだ怖がっていたことを認めなさい。そうして、ゼロから始めなさい。
盛り上がることと音量をあげたりすることとはまったく一緒のものではないということ。それ以上にフレーズを大きくとるという感覚を得なくてはならない。フレーズには勢い、スピードという要素がある。どんな勢いで1フレーズが進行しているか、どんな勢いで次のフレーズに流れているかをプロの歌から読みとって勉強してみること。また、こういうスピードやフレーズからフレーズへの息の動きをコントロールするために、普段息吐きのトレーニングをしているのであるということ。点と線だ。
最近、なぜ基本姿勢といわれるものがああいう姿勢なのか、なぜ腹式呼吸ではければならないのかということがいろいろなところでわかってきた。それはあたりまえのことだけれど、それも実際歌ってみなければわからないことだ。その中で断片的に理解できたことがあるので、やがて歌の中でそれが応用されてはじめてなぜそのトレーニングが必要だったのかがわかる。その理解が点と点をつないで線となる。どこかで聞いた話だ。レクチャーで福島先生がおっしゃったことかもしれない。でもそれが実感できる瞬間はうれしい。やってきたことに意義が見出せるから。いまはただがむしゃらにやってみるしかないみたいだけれど、どんな小さなことでもよいから発見が欲しい。今の私には、それがすごく大きな勇気になる。
盛り上がりの表現は音量を大きく出すのではなくフレーズに立体感をもたせる。その立体感をもたせるためにはそれを支え動かす体としっかりしたイメージをもつ。音楽がかかった瞬間からその中に入り込んで自分がやったときのイメージを引き出していく。繰り返しの部分で前の言葉を言い切って次の言葉を鋭くだす、間伸びしないようにするには瞬時に脱力できると同時に次に入る準備を体がなされていなければならない。
体を速く使っていくときもリズムの中で、長い拍のときと同じように素早く戻しながらもきちんと使っていくこと。子音のレッスン→分解して、英語の子音だけを取り出し、息と、体の力でそのはじめの音のところを出していく。テンポをとりながら、繰り返してみる。下の位置、口の中の状態。、
日々つけているノートの量が増えてきた。今のノートと一冊前のノートを見比べてみるとおもしろい。変化、成長の方向性がわかる。急に考え方が変わってることもある。
プロレスのアナウンサーが「毎日がレボリューション、毎日が革命、アニバーサリー」とか言っていたが（けっこう前に）、最近そうでなくちゃ歌なんて歌えないと思いはじめた。
遅ればせながら今年の抱負。たくさんあるけど一つ。満ち足りないこと、乾くこと。
「Everybody」発声練習として、アクセントを持つ英語はよいかもしれない。リズミカルにもなる。Ｖの発声が「ブ」か「ヴ」の違いで、スピードが遅れていってしまうとは、思いもしなかった。ほんのちょっとしたことで、こんなにも変わってくるとは。「神経をどんどん鋭敏に…」と福島先生がよくおっしゃっている意味が少しわかったように思う。
ことばひとつにとらえる感覚。「ハイ」をひとつにとらえることと同じ。大きな呼吸で一つに捉え、その中で動かしているということ。自分の場合は準備がものすごく大変で一つに捉えたように感じても、中身はスカスカになっている。息と声もあっていない。他の人のものを聞いたとき、一つに捉える感覚を持っているか、持っていないかということが見えるようになってきた。一つに捉えられないとただ息にことばをのせ、前に前に伸ばしていくことしかできない。ヴォリュームの付け方が全く違う。それとことばを全て言わないと前へ進んでいけないから見本とは違うものになってしまう。
今まではことばを言い切ってゆくことでリズムを作っていくということをかなり表面的なものとして捉えていた。しかし、そうではなくもっと大きな呼吸の中で自分の感覚とともに言い切ってゆくことのような気がする。もっと息のポジションが深くなることで見えてくるものがあるのだろう。見本の強弱となっているところを体でわかり、その違いをわかるようにしていく。踏み込みの鋭さ、強さがあるからこそメリハリのあるリズムになっていくのだと思う。しかし、今の自分は強く踏み込むことができても息の流れがないのでフレーズがぶつ切れになってしまう。深い息を流しながら踏み込んで離すということは、ものすごく体が強くなければ（息を吐けなければ）できないと思う。
基本トレーニングとして「ハイ」をできるだけ大きな呼吸で捉えられるようにする。エディット・ピアフ、メルセデス・ソーサ。彼女たちの歌を同じように息吐きでやろうとしてもついていけない。そのからだの動きが全く予測できない。よくわからないリズム感でなぜそう歌うといってもそれが彼女たちの呼吸なのだろう。わからないのだが息吐きだけで一緒に歌ってみることを何度もやってみようと思う。
ピアフの歌は本当に呼吸をたっぷりととっているように思う。かといって、もたもたなんてしていない、どんどん前へ進んでいく。いつも思うが実際表に出ているものと自分が感じているものは全く違う。踏み込みの強さ、息の深さ、声の強さ、自分自身感覚しているものなんてたかが知れていて全くできていないのだ。表に出る自分の思っている何10倍ものことができなければだめらしい。心しておくこと。
トレーナーがおっしゃっていたが“メロディを覚えようとするよりまず聞いてみること”それをしてみたら全然別のところからなんか聞こえてくるような気がした。いつもメロディやことばを覚えるのに必死で肝心の一流の歌い手の歌を身に入れられていないと思った。“自分が何を出したいか、どう動かしたいかを早く自分から出していかないと指導も何もない”はて私は何を出したいのだろう…と思った。
声だけやると歌が死ぬ。音だけ取ろうとすると、その途端つまらなくなる。体だけでやろうとするとリズムがまずくずれる。
先生が言ってた“放す”ってのが、やっぱりできない。他の人のを聞くとすごくよくわかる。特に声がでかい奴ほど放したがらない。自分の場合は放そうとすると体とか他のものも逃げていく。このあいだ、“声域はいくらでも伸びるもんですよ”と言われたのを思い出してムリヤリ声に声を出してやろうと思ったけど、やっぱり突然やってもできるわけないわけで、くやしいです。
インストゥルメンタル曲の構成がどのようになっているか。インストゥルメンタルとは、歌のない曲と思っていたので、“楽器”という意味を知ったことからスタートした。アコギ、ピアノ、シンセサイザー、ベース、パーカッション、ドラムなど、次々に主役が入れ替わり、また、入り交じりながら、徐々に曲として盛り上がる様子をじっくりと聞いた。曲としての“高揚感”をあたりまえと思ってしまってはダメで、作者の思いや計算のあることを知った。
わからない：（できる⇔できない）ということを飛び越えてわからないまま出してみる。
「感覚と体が正当になったときに、その出す手段が音楽であればやっていけるだろうし」。
このことばはとってもピンとくることばだ。
音程で歌おうとすると一番大切なことばが失われてしまう。表に出てこないが大切な部分が無視されてしまう。テンションと呼吸が一致したところで、その方向へ向かっていかせる。リズム・音を動かすとよくないことの方が多い。音色を動かす方が先。
先生の話を聞いて“ああ！そうか”と思うのと、自分でそれに気づいて“おお！これか”と思うのはえらい違いだと思った。でも、だからこそ理論的なことを先に入れておくことも重要だと思った。理論的なことに限らずいろいろなことを先々のために入れておくことがそれに気づいたときの道しるべになる。ひたすらその繰り返しだと思った。
いつも言われていることばの中で普段は聞き流してしまうようなことがすごく自分にひっかかったりするとき、そのときの自分のことをよく考えてみること。そしてそれを自分で体験すること。強く言うところと弱く言うところを単純に強く言うところは体が使ってあって弱く言うところは体を使っていないのでなく、強弱をつけることに体を使うということ。口先でその差を付けようとしたらできないから体が必要になる。強弱をつけることが体を使うこと。
もっと感覚を鋭く、もっともっと真剣にならなくては。プロのレベルで音楽を聞くということばが残った。自分が本物と偽物（裏に世界があるものとないもの）の区別が付かないのは、一般の人々のレベルで聞いている証拠。一流といわれるものを何百、何千回と集中して聞く。声の力やメロディなどよりもっと深い世界を聞けるように。また、一フレーズ、一フレーズをもっと聞いてプロの表現を知る。
こんなに「調子がいい」なんて思えるのはめったにないことだ。心と身体の一体感があった。もちろん空振りやピッチャーゴロも少なくはないが、フォームを修正することができた。センターライナーを何発も撃った（と思う）。ピストルやピンボールと同様に、反動をつけるために心持ち「引く」感覚というのか、「さあ、いくぞ！」と背中に息を集める。充填する。そこへ意識を集中して、「ハイ！」と弾くためのわき腹のアクションのタイミングを合わせるべく努力した。
第一声にパンチ力が生まれてきた。今日ほど実感できた日はない。100メートル走に例えれば、口先やのどが「スタートライン」ではなくて、一番スピードの乗る「50ｍ地点」なんだな。J･S･バッハ「G線上のアリア」ヴォーカリーズで。大好きな曲。すごく新鮮だった。出だしの部分を歌った。ア～と9拍のばす部分はすごく個人差が出て興味深かった。これを演奏する人はこの一音をどう考えて弾いてるのかな、と思った。（真っ直ぐ保つことを考えるか、次に盛り上がるフレーズへの助走とか…両方だろうな。書くんじゃなかった）
本格的にことばを捉える。何で音量調整してるのかその中間をとらないのか考えてみる。的を絞って音を出す。息のところで踏み込むと、そこで止まってしまうので気をつける。先生が言ったことで残ったことばなんだけど、フレーズをまわしてるとき、何人かいたんだけど、まわしたあと、先生があれこれ解説のようなことをしてくれて、何でそうなったのかわかってしまった。やはりズームアップの絞り方もいろいろあるわけで、人それぞれの表現があるんだなと。
今まで、腰を膨らませっぱなし、発声をしていないあいだも背中をふんばりっぱなしだったので、腰・背中の柔軟性がなくなってきてしまっていた。もっと腰を膨らませたり引っ込んだりできるように日頃から柔らかく大きく動かして、ゆるめたり引っ張ったりできるようにしておく。力まないで腰が大きく膨らむようにしておくこと。声の強さ弱さを腰の膨らませ方の調節にまかせること。前腹は柔らかく、動かさない。
想像力はスゴイのでよかった。この小一時間で再び声の芯を取り戻すことができた。自己流でやっていた一年前は何日も要したのに。絵的なイメージと手の表情でイメージがとてもはっきりとしてくる。よく伝わってくる。わかりやすい。この授業は輪をかけて重要なものだ。教わったことを自分でこれから一生再現できるようにしておこう。
まず集中力・レッスンで先生が入ってきたらいつでも入れる（レッスンに入れる）状態にしておく。また、先生が聞かせる音楽はBGMではなく、何か意志のあることなので、そこから何かをつかむように神経を集中させなければならない。これはあたりまえのことなのに、それすら欠けていた。ただのBGMとして音楽を聞いていても何もわからないで終わってしまう。やはり、どこまで深く音に入れるか、ということ。また、集中力に対してそれに反応できる体が必要だと感じた。
日本人の歌は声は深いのだと思うが、響きで優しく歌っていた。それに対してミルバやピアフはことばが突き刺さってくるようだった。フレーズも大きく盛り上げたり、「聞け！」といっているようだった。だが、そこからだ。ミルバらの歌に「ゾクッ」ときた。ではなにに「ゾクッ」ときたのか。体が違う、息が違う、でも、そこからもっともっとわからないといけない。先生の言う「ことばのキレ」「テンポ」などはまだよくわからない。
一流と言われる人たちの作品をわからなくてもとにかく聞きまくる。わかるまで聞く。テンポやキーの設定はヴォーカルにとって命だということばを覚えておきたい。ピアノでドビュッシーの「月の光」を弾いたとき気づいたことがある。キーの設定は、その曲の命であるということだ。初心者用の楽譜はＣで書かれており、私はそれを弾いていたのだが、あるとき原調のＣ♯で弾いてみたとき、あまりの差に驚いた。響きが全く違うのだ。Ｃの薄っぺらい音がＣ♯では静寂の中に響く済んだ深い音になる。試しにＤでも弾いてみたがやはり違う。Ｃ♯でなければならない理由があったのだ。同じことをどうしてヴォーカルについて考えなかったのか。ヴォーカルのキー設定にも必ずそこでなければならないという理由があってしかるべきだ。曲によって、声によって。今は出るか出ないかの必然でしか設定できない現状だが、もっと曲を研究したり自分の声を聞く必要を感じた。
発声時、あごをもっと広げ、下あごをもっと柔らかく使うこと。三本指が入るよう口をあける。口をぱくぱく動かさないで声を出す。母音（基本）の発声からやっていかなくてはならない。フレーズでは歌の入り方（きっかけのつかみ方）があやふやである。歌声をもっと完成に近づけるべき。与えられたものをそのまま受け取るのではなく（ストレートに出しちゃいけない）、自分でどうするか声もどう出していくかなどをもっとやっていかなくてはならない。歌の声にもっと体や呼吸を近づけていくこと。サビが雑になりがちなので、もっと丁寧に扱うこと。「基本の発声、（基本の）歌を歌う」ということについてもっともっとしっかり取り組んで身につけていかなければいけない。発声に気をとられすぎて、「歌う」ということの大事なことにこれまでたくさん気づかずに来てしまった気がする。改めていきたい。
常に本番と思いレッスンに臨むこと。コンディションをどう整えるか。自分の体、声の状態を知っておくこと日常の感覚を引きずってきては駄目。完全に切り替え一瞬にして入っていけるようテンションを高めておくこと。自分の顔、声、心でその場に一人立つ。
「うまく話せないから、語るのはテレるから歌を歌ってる」なんて歌手がいるけど、伝えたい思いとその術が備わっているから歌って伝えられる。リズムと音程がいくら確実でも詩が、ことばが伝わってこない人があることも確か。今日のこの時間は、すごくみんなの気迫が高まっていて、空気の張りがよかった。僕自身もかなり集中していたと思う。授業後放心状態だった（まだまだこの程度の精神力）。
一流のアーティストの演奏を見ていると歌でも楽器でも「歌ってます！」とか「弾いてます！」ということを感じさせない。もうその人自身が音楽だ。あたりまえなのだが自分の道を自分で歩いている。熱さは感じるが力みはない。熱さと力みは違う。私の場合は熱さではなく力みになって出てしまう。それは伝えたいことの曖昧さ、奏でる楽器としての体のなさ、感覚・イメージの不足、心と体の不一致などからそうなってしまうのだと思う。このどれか一つでも欠けていては音楽にはならないはずだ。もっともっと自分の力量を知らなければ前に進むことなどできるはずがない。真正面で向き合う。逃げない。
先生の話された内容はいつもとほとんど変わらなかったと思うけれども、なぜか今回は種のリアリティ（実感。）をともなってこちらに伝わってきた。そして、僕がここに入門してから今までやってきたことと、これからたどる道筋のイメージを垣間見ることができたように思う。ヴォーカルは声の世界でなく息の世界である。ノドを開けて腹で支えることが基本（全て。）。自分の声を（本当の意味で）よく聞くこと。つまり常に客観的な評価を下せる耳をつくること。現状では、例えば二ヶ月前の自分の録音を聞けば、明らかにおかしいと思えるけども、昨日の録音を聞いてもわからない。何か違う気はする。それを、すぐに評価できれば効率は飛躍的に向上するはず（そんな簡単なものではなかろうが…）。ともあれ、「充分に努力している」とはとても言えない状態であるにも関わらず一年足らずで大きく変化してきたのだから、本当に望みさえすれば、もっともっと変化することができるはずだ。一年前に今の自分が想像できていたか。全くできていない。同じように今から一年後の自分だって全く想像できないくらい変われるはずだ。
トレーニングを24時間意識するというのは、本当に大切なことだと思う。いろいろな動作、歩いたり、食べたり、話したりする中で工夫すればあらゆるトレーニングの要素をみつけることができる。日々、たえず修業し、向上の喜びの中で生活していくことこそ、アーティストとしての生き方だと思う。
メニュー100の宿題で自分のメニューを作ったけど、自分でメニューを作るということは、目的・意図するもの・自分の体・声・進捗状況などをわかってないと作れない。自分や歌のフレーズに敏感になれて、どんどん課題もできて、それにあわせてメニューを作るようになった。ジムも何のためかわからなかったけど、ジムのメニューは身につけなきゃいけないことがいっぱいつまっていることに気づく。いままでのものが一本につながったような感覚だった。でも、もっと最初から、普段から、こういうことはやっていなきゃいけなかった。気づくのが遅かった。これでよいということは一つもない。
言葉はいくらでも嘘になる。過去の文章は多くの問いを私に突きつけてくる。お前の書いていることに嘘はないか。思いはより強まり深まったか。学べていますか。と。文章は書かなきゃ書けるようにならない。歌はトレーニングをしなくては歌えない。自信をつけようとしなくてはつかない。自分のすべてをさらけだし、何も何もないことを認めぶつかっていかなければ身につかない。たった一枚の紙の前で何時間も考え込み書き始めたとき自分の中で何かがときほぐれる。人間のする仕事はよくも悪くも心があらわれると思う。私のペン先にはどんな心が宿っているだろうか。
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課題曲レッスン感想
『忘れな草』のような曲を使って、体と心を一致させて（集中させて）フレーズの中に表現を込められるようにトレーニングしていく（明るくロマンチックな曲）。また、その時期その時期に自分の出し方を作ってチェックしてみること。これは、その時期聞いているものが入ってくるし、自分の出したものを客観視するためにもよいこと。それから、自分で発声や体のことがチェックしやすい曲を持って（今日の曲などはよい）トレーニングすることもよい。出だしのフレーズ“君の愛なくば”は最初の「き」でフレーズを作るように歌うこと。「きーみーのー」とか均等にとってしまわないこと。フレーズは下の方で音楽・テンポ・息など流しながら歌わなくてはいけない。
“忘れられぬ君の面影”も「わ」できちっと握らないといけない。どこかで速く入れるところを作る。「君の」は「き～みの」という感じで次の「おもかげ」につなげる感じ。“やさしそのまなざしを”も初めのところ「やーさーしー」と均等にとらない。「その」を浮かせている人が多かったが、浮かないようにする。つまりフレーズの中では変えてはいけない。音をとったりしないし、頭で決めつけて歌わない。フレーズの中で、伸ばしたり短くしたりする。
“いつの日にか再び”は、言葉的に難しいフレーズだが、基本はフレーズを一つにすること。三つにはしない。伸ばしたり響いたりしているところで、余計なことはしない。頭は働かせてはいけない。呼吸と合わなくなるので。“忘れな草をその胸に”も、「わっすれ」「なっぐさ」と、ことばの強調にするのではなく、「わ」「な」の線に「すれ」「ぐさ」を含めて歌う。
高橋真利子さんの「yesterday～」と比べて入り方のテンションの高さ、フレーズの構成、はいている息の量、集中力と全然違う。感じたものが感じたまま出てこない、出せない。言葉で言った感覚をそのまま歌にしてゆくにはより強く、多く息を吐いていかなければならない。体を使わなければいくらでも流れていってしまう。統一すること。
難しいことだが、音楽と技術と自分を一本に結び付けてゆくことである。センスも関係するし、自分の中にどのぐらい練り込みされたかが出てくる。要は、自然に聞こえればよい（自然に身を任すこと、頭でとらないこと）。今回は6回フレーズを回したが、部分部分の注意すべきこと以外での重要なことば、共通していることである、ということ。先生が繰り返し繰り返しコメントして下さっているので、そのことの重要さがひしひしと感じた、と同時に、なかなかつかめないでやっているから、先生が繰り返し言われているのだと思った。
バルバラを観て以来、『息で歌う（表現する）こと』をどれだけ自分に落とし込めるかが気になっている。
「言われたことを頭で考えながらやるのではなく、自分の中で整理し、出すときには集中して表現を込めて歌うこと。」を、やれるようにすること。（今日は“頭でとらない”と同じ意味のコメントを3回以上は話されていた。）自分の課題〜フレーズの頭で握って、フレーズを一つにしっかりとらえられるようにすること。もっと自由な感覚で表現すること（原曲にとらわれている部分がある）。
最低限の音楽的なことは、数回聞いてとれるようになるだけの耳を持つこと（今回のラストのフレーズ”のところが音がとれてなかった。メロディに、ことばがフィットしていないところがところどころあった）。
フレーズの中からリズムがわかること。
タンゴイタリアーノ ミルバ
ビギンのリズムが入っていること。リズムがまわっていること。間がとれること。間のびしない。ための後のスピード出すところなどを学ぶ。やってみたら、リズムが入っていなかった。
涙のさだめ イバザニッキ
このメリハリのある感覚を体でわかること。ボリュームがあるがベタッとしないこと。前奏からリズムの回転入らないといけないことを学ぶ。やってみて、1回目はキーが高かったのと、ノドにひっかけてしまった。2回目はリズムがまわっていない。音とりにいっていた。
エベーロ ミーナ
放した後いかに鋭く入れるか、そして繰り返す中で、いかに大きくできるか。これも感覚を入れることを学ぶ。やってみて、最初の一言がつかめていないから、離せないと思った。繰り返しが耳につくようではいけない。
ふられ気分でRock'n Roll トムキャット
全部言葉が点になってはダメ。（リズムの回転）が入っていないといけない。言葉と音程だけで入ってダメ。真似てダメ。やってみて、リズムが落ちていた。キーがぱっととれない。出したキーに自信がなくキーを変えてしまった。もっとしっかりとって、出したからにはそのままやってしまった方がよいとも思った。
傷心 大友裕子
前奏あって入る（歌・出し）ときに引きがあるということ、感覚が入っていないとフレーズが切れちゃうこととかずれるということ。メリハリとは音量の強弱ではなく、速度とヴォリュームということ。リズムまわっていたら、間をきちんと保てるということ。情感入れやすい分、曲にのまれないこと。聞いて退屈にならないこと。やってみて、気持ちとリズムが入れた方（今日の中では）だが、フレーズが切れ切れになった点は要チェック。
マイ・ライフ ビリー・ジョエル
まずは8ビートまわってないとフレーズ感出ないこと、引きがないと と出せないし、気持ちよく入れない。英語をことば気にしてとってはダメ。決して“アイドント”とは言ってない。やってみて、全然乗れないスピードが出せない。全てことばを気にしすぎたせい。
最初に聞いたシャンソン、日本人のとピアフ、ミルバとの違いを特に意識しなかったが、そういえばピアフの歌は、声の芯が生き物のようだと思って聞いていた。声の中から声がぬっと現れてくる、「発生」の感じがあった。
ごらん夏の日の青空がみつめてる ことば（セリフ）で発してみる。2ブロックを（歌わずに）発声練習調に発してみる（半音ずつ上下）。メロディにのせてみる。すごくかみ砕かれた授業で、より具体的な実感が得られた。歌うな（変にこしらえて歌うな）という意味を痛感した。本当に感情と一体になったことばなら、メロディにそっとのせただけで歌になる。やはり基本はことばなのか。
オネスティ ビリー・ジョエル
と同じく英語に注意。聞いた通り歌うこと。きれいに歌うことは間違い。感覚を常に出すように心がける。リズムと、速度と、スピードは密接につながっている。決して均等ではないということ。感覚をもちそれを前に出すこととは、自分のリズムを外に出すということでもある。一つのフレーズを何百回もやらないととれない、ということ。
歌を歌う（実際に歌ってみる）前の段階をきちんと踏んでいなくてはいけない。サッカーでの例えはわかりやすかった。あと、たくさんやったからといってそのことはあまり意味はなく、その中からよいものを一つでも見つけられる判断力を養うことが必要だということ（これもカメラマンの例えはよくわかった。一枚の写真をじっとながめる時期も必要）。
やりっぱなしではいけない（たくさんやることはある意味大切だけれども）。もっと自分を知る努力をしなければ、何がダメで何が必要なのかがわかてこない。私は順番でまわってきたときに、自分が思っているのとは全く違う風に声が出てしまうのが多い。これは明らかに前の段階の準備不足。
歌の中に、正解があって楽譜が正解というわけではないということにあらためて気がついた。今までは妙に楽譜ばかりにとらわれていたと思いました。やはり基本は歌、曲だと思いました。あと少しは腰でリズムをとる感覚がわかった気がしました。曲を覚えるときに貸しとリズムの接点を見つけると早いといのは参考になりました。
曲の聞き方。声,リズムなど音楽に入っているもの全てを感じて体で追う。曲の中で自分が聞いていて気になるところ、気持ちよいところを探し、どうやって出しているのかを考え、やってみる。
「Shotgun」・声がつまっている。抜けていない。声、息、体、気持ちが入っている。リズムにのせる。②「I Heard it～」・「Oh～」にも気を入れている。全ての「Oh〜」が違う。気持ちが入っている。そこには計算があるはずだが、感じさせない。「My Drerie Amour」・初めのラーラーラのところ、体をどこで深く入れているかを感じる。体で流れを作っている。自分の場合、リズムとかよりも声だけを聞いていた。①のようなハスキーＮブラックの人の声は今まであまりよくわからなかったけど、全部本当に太く、つまっている声だとわかった。
自分たち（日本人）が出す「Oh～」とは全然密度が違う。体，息、気持ちが入っているということ。スティービー・ワンダーは高めの声だけど、深いところで声を捉えてるのがわかった。自分がやった「ラーラーラー」は、ぶつ切れになってしまうし、最後の方では息も続かず、フラフラしてしまった。太く一本の線の中で動かす。それにはそれだけの体が必要だと感じた。最近、先生が出す声の密度,体の強さなどが前よりもわかってきた。自分の声,体との違いを感じて、なるべく近づけるようにイメージしている。
表現するのは、感情である。そのイメージを伝える。例えば机のような形のものを「机」と名前をつけて呼ぶようなことと同じであると思う。そのイメージをより伝わりやすくしようと思ったとき、ミュージシャンは音を使う。歌い手は音、ことば、そして声を使う。未熟なことばの技術や声の技術ではその役割を果たせないから鍛えるのである。歌を考えるとき、つい複雑に考えてしまう。でも原始的な考えをすると、古代の人々は雄叫びとか叫びで感情を表現していたと思われる。これが原点なのではないか。これが歌でよいんだと思う。ときにはそれを楽器でやったりしていたと思う。それでも、充分に伝わる世界。それが歌でよいんだと思う。ことばの内容に気をとられるのでなく、どうしてその内容になったのかを見る。そのイメージを捉える。それを楽器で奏でる。だから体を楽器にすること。それが基本でよいんだ。イメージを体（楽器）を通して出すことがミュージシャンだ。音からイメージを得ること。そのイメージを伝えるにはその音でなければいけないということ。その音がよりよく伝えてくれる。それを選ぶこと。感じること。これが入り口でよいのではないかと考える。
英語の発音は行動が伴うからこそ（舌や口唇）深く出し続けている息が変化を受けて波のようなうねりや、深いところから声になる仕組みであるということ。非常に合理的なことばであり、勢いや息の深さそして口まわりの運動が効率よくなされているということ。ネイティブの人は日常で声の確立がなされている。
「Before You Put On This Record」〜を言う実習でパワーがないので自分の内側にこもってしまうのを感じます。普段の生活におけるテンションや息の弱さのレベルの違いを実感しました。自分の感覚にないものなので、ピックアップしないと身につかないと思いました。英語の拍を捉えるリズム感と日本語は根本的に違うので混同せず、必要性に応じて取り入れていくようにしたいです。
ハンドクラップで英語のアクセントを捉えていく方法やジェスチャは（うねりなど）聴覚で感じられることをビジュアル的にも明確になる部分が多く、わかりやすいです。あと、今日の授業は普段日常で聞き取るとき（英語を）、あやふやになってしまう部分を「行動」という意識の視点から迫ることができました。英語の流れるメロディー的なところだけ要領よくさらっても、やはりだめで、いつまでもスピードやリズムのない、切れ切れのカタカナ英語になってしまうので、気をつけてメニューを組みたい。
発声と声とことばと歌は、意味が全然違う。ジムではことばや音程によっていろいろな要素が出てくる。今、横隔膜と脇や背中筋肉,尾骨の支えが分解されて見えてきてるときなので、その動きに注目した発声を中心にやってみた。疲れると動かなくなる筋肉、前に出ていくあごを自覚して見つめる。腰の位置，背中の角度，首の位置,その一つが少し変わっただけで声の経路が違う。まだ、一点の重心がつかめない。お腹で声を切ることができない。各部位のなめらかな連動も又、決まらない。自分だけのこの体にあった、中心を見つける。体から出る声は無数にある。口先で作り替えるのでは音楽やイメージについていけないが、正しい体の使い方と声の出し方、もちろんそれを支える強いバランスのとれた体ができれば音質・スピード・飛ぶ方向・色・密度は自由に選んでいける。基本でやるとともにどんな音に自分がなりたいか、どんな音が合っているのか、どんな音を出したがってるか見極めて、試して、作っていくことが必要だ。正しさは一つだけど正解は無数に設定できる。声のマップを作る、の意味がやっとおぼろげにわかってきた（ただし、まだ頭で）。
日本＝以下Ｊ、世界＝以下Ｗ。Ｊ＝子音のあとに必ず母音がある→子（Hit：響き）母（空気広がる）母音をくっきりさせてしまうとことばが成立しない。“空”そらあーという歌い方は日本語自体としては妙。本来のことばの感覚がこわれる。だから、クラシックの唱法の日本語は妙。あくまで声を聞かせるものになっているように思う。ＪとＷの違いのレッスン2回目に気づいたこと。それは一言で言うと、“気高さ”だと思う。音の気高さとでもいうのだろうか。“音”の自分、“音”の生命力、まっこうから生きている気高さだ。楽曲を演奏する中でも他のパートの個を存在として認め、尊敬した上で、互いに呼吸をやりとりし、それぞれに存在し、共に立ち、ときには戦う。悪い言い方をすると、Ｊの音楽は隙間もをなくするために、受け入れ合う演奏だと思う。ゆずる、支える、思いやる、全体としての空間の外枠の大きさをどこかで感じているような…予定調和のような。受け入れることの美しさ“受ける呼吸”←Ｗももちろんなるのだが互いに出し合った駆け引き上でのやり取りなのだ。出る前や出す途中でＪは相手のやり方を計算し、事前に察しようとする。あいた空間になじませるようにアレンジがなされる。Ｗは、生き方が逃げない。引かない。傷つくことをおそれない（音の上で）。（Ｊの中でも、もちろん逃げていない歌い手はたくさんいるが）ここの存在を確立し出し合った結果として作品がある。、
“Capira Capira”まず出だしが体でつかめていないと後に続けることができない。フレーズの中で声がゆれてしまう。どうしても盛り上げの部分は音量を大きくすることでしかやれない。また、2番目の“カピラ”の前で呼吸のタイミングがうまくつかめないため次にうまく移れない。体がついていかないということと腰の動きが自由になっていない。ここは曲の展開をみせる場所なので前のフレーズとその後に続くフレーズをイメージしながら行う。決して単品のフレーズまわしになってはいけない。スピード感やリズムは体の動きが自由にできてその中にのっていけるようでないと難しい。
“Con24milabaci”初めて聞いたとき「えーっもう何が何だか全然わからない!」と思った。まず全然イメージがわかないし、どういう風にのったらよいのかもわからない。とにかく言ってみるしかないだろうといった感じだった。このスピードも私には速すぎてついていけない。リズム・テンポが体の中に入ってこない。このテンポでしかも音の高低が初めの方はあまりない。へたをすると棒読みになってしまう可能性が高い。そこでメリハリをつけるとは。とにかくそんな何もないところからわからなくてものっていく（のせていくといった方がよいかもしれない）しかないだろうという気持ちしかなかった。実際はのれていないのだが。出だしのンタ（この入り方がよくない）タタ。入りそこねたり弱くなってしまう。初めが肝心だ。ここでころぶと後まで転びっぱなしになってしまう。それにしても入りにくかった。自分の中でリズムを回しているのだが例えば縄跳びの大縄をやっていて回っている縄に自分でタイミングがつかめずなかなか入れないといった状態だった。
ジョン・レノンの曲で彼が「シュッシュッシュッ」といっていた（ほとんど息）あの息の強さがなければだめなのだ。歌の方よりあのシュッという息の音の方が耳からはなれない。そしてその息の強さで歌うのだが息は底の方できちんとつながっていなくてはならないのにきれてしまう。踏み込むたびに浅くなっていってしまいには全然踏み込めなくなっている。息が深くないから必要以上に体を使わなくてはならない。そのため、全身に力が入りのどをしめることになる。結局もっと深く、太く、強い息を吐けるように体を鍛えてゆくしかない。英語の（外国語）歌を歌うことより、まず、なぜ日本人の話す英語はネイティブのように聞こえないのかということを考えた方がよいと思う。私の場合、発音が悪い、聞けていないということもあるのだが、（ためしてガッテン英会話）はとても参考になった。深い息を流している中にことばをおいていく感覚がわかりやすかった。日本語に漬かりきっている私たちが外国人と同じような感覚になるには息が体の中から出ているというイメージではなく、自分が息という生物に包まれているイメージぐらいもたないと変わっていかない気がする。枠を作ってはだめなのだ。
メロディも歌詞も好きなタイプの歌で、聞いた瞬間にものすごく自分の中で動くものがあって、猛烈に歌いたいと思った。しかし、思いを込めようとすると、大きく振り絞るしかできず、またフレーズにしたときに調子になりがち、何か薄まってしまう感じがあった。また、自分の番まで集中をキープするのが難しかった。「ことば」で言うのも、思ったようにできなかった。「思い」があるのに、出てこないもどかしさがあった。自分の身の内にうごめくもの、それが呼吸となりフレーズを決定していく。思いの動きに声が一致していくようにすること。コントロールどころではないのだが、ものすごい思いを込めて、歌いたいのに、構成上小さくやらなくてはならないとき、深く、小さく、しかし弱くならないようにすることができるようになりたい。また、どうしても聞いたヴォーカルの歌い方に寄ってしまうところが私にはある。自分のものにしていくこと。好きと思ってぐーっと中に入ってしまって、今の私には、このヴォーカルのどこがよくて、どこが悪いのか判断できなかった。
発声（声って）ときの前の準備のところで決まってしまうということ。息たてとも言えるような息における準備。息の入りとKeepがあったあと声になり、声がKeepされ、終止される。日本のものは声がでたところからはじまる。「蹴るまで」→「蹴って」→「蹴ったあと」のことの「まで」のところの体の中、空間の中ですでに起こっていることが、聞けない、捉えられないのが日本。体は楽器であるということ。→単純に捉える。響かせる感覚。のどをあけるということ。呼吸だけでコントロールするということ。フレーズになったとき、それは、立体感やリアリティ，三次元，天地，展開などと表現されていくが、基本的には同じことであるということ。「声は魂の鏡であり、自分自身を表現するためのもの」これを具体的にしていくには、そのプロセスの中で自分の耳で判断するということ。最初から最後まで自分の耳と感覚で判断していかなくてはいけない。そして、発見した自分を元に創造していく。創唱や歌の世界があり、そこを自分自身のあいだに音楽的空間を生み出していく。量は全体に必要なものである→例えば、音ならば、聞ける耳，深めることの質を高めていく鍛錬となる。自分で決められるための“耳”を得ることができるようにする。例えば“打球が距離が伸びていく”というのは徹底した原理，精密な道理があるからで、そのベクトル（動きから向かう全てのベクトルの中心軸）がずれる，拡散する（狂ってくる）、と伸びられない。行き詰まる。より伝わるものは体を使っている。いかにどんなものも同じかを知る。感覚をきちんと自分にたずねながらいく。内部の感覚を実現できない体の弱さを気づき、実感できるところから全てが始まる。真ん中に入る。常に足元のところに戻らないと伸びない。体についてこない。自分で勝負できる部分を知りやっていく。プロでないということ＝全然自分をはずしてしまっている。わかっちゃいない。バイオリンを弾き、弓がこすれ外界にふるえながら大きく共鳴していく感覚の音。大きく動き出していく音の艶めき、あふれていく音、優れた歌い手、声の使い手の内側の体の中の壁面が見える。肉が見えるような声というのは、私はそんな、そういった景色として捉えている。筋肉（使われてはいるが、緊縮していない）に引っ張られたムダのない皮膚（内管）が中国の陶器のようなつややかなフォルムをとり、音をすべらせ増幅させていく。中心で捉えて、その上で口や息を音色を色づけされた声は、それでも福島先生のよくおっしゃる「声楽的にはアウトかほとんどドクターストップ」の声であっても、生き物としての人間の中心に届く。日本の今日例に出された（話の中で）ものたちのように情況もうかがい、優れた世界を意識し、善意を水のようにたたえ、または形やはみ出さないことを重んじ、思いやったとしても客の気分を伺う、損ねないように接しているものは届かない。相手を求めるなら心臓をわしづかみにしにいったっていいんだ。客とのやり取りも、さぐり合いではなく“駆け引き”“勝負の掛け合い”なのが世界だ。、
マイライフの出だしのフレーズから、自分で歌うと均等にとってしまうところや、音をとって当てて、ことばが言えてれば歌えたということは間違いということなどをチェックする。「アードンケア」のところだけでもメリハリがあるということ、キーワードを言っている感じのフレーズではあるが、決してキーワードのみを音量つけて出しているのではないということ。このことは自分でやってみてとてもその感覚が間違っているというか、わかっていないことに気づいた。8ビートの回転にのれていないと、次にはいるとき、ほんの一瞬遅れているということ。かといって、遅れないようにとあせって歌ってもいけない。頭で理解しようとして歌うと、ぎこちなさがすごく表れてしまう気がした。特に今日は、あせっていたと思う。何がプロとそんなに違うのか。をつきつめて考えなくてはいけない。今までの感覚でいてはいけないし、何も変わっていかないということ。とにかく感覚を変えること。そして体でわかるようになることである。その方法の一つとして、一フレーズを繰り返し聞くこともよいとのこと。そのことで頭が一杯になるくらい取り込んで、そのときわからなくても後でわかってくるらしい。と同時にフレーズの自分のやったものとプロとのを交互にテープに入れて（何回も入れて）聞き比べるのもよい。やってみて、自分の言いずらいところや、乱れるところをどれだけ厳密にチェックできるかが力の差になっていく。
悲恋の「カピラ・カピラ」のフレーズからはだんだん盛り上がるのだが、決して音量で大きくしてるのではなく、粘って粘ってその分でっかく出している（粘る、引っ張る、のは次にバンと入れる準備となる）ということをききとる。同じ速度で入っては間延びするということに気づかないといけない。とっかかりは、とにかく2回目の「カピラ」が大きくならないと気持ち悪いぐらい思わないとおかしい。ミルバは1回目と2回目にとても差がつけられているが、自分がやっても、ほんの少ししかつけられていないことに気づくこと。そして、体に入れて歌っているから大きくなっているのでもないということ。体で歌うということでもない。体ができればある程度持っていけることとかあるが、そうしていくと体に頼った歌い方になっていってしまうので、何よりも大切なのは、感覚を身につけていくことである。メリハリを出せるように研究することは、見せ方や研究することでもあるので、もっともっとつきつめていかなくてはいけない。今日やったことなども2・3回まわしたぐらいでできなくてあたりまえのことなので、そこからいろいろ感覚し、気づき、トレーニングに結びつけていくことである。言われていること以外のいろいろな要素が入っていないと近づいていけないと思ったし、レッスンの最後の方で言われていた「カピラ」を一つに言えることなどの基本のことがとても大事で、これから学ぼうとすることの全ての土台であるんだということに改めて気づかされた。自分のこれまでつかんできた感覚もほとんど間違いであるので、壊していくことをしないと前に進めない（新しい感覚を取り入れられない）と痛烈に感じた。特にそう思ったのは「盛り上がり、メリハリ、乗り、スピードをつけるためには、音量をつけることでもなく、体に入れて歌うことでもない。」と教えられたから。でも、それがどうして。とかを自分でわかるまでつかみにくいことだ。今はやっていないことの多さに気づき、少しでもやっていくようにしないといけない。
アーティストの生い立ちから学ぶことも大事。育った環境・時代背景・音楽との関わり方などから、音楽の傾向を知ることもある。そして、そこから自分とのギャップを知り埋めていくことに結びつける。
ダニー・ハサウェイは、祖母がゴスペルシンガーで、生まれたときから影響を受けていて、本人も3才からゴスペルシンガーとして歌い始めていたので、幼少時に感覚やリズム感が培われていた。キャリアも長いということ。黒人居住区に住んでいて、公民権運動の真っ直中で成長してきた。強い信仰心が歌に影響し出ていること。デビュー前にアレンジャーをやっていたことなども関係していると思われる。曲を聞いて気づくところを書き出してみて、なぜそうしているのか、そのようにできるのかを問うていく。
「To Be Gifted And Black」では出だしの一フレーズからだけでも、いろいろなことが入っているので、トレーニングになる。出だしの“ToBe…”と入れる感覚は、その前から乗っているから入れるということ。“Young”で＜（クレッシェント）して次の“Gifted”と入っているフレーズの作り方や、“Gifted（間）And Black”のあいだのところもつながっている感覚があることを聞きとる。こういうことをすぐ言えるだけの耳があること、そしてそういう聞き方のトレーニングを積んでこられているのだなと改めて思った。
自分のノートを見ると、全体的な感想・大ざっぱな息や声のことはメモしてあるが、もっと具体的なこと、特に感覚的なこと、フレーズの内容のこと、息・声のことばなどの気づき方が全然不足している。それから、「なぜ。」と思って研究する気持ちも不足していることがわかった。早く聞き方をよくしていかなくてはならない。もっと突っ込んで一つのフレーズを何回も繰り返し聞くこと。また、何を言いたくて、そういう音楽にしているのかなども突き詰めて研究してゆきたいと思った。
一見何でもないように聞こえて、聞き流すのではなくて、一つひとつのフレーズに意味と音楽的技術などが混ざってそういう表現になっていることをわかるようにしていく。改めて思想・宗教感が作品に多大な影響を与えているということも知った。プロテスタント的考えの一つに「神から与えられたものと、人は一所懸命取り組むべきである」というのがあり、この曲の詩の意味となっていることを聞き、とても興味深かった。意味からして、同じ詩の歌い方であっても、同じにしないということや、音楽的なこともあるのでフレーズを動かしているということ。息が流れに乗ることの気持ちよさ、呼吸に乗っているからよく動けるということ、明るい歌（声）が、詩が暗くても重く聞こえないところとか、いろいろなことが学べるということ。
「マグダレーナ」では、作品が作られた時間差が、どう声が違っているのかを注意して聞いてみたが、ダニーの場合、さらに明るさが加わり、声に広がり・大きさが出ているとのこと。同じアーティストの作品からも成長した部分が聞きとれるようになり、表現力の違いになっていることを研究することもすごい必要だと感じた。前回の特集に出てから、とても気になっているアーティストなので、もっともっといろいろなことが知りたいと思っている。何回聞いても聞き飽きない、くどさのない歌に共感するというか、目指したいものが確実にアーティストの中にある。だから、自分は今日のことをどうトレーニングに結びつけるか、掘り下げていけるかを今後の課題にする。
イメージを伝える。論理ではなく、聞き手の右脳（感覚）に直接届くように取り組む。I See。と言わせよう。伝えるイメージをしっかり持つこと、深くその問題を捉えることは、とても大切。伝える側にその取り組みがないと、相手に正確に伝わらない。ジェスチャーと目（視線）を使うこと。イメージしたらそれを人に伝える。表現していく。先生の実践がとにかく納得させられるものがあった。なんといっても本当に目の前にあるってI Seeって言わされてしまう。おもしろい。伝えれたら絶対におもしろい。自分はといえばイメージがちょっと貧困だ。なんというか、自分がしっかりと定まっていないうちに前進しがちだ。外からもっと自分を（動きも）見えるようにしていくべき。とにかくおもしろかった。先生がおもしろかったということだけでは終わらない表現って深いなぁ。っていうところがわくわくした。最小で最大を。これが存在していたし、自分もあの能力を身につけていくことにはとても興味があった。できてなんぼ、伝わってなんぼ、というはっきりとした世界だからよけいにおもしろいのかもしれない。ああ、しかしこのさわりの部分で感じたことさえ自分の体に入れていって本当の表現のところで活かすとなればまだ時間かかるんだろう。けどやりがいのあることだ。
とにかく表現してる人って魅力的。その人の存在がその表現とつながってすごくよいエネルギーを発してて、心地よい。表現について勉強するっていうことはプロ意識に関係してくるな、と思いました。いつもただ自分がやりたいように表現していることが多かった。自分は、もっと見る側、伝えられる側にどう届いているかというところもフィードバックしていけると、変わっていけるはずです。そこだけを意識するのはどうかと思うけど、先生も言っていた正確に伝えるという力を育てることはとても重要なことだと私も感じた。一方通行では意味がないわけですね。今回そういうことも勉強になりつつ、先生のテンションとか、活き活きした感じもとても心地よかった。人に感覚を教えるって難しいことなのにサラッと先生はこなしてた。
リズムが出ているか否かというのは、声以上にわかりにくい。自分でリズムが感じられても、実際歌に表わせなくては、なにもならない。
拍を刻んでいても、それがブツブツと切れていては歌にはならない。一つの線として流れているかどうか。（気ではなく線が見えるか。）
トレーニングは常に完璧を目指す。
やりにくかったところ、歌いにくかったところは何か。何が原因なのかよく考えてみる。
短いフレーズを徹底的に聞き込む。
私の歌は速度というより加速度がないので、間延びして聞こえるのだ。音量ではなく、フレーズの大きさとして、気持ちの高ぶりとともに段々と大きくなっていく。それには、深く鋭く入っていくことが必要で、スピードもどんどんのってくるはずなのだ。
腰でリズムをつかんで、フレーズを動かしていく。体でリズムのあいだをぬっていく感覚というものが、まだ体でわからない。
楽譜を見て、音符通りにリズム打ちをすることと、リズム感よく歌を歌えることとは全く違うのだと、つくづく思った。そして、声（深く入れるとか入れないとか）とリズムが一体となって、フレーズが生まれるのだ。福島先生がよくおっしゃる縦の線のイメージが初めて自分の中に少しだけ生まれた。どのフレーズもうまく歌えなかったのに、授業が終わって帰り、歌うことがなぜかとても楽しく感じられた。
ピアフ、他人事ではない言葉だけれど、言葉のスピードも全く違う。わかるのはパダンパダンパダンとかブラボーブラボーとかでそれ一つでもとてもすごいことだ。特にブラボーというだけで音楽に聞こえてくるのはなぜだろう。私にはブラボーと言っているだけで音楽になっているとしか思えないところがすでに違うのか。もっと多くのことをピアフがやっていてそれが私には聞こえてこないのか。
言語の差、フランス語がすでにそういう音楽の要素を多分に含んでいて言葉を発するだけでよいのか。でもそうしたらフランス人は皆ピアフになれてしまうので、違うだろうし。音の感覚というものが他の人よりも抜きんでてすごいから、ピアフはピアフなのか。何だかこんがらがってきたので、整理すると、言葉とか声と息を統一してそれに音をつけると音楽になってその上で表現して皆の心に届けること。
シャンソン「つた」のフレージング。まったく、馬鹿みたいだった。幼稚園児のようなフレージング。フレーズじゃない。先生が伝えんとしていることはよくわかる。いや、わかっているつもり。棒読みの表現も笑っちゃうほどわかる。でも、いざフレージングしてみると、いや言葉だけ発しても棒読みになってしまう。どうにも歌に入れない。身体が全く動かない。反応しない。まるで、全てふっとんでしまったような感覚。
ミルバ“トロイメライ”は声を大きく出したら、音が届いたら伝わる曲でないということ。スケール自分に合わせて縮めても、最大限伝わるように歌えるかどうかをやってゆかなくてはいけないということ。この音楽の感じをとらえ、出だしのフレーズにして、波とか、ふんわり盛り上がる感じが欲しい曲ということ。
ミーナ“太陽はひとりぼっち”はリズムが入ってないと鋭く入り、鋭く切れないということ。出だしのフレーズは下がってくる音のところが、体が閉じてくるので難しい課題である。
頭に入ることばっかり意識していると、下りてくるところに意識が行かなくてはいけない（意識を離さないこと）。
クリス・コナーの“ジャズナンバー”は、リズムが内側にあって、出だしの「ラ」で深いところでとれている息に流れをつくり、息をコントロールしてリズムの感じが表現されているということ。決して表面上の4ビートを出していると間違えないこと。フレーズ感を大きく取っていないことや、呼吸が小さくなってしまうと歌えない課題。リズムの曲は、どれも決してせわしなく取ってしまうのは間違い。きちんとリズムハイっているとゆっくりめにとれる（あせってしまうことはない）。
ジョン・レノンのオー！ダーリンは、集中して鋭く入りきることを行ない、出だしに全てをかける曲である。集中することで体が動かなくなってはいけない。出だしの「オーダーリン」と同じように「プリーズ・ビリーブ・ミー」に踏み込むのが難しい。このフレーズで出ているもの（表現されているもの）が音楽の感覚ということ。息でコントロールしていない限り動かせられないということ。声だけで歌ってしまっては、体に頼っているということで、このクラスの人は特に注意してやっていかないといけない。シャウトの曲もチェックのためにやっておく必要有り。
どの課題に対しても今日は入り切れていなかった（最近続いているので注意しないといけない）。以前よりは、息や体が見えてくるようにはなった気がするが、先生のコメントのようなはっきりした捉え方が自分にはまだ身についていない。頭で考えるというよりは、一・二度聞いてポイントを感覚（つかむ）することが大切だと思う。せめて、自分が聞いて気付いたこと、やってみて気付いたことを、その都度チェックし、他の人と比べレッスンに落とし込んでゆかなくてはいけないということ。
課題では、表現方法が大声を出すことではない曲をもっともっと練習しなくてはいけないと気付く。課題は、入り方と動かし方のトレーニングに絶対よいと感じたし、乗って自分の中にリズムを入れて歌うという基本をチェックしてゆくのに役立てる。
キーも合っていたし、曲に入りやすかった分、体が固まって動かなくなったし、原曲のような。動きや強さの中に柔らかさも含んだような表現ができていないと気付いた。でも、今日の中ではよい感じがほんの少し出せたのではないかと思う。
「自分の好きな歌、自分に合った歌を歌うより、あえて嫌いな歌やなじみのない歌を歌った方が自分らしい表現・こだわりを見つけやすい」という先生の話。
特別授業の「僕に合っていて、合わない例（選曲が）」が、あのコメントへのヒントだと感じた。「この曲が好きだ」というような思いは伝わるが、わりとその中でなじむ、なごむ…安心してしまう、ということだろう。
以前に「自分らしさを織り込みやすい曲、そうでない曲」という僕の中での分類を考えたことがあった。先生のステージ実習のコメントで「特に昔の歌はその人（アーティスト）でなくては歌えない、その人ならではの味があってこそ活きるものがある」というものがあって何か関連がありそうだな、と思う。
先生はさりげなくあらぬ方向を向きながらヒントのボールをころころと転がしてくれる。気がつくと僕の足元にあったりする。耳をすまし、よく考えよう。授業の中にたくさんのヒントがある。
フレージング「つた」はものすごく難しい。今日で3回目なのに、やればやるほどわからなくなっていく気がする。最初の方が何も考えずに今よりはよかった。変に頭で考えすぎるのか。いやそれ以前に磐石な基本がないのだろう。先生の「自分から何が出るのかわかっていない」という言葉は、自分の現在を言い当てている。歌や音楽は、その中で自分を解放させるべきものなのに自分で自分を縛り上げている。
「君にささぐ〜忘れな草を～」曲がかわった。音の幅がせまかった音域1オクターヴのこの歌のサビのほうがイメージしやすかった。メロディのうねりがリズムを作っているからだろうか。最後のフレーズは故意に創ろうとしたものではなく、表現には至らなかったが、自分としては違和感なくできたと思う（久しぶり）。授業のフレージングでは何より“違和感がない気持ちよさ”が自分の中の判断基準。何というか見晴らしのよい丘に立ったような、探し続けていたものが引き出しを開けたらそこにあったような気持ち…「偶然できちゃった」と言ってるようなものだな。
コントロールできること。何通りもの「手」を常に身につけ、その中から選んでフレージングする。身につかぬ偶然でたまたまできた、今日はダメ…では何も進歩しない。こうやろう、という線を想定してのぞむ。その線のバリエーションを自分で探し出せということ。
フレージング：『どんなに（イオヴォレイ）のぞんでも（セロヴォレイ）かなえられない恋（レディオファットインポッスィビレ）〜ミルバ』ゆったりと大きなフレーズ。単にのばしているのではない。大きなうねりを感じてその中に表現を込めている（出している）。間の奥行きや深みを感じとれるか?←聞き方・感じ方のヒント自分の小さな器でまとめてしまわぬようにミルバの呼吸を読みとって同化してみる。
よい曲だなと思った歌（音楽）に出会ったとき、「歌いたいなぁ」と思う気持ちと同時に「届けたい（伝えたい）」という気持ちが湧き起こるものなのだと今更ながら感じた。（今頃!?じゃあ今までの自分は一体何だったんだ!）
あなたはいつでも笑顔でこたえる”
あらためてすごいピアフの声。カミソリのようにキレる。この曲を彼女はどうとらえ、なにゆえにあのようなからみかたをしているのか。どうしても平面的にしかとらえられない。直線の、時間の長短でしか聞けないし、フレージングできない現状。踏み込みや深さを立体的にイメージできないのだ。
岸洋子さんの歌の中で活かしている（感情や力を踏み込んでいる）部分と、それを活かすために消す（軽くとばす。）部分というのは理解できた。が、オリジナルの歌に関してはどこをどうとらえるべきかを身体で感じとれずにいる。
フレージングに関して、「プロスポーツ選手はヤマを張る（勘をはたらかせている）」という先生のコメントは何かイメージできるものがあった。自分を見つめ、煮詰める時間が必要だ。自分をよく知ること。長所をさらに伸ばすこと、短所・欠点を武器にできないだろうか。今日のフレージングは全く線をイメージできぬままやっていた。
歌はお前にとって何なのだ、どう歌いたいんだ、何のためのトレーニングか、声は何のためにある。歌わなくたって平気なんじゃないか。ピアノ一つの音に沢山の問いを突きつけられた。何もわかっていない自分がなんとかくいついていけるのは思いの部分でしかないのに、そしてその思いもカラまわりしている。体がかわってきても相変わらず同じことをしている。感情を込めても私のやっていることは解放にはつながらない。しっかりと腰で支え声に感情をこめてゆく。今までの感覚をかえていかなくてはだめだ。表面的に感情をこめているような歌い方をしている。
一流のヴォーカルは動かずとも声だけで表現できる。声に自分の思いと気をこめること。見本の歌やまわりの人につられているから自分の声じゃない声でやっている。
自分の思いが一番伝わる声をつかわなければ意味がない。声を一つの音としてどれだけ思いを込めて大切にできるか。音に対して鈍感すぎるから音程もとれない。感覚が麻痺していくほど恐ろしいことはない。そしてそれに気付けないということではどうしようもない。自分の呼吸も、フレーズもわかっちゃいない。わかるまでやっていない。できることは地道にできるまでやること。
あらゆるフレーズの組み合わせを試し自分を知らなければ歌えない。自分の呼吸をつかむ。体が変わってゆくのにあわせ課題も変わっていかなければのびていかない。できることが増えたとしても、試みなければできないのと同じ。
今まで言葉をいいきることばかりやってフレーズとしては全然なりたっていなかった。音楽からもかなり離れてしまった。器を大きくしていくことの大切さとともに、音の流れにのせてゆくため、まとめることも意識していかなくてはならない。自分の感覚に忠実になること。自分のものは自分でみつけていくしかない。いろいろな曲を聞く中で音色を自分の体にしみこませてゆくこと。感じたものを素直に声にしていく、自分を全て投げ出していかなければ音色は出てこない。
声とか息よりもっと必要なものが9割を占める〜ステージに出す気とかテンション。プロはそこが数段違うということ。逆にそれがないと前に出るステージにならないし、通用しない。
ステージ実習、例えば、前日のステージ実習のビデオを見て聞く。問題点を書き出す。そこをどれか絞って練習する。練習したものがどれくらい実を結んだか、結ばなかったかを試してみる。チェックしてみる。どうできてどうできなかったか。そして、それを埋めるためにどうしたらよいかを考える。トレーニングする。成果を自分で確かめる。
なぜ人前か。なぜテープで聞いたもので判断しないのか。結局は歌い手はお客さんの前での本番あるのみ。たとえ練習がよくても本番のみ。自分での判断は甘い。判断は人にゆだねる。本番で出せた力だけで（仕事は）判断される。例えば他の全部捨てても一つ一つ確実に高めていく。結果は別。高めていこうと意図する。
選曲について、単に歌いたい歌ではなく、その中に自分が少しでもこうありたい、という項目を盛り込めるもの。歌を歌うことの中に自分の歌を少しでもよくしていく具体的な項目を盛り込んでいく。
まだ息の量が全然足らないのだが、一つに捉えるという感覚がフレーズの中でわかった。他の人のを聞いてどう違うのかということが見えた。『ィテスネーオ』ではなく『オーネスティ』なのだ。自分ではできないが、これはものすごい息の量と深さを必要とするのだろう。トレーナーが強弱の感覚がないといったことで自分は当てはまると思った。体がつかえないということもあるかもしれないが、感覚として意識されていない気がする。鋭さ、キレ味が全くなくぼかし絵のように輪郭のわからないものになっている。はく息の強さ,深さが全く違う。
福島先生と自分の見ているチェックポイントの数が全然違うということに気付かされた。強烈な一撃だった。自分の見ているものとときどき一致することはあっても、それは単に体から声がでていないとかくせ声とかパッと見わかるようなことばかりで、深さも全然違うだろうし、それがどうすれば直るかというところまで全くいかない。
あとは、イメージを見ているということ、どう歌いたいのかを見ているということが自分にはわからなかった。自分には“あの人今日も同じだ”と思ったことも先生にしてみれば、関係なく、今表向きどう出てるかというよりこれから何かが出そうだということを見ているなんて、すごいと思った。この視点からいくと自分の歌には何のイメージもなく、コメントに困ったと思われる。
声をやっているのか歌をやっているのか、どちらともやろうとしているのか、どちらもやろうとしていないのかさえもわからないものだったと思う。なぜならCDに合わせたところで終わっているからだ。
自分に対する評価、自分では後半の方で思わず、のどでやりすぎて最後までもたなかったからダメだと思っていたのに、先生はどちらかと言えば後半の方がよかったと言っていた。全てが自分とズレていて自分の感覚とか視点の鈍さに腹が立った。
歌がうまく聞こえるようにするにはいろいろな方法があって上手い人ほど歌っていない方向にいっている。ということを聞いてピアフを繰り返し今も聞いている。他にもっとよい例があるのかもしれないけれど、音を伸ばして響かせているという感覚はないと思われる。より息をはいているだけ、それは、その意志があるからはいているだけで、楽譜が音符がそうなっているから伸ばしているのとは全く違うものである。上手く書くことができないけれど、これが音楽的言語なのかと感じる。
今回は、僕らの歌／声を先生がどのようにとらえているか、を伝える、というスタイルのレッスンだった。僕自身にとっては非常にプラスなものだった。というのは、僕はまだまだ自分の声とかを客観的に見ていくことができないし、いや、できていないということすら明確にはわかっていなかったということが理解できたからである。おそらく、それは他の人も同様で、もしかしたら通常のステージ実習でも今回のような個別のコメントも交えて欲しい、という意見が多いかもしれない。
しかし、自分のことを棚に上げて客観的な見方をすれば、それは結構危険なことのようにも思える。というのは、先生の言葉はひとことが非常に僕らにとって影響度が高いにも関わらず、それを受け取る僕らの方は、知識・経験共不足しており、誤解をしてしまう、もしくは単に感情的にしか受け止めなかったりすることが多いのではないかと思われるからである。ま、別にそれはそれでよいとも思うけれども。僕自身はいつも先生方のおっしゃることの表面的なことでなく、真意・背景をくみとろうと努力しているつもりだし、僕自身についての責任はすべて自分にあることを理解している。
しかし、そうでない人も多いようなので（人のことはどうでもよいのだけれど、今研究所がなくなったり、レッスンの質が下がることだけは避けていただきたいので）。
「しばらく声を出さないで、息だけの練習をして様子を見よ」とのアドバイスをいただき、考えた末、その通りにすることにした。僕には「声を出す練習を止めてしまう」という発想は全く無かったので、このアドバイスは貴重なものであった。もちろん「声を出す・歌う練習をしない」ことに対して不安はあるのだが、意味のない安心よりはそれをバネに息の練習をしっかりやりたい。
音程・リズム以前に「音楽が入っていない」「歌の根底に流れるものがない」「想い」が入っていないということだ。年始の特別授業の問いに対する答えがこれだったんだ。
『何』を『どう』聞くか。「音を純化する」という感覚がなかなかつかめない。教わってわかるものではないんだ。きっと。本当の意味でこいつがわかったときに、歌は変わると思う。
今はつべこべ言わず、聞くこと・感じること・探すこと。先生から以前と同じ注意を受けた。「身体から発する声」を勘違いしたオペラっぽい(?)歌い方・自分の中で回して前に問いかけけないフレージング
先生に強く注意されるときというのは自分を歌にはめ込もうとしているときや、明らかに不自然な方向へそれようとしているときだとわかる。
何か間違うとき→表現→解釈の時点で間違っている。構成・進行（ニュアンス・音色）リズム／音感、音をのせるベースは感覚と解釈のやりとり。音楽や音がきこえてこないというのはどういうことかわかること。“どこをとるか”ということで、レッスンもステージ実習なども自由につかってよいし、体の確認などに注力してもよい。が、あくまでもプロセスであるということ。最終的には統一されてゆくということである。最少で最大の効果ということであるが、最大で最大のことを出してゆかないとならない時期もあるが、効率が悪い。通過点である。だが、だいたいが最大で最小（もしくは出せない）で終わってしまっている。10で20出す、60出す、100出すとしてゆけるよう。but MAX（出力）もあるから100を出すのに元のところに力が最小ですむようなバランス（あくまで体のこと、集中力やテンションは別）で息と声を結び付けてゆく。
一流のものほど、さらりと歌われている。体を鍛えることも器を大きくし、自由度をあげる。音楽性は本当は体のことも含め統一されたところにしかおりてこないが、そこまでいく間でもその状態に応じてベストを出す／表現にすることはできる。ステージはそれを学ぶところである。→ステージに立てば様々な条件で分散してゆくのであるから、トレーニングなどや練習しているときとはまた別のはたらきかけも必要となるし、そこでも出せるだけのこと（分散しても残れる、または出せる）をそこまでにやるということ。モールス信号のように一つひとつHitしていっても何もならない。
心が集中して統一されて一つにしていないといけない。一つにつかむ。
「ここにいてほしい」（言葉）「ここにいてほしい」（フレーズ）何も変わらない。一流のものほど、歌っていない（意外なくらい）歌いあげてはいけない。一つにとたえた中でどういうふうに動きをつくるかということである。基本のことに常に戻る。
上にいってのびないのは基本のところでの積み上げをやめてしまうから。次のフレーズにも同じ次元でいくとわかるような歌はおかしい。声自体を扱えた上で、色を出し動かしてゆく。上手い人は基本的に歌わない。言葉をおいてゆく。響かせる。呼吸をコントロールするだけ。butちょっとでも神経を抜くと日本の歌は流されてしまうので注意する。出せないということは、お話にならない。使いこなせないものは持ってないのと同じ。自分をみる。ちゃんとみる。、
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ステージ実習感想
歌詞を間違えなかったとしても大差はなかったと思う。これが現在の僕。ステージングも…ぎこちなく不自然。歌にともなって動けていないと思う。表情も固い。フレーズのスピード感はもともとない。必要だ。すごく必要だ。他の人に対するコメントを聞くと、確かにそうだな、と思う。僕へのコメントを聞いて皆も「全くだ」と思っていると思う。でも自分を肯定したいという気持ちがある。歌いながら、時間をかけて考えていきたい。
歌い初め いつもの全体への総括コメントも充分理解するには、それ以前に歌を聞く耳・能力を必要とされる。それはもちろん養っていかなくてはいけないのだけれど、その過程において今回のように
具体的に示して頂けると、どういうふうに歌を聞けばよいのか（審査員になったとして）、福島先生という一つの基準が今までよりも見えやすく、わかりやすいと思う。それによって、自分の歌をより細かく評価・分析できるはずだ。
ことばから音楽へ 本来であれば、通常のレッスンもあの状態→見る／聞くことから学ぶものと、場に立ち自分の表現をその場に問うてゆく試行錯誤と真剣勝負→が当然である。それがああいったステージ実習との中間のような形（前に出ているものは一度やっている→レッスンでは半分もない条件）をとったことが、普段のレッスンの自分たちの中途半端さが浮き彫りにされた形だった。その中途半端さが見事に出た。言い訳なし。集中したところでテンションをキープできない自分。場の低さの戦犯。
レッスンのときに先生に言われる集中力をキープできないためにかえって悪いレッスンになってしまっていること。
冬の華という情景が非常に鮮やかなものだったにも関わらず、いやかえってそのために形にさえできない全員の空気の薄さが露呈していた。個人的には非常に得難いラッキーな状況だった。スポットの下という偶然ではあったが、あの場に立てたことで、まさに走馬燈のようにここでの1年のステージ実習やレッスンを追体験した。テンションだけで体をしめきって、歌っている時期。体と呼吸を夢中でコントロールしようとして、歌でなくウェイトトレーニングになっている時期。やりすぎでムダに使いすぎで表現にならなくなることもさけ、体の自由度と客観性などと考え、テンションを知らず知らず失う時期。その中をグルグルと今もさまよい、まわり歩く自分。そして、ここでみた／聞いたものが、フレーズを表現を自分の中に問うている瞬間瞬間にスポットの中にフラッシュのように浮かび消える。
仲代さんの「…と言うのか。」という台詞のときの目のすわり具合。「ロダーン！」と叫び狂う声、ミルバのうなじ、アマリアロドリゲスのステージでの母性、一竹さんの宇宙、崩れ落ちる寸前の“ローズ”の最後の一呼吸。自分がなにかを出そうとするときのなん層も下にその分子として存在するものたちにも会った。トータルしたところで、2秒にもならない体験だった。福島先生の用意した形を“偶然”にもらった、得ようとしても得られない空間だった。これから問うていく中でのすごく大切な材料を目で確認した。、
本来ならオリジナルでは特有の声でやっているから、それを払いのけやすいぶんというか自分の声と全く違うぶん、自分の色に創り直しやすいはずなのに、中途半端にしかできておらず、それはきっとこういった変わった声の出し方がオリジナルの曲じゃない、もっと素直な声の出し方をオリジナルでやってくれている曲をやる場合に、そのオリジナルの唄い手のスタイルに頼っているからだと思う。
参考に聞いているつもりの元唄のテープを、同じようにできるかどうかを試す気持ちが多くの割合をしめていることが今までほとんどだったために、それだけで精一杯で、それを突き破って自分にしかできない唄い方という大切な考えが消えてしまっているのだと思う。
それは「Love Me～」でもはっきりしていたと思う。確かに、これほどいろいろなジャンルの代表者たちをことごとく本質的部分で模写できれば、それはそれですばらしいけれども、そこにも全く至っていないし、自分だったらこう唄いたいんだという方向性が感じられることもない。やっぱり取り組んでいる時間が短いのだと思う。それか、取り組んでいる時間内の密度が薄いかのどちらかで、ただ毎月機械的に出席していればよいというわけじゃなく、出るからにはもうちょっとずつ気持ちを入れていかないと駄目だと思う。今年も今回出ようとは思うけれど、その辺を気にしながらやることが大切だと思う。これまでも心ではわかっていながら、なかなかできない本当に一番大切で一番難しいテーマだと思う。
ステージに上がると、普段自分で練習しているだけでは気づけないことにたくさん気づける。そして、「どうして発声練習が必要なのか」「発声のための発声じゃないんだ」という、あたりまえのことだけれど、マヒしてしまうことを実感できる。ステージ上の私の声は、普段発声でできていることなんて、おかまいなしの状態になってしまう。のど声になったり、口先だけで響いたり、ふんばりたいところでふんばれない。気持ちだけがのっても、声が、体がついてこない。そう、だから、だから発声練習、ここのトレーニングが必要なんだ。
ステージの上で「めちゃかっこいいハイラララ」なんてやってもお客さんは喜ばない。あっでも発声練習としてではなくて、例えば、「みんな元気かーい！」という気持ちで「ハイラララー」と言ったら、「おおっ元気だよぉーっ」て、お客さんも返してくれるかもしれない。「みんな元気かーい」を伝えたい、より強く伝えたいから発声練習が必要なんだ。やっぱりステージは楽しい。人の思いが声が、人の心を動かすコミュニケーションの場。だからこそ、人の心に何の影響も与えない歌は、ただ他人の時間とお金を奪う、ドロボウのようなものなんだと、今、書きながら反省。
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【勝田特別実習感想】
自己表現の3要素。アドリブに徹する。ジェスチャーの基本。〜客とのコミュニケーションをとるために。自己表現は視覚的表現力（服装、態度、表現、目線、目配り、動作など）が55％も占める。体が動かないと（ジェスチャーが伴わないと）声が変わらない。アドリブはアメリカではとても重要。自己表現はイメージの世界の表現。ジェスチャーは、まず話しを始めるときは、足を半歩横へ開き、半歩前へ出して、前後・左右により動ける体勢をとる。手のひら方向と両手の動き、指先の動きがまず大事。まず一人一人実習があって、その中からいろいろな問題点を説明していただいたのが大変わかりやすかったし、まず自分が相手になってその人を見て感じながら（チェックしながら）考えながら進められたことがよかった。読むことで学ぶよりも、イメージを表現することを体で覚えなくてはいけないことを学んだ。ちょっとした動きを表現でもすごく伝わり方が変わるということを自分の目の前でわからせてくれた。
花について～消し方、出し方。乗りについて〜相手とコミュニケーションすること、ジェスチャーをすること、体で表現すること。オーラの消し方、出し方の実践。オーディション場面での控え室から呼ばれて中に入って挨拶するまでの動作を一人一人行いチェックを受ける。
乗りについて、オーディション場面でのやりとりの中で、ジェスチャーの仕方を一人一人行なってアドバイスを受ける。体の表現だけでイメージを伝えられることが課題。オーラの出し方、消し方があるなんて驚いた（オーラとは何もしなくても出ているものだと思ったから）。
オーディション場面での実習がよかった。笑顔がパッと作れない。動作が堅い。表情をもっと自然に出せるようにしたい。「どうぞ」と言われたときから、見られているということ。間も大事。第一印象で決まる。面接者の気持ちになって何でも対応できるようにしておく。ジェスチャはどうせやるなら、具体的にイメージできるように。自分の一番の顔・ポーズ・イメージを見せなくてはいけないということ。手の使い方をもっと研究要。席に座った場合でも持ち味を出せること。自分の得意な曲（こと）一節を3曲ぐらい出せるように準備しておくこと。
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