レッスン感想 857
最近、よく思うのだが、日本人の考える音のクリアさやひびきは違うのではないかと。また、かなりプロフェッショナルな人たちは別にして、日本人の好む、またひびきとはこうだと思っているものはやはり海外とはギャップがあるように思う。パヴァロッティ、ドミンゴ、ミルバを聞いてひびきを探っているのだが、それ以外の人でもひびきは均一で、まろみとつやがあり、点に感じるものではなく、一音一音の粒立ちが感じられるものでもない。拍や強弱、ことばをまとまりと捉えるということからの問題もあろうか。日本語の一音一音がやけにぴんぴんと立つ共鳴をクリアでよしとする人も日本人には多い。それは母音の明るさとも関連するとは思うが、まろみのないひびきは“勘に触って”イライラするのは私だけか？どう違うのかよくわからないけれど、クリアさとひびきは異なるものだと思う。日本人と外国人の感覚の違いだけで済ませられる問題か。好みの問題か。小室系が辛いのは私だけじゃないと思うが。
口の外も丸い、口のなかが丸い？口唇の形でなく中と外の形の丸さで、ああいう柔らかい音になっているのか？ 吸いながら歌っているように見える。ステージなので、多少前のめりで歌われているが、それは意識、表現が前に出ているからというのがよくわかる。パヴァロッティも、中丸さんもNHKのアナウンサーもそうなのだが口を大きく空いていなくても、深く太い声とまるみと…出るのは本当に体で支えているのだなあといえる。中丸さんは“美しい”と感じさせてくれた。これは表現に充実感があり、精神的に“いいところ”で歌っているからではなかろうか。そんな風に思った。
今回のレッスンは攻めぎ合う部分とそこから生まれる何か得体の知れないものが見え隠れするようなレッスンだったと思う。有る程度レベルの有る場からは、人間としての個の部分をさらけ出してやろうとする、彼、彼女が出てくる。
福島先生が毎回「レベルを落とすくらいならつぶれた方がよい」といっているのは、こういうことだったのだろう。レベルの高い場所からはより高い場所を求めて、人にいわれずとも体が勝手に動き出す人間が何人もいる。そこには恥ずかしいとか、無難にまとめて、などといった平和主義者的な考えはいっさいない（平和な世界は大切ですが）。いつも無難にまとめようとする私ですら何かアクションを起こしたい、攻撃したいという欲求にかられ、失敗はしたが4フレーズ目では違う、自身の考えた流れを出したつもりだ。ただこのようなレベルの高い場でなくても、どんなところでも1人だけでこのくらいのテンションに持っていけるようにしなければならない。本当にレベルの高い場からは想像を越えるくらいの何か？が見えてくることを味合わせてもらい、その得体の知れない何か？の正体を確実に目で見てやる、もっと味わってやるためには、そのレベルにまで自分を高めていかなければならないと自覚しました。
「大きい声を出せばいいというものではない」「たくさんで出ればいいというものではない」と注意をうけてきた。レッスン中には「そりゃそうだ」と思いながらも、なんだかやっぱり声にしたり、たくさん出ることの方が学んだりやっている気になっていた。いきなり顔面にでかいボールを投げつけられるような歌がどんなに無意味かと（頭では）思う。出した先で、何がおこっているか…それはグループレッスンで人のフレーズと声を鏡にして確かめる。
クラスレッスンは、ずっと一緒にすごしてステージ実習もみてきた人たちとのレッスン（時系列や個々の変化ということでそれはそれですごい勉強だが）。聞いたこともない声が知らない心と体から出てくる。単特はMixのメンバーのせいかもしれないが、実験的なレッスン（通常の方のレッスンは繰り返されないことも多いので）がよくある。そのなかでわけがわからないのに、表面だけとりつくろおうとする自分の内面の動きがあぶり出されて異常に見苦しい。基本の所でつまづいていることがよくわかる。そういう自分を正面から見て、「いく」と決めてやれたときはうまくいくことが多い。、
感覚の狂いを正す。表現ということを考えたとき、世に出ているプロとのアティチュードの違いを感じる。条件はそんなに変わらないはず。ヴォイストレーニングが邪魔になってしまっていないか？息や声が見えてしまうことのおかしさ。イメージしたものに体を対応させるためにトレーニングの結果を見せるためのものではない。まちがったら止めて再スタートする。固定してみてそこから動かしてみる。その下支えとしてのトレーニングである。ヴォイストレーニングの結果が動きをおさえてしまってはいけない。レッスンでは現場でしか直せないことを直す。一番わかりやすいのはマイク一本ピアノのみのような条件下。技術以前のところ（直せることが明確なもの）がみえやすい。スピードなど。Backにあおられてあがるようなスピードではしかたない。トレーニングはプロセスである。（歌という目的の前の）中心のことはやっていない。修正は自分でかけてゆく。ここにたよってここのことを中心、本題にするのはおかしなことである。自分で気づくこと。聞いている人間に対しての提示が大切。選ぶ、取り出す、構成するという練り込み。それもせずに課題に対してぶつかるだけでは子供のケンカ。聞きやすいことにこびる必要はないが、より構成、取り出せること。スピード、きれ、変化の感覚を鈍らせないこと。ポジションの見せ合い、声の見せ合いをやっても意味はない。最悪。みせるための呼吸でなく、リピートオンしてゆくためのもの。立体感、生命感、につながるもの。それが先に見えてはいけない。息や声もプロセスであり、あれば有利程度の1つの条件にすぎない。レベルが上のものは捨ててゆかないと平面になってしまう。フレージングに対してできなかったことからやってゆく。出だしからスピードを大切に。テンション、切れを出すためにアティチュードをきちんと。ゲームを支配するためにはゲームの外に立たなくてはいけない。空間、時間のなかで自分を見る。何をやっているか自分のなかで何がおきているか。◎自分の音声が届いている先端のところで何がおこっているか、出たものに対してのチェック。伝わる声が正しい。体や声が大きいことはまったく必要ない。ないよりもあった方がいい程度のことである。Popsは基本は中心に持っていて戻るためのもの。歌は応用するところ。自分の耳で判断して、読み込んでゆく。“感覚”、トレーニングや体のことは入口。感覚と変化に勝負をもってくること。自分のなかで起きてくることを固定しない。舞台（ステージ）の力。基本のところでの体がなくてもやれてしまうこと。客をもってゆく強さ。常に場に立つこと。勉強できるものから組み替えて得てゆく。応用は自分。ここ（研究所）は部分強化。自己修正して使ってゆく。自分の弱点に目をつける。、
レッスン前にトレーナーが曲にのっていたのですが、そのノリぐあい、つまり、リズムのとり具合が、私が聞いている4拍のリズムと全然離れていた。このレッスンでは、曲中のパートを聞いて、それに実は合わせていくうんぬんとそういう1時間だったが、先生は何を聞いてらしたのでしょうか？？？何かを聞いていただろうし、その他に、自分からリズムをとりにいったのだろう。リズムをつくっているのだろう。「リズムをヴォーカルもまた新たにつくり上げるパートである」わけですね。あたり前のことですけど、あたり前のことに気づくのは、実はとっても難しいし、気づいたときの、はっとする感じはうれしいものです。たいしたことじゃないかもしれないですけど。（Bobby McFerrinのTheVoiceを聞いてました）
I’m I’m so in love with you what ever you want to do is allright with me.スピード感を出す。先が見えるようにフレーズはあきてしまう。深くしっかり歌う。コードの変化を意識する。 しっかり入る。Let’s lets stay together lovin you whether,wether 深く感じるtimes are happy happy and seel大きく入って広いままがーっと行く。4拍しっかりとって目印しておく。体を使って、ふみこむところを明確にしておく。間がかなりあるので自分でしっかりとらないとくずれてしまう。I’m so in…soの高く伸ばすところのいれかたが遅くて深みきれてない自分で思っているよりも早めにリズムをとってしっかり歌う。曲の雰囲気にのまれて、体と息をしっかりつかわないと曲に声が負けてしまうので、アーティストの声をしっかり聞いてスキッと入っているところゆらしているところを聞き分けて、練習する。
どんなときにも今自分の持てる力を出せるよう準備をおこたらないこと。どこまでも自分の問題であり心構えや取り組み方が問われると思う。場にいる人が全力を出すことで高まっていくのだろうがなかなかそうなるときは少ない。合宿後、急にからだの感覚が変わっていたような気がする。自分の声がどう出てくるのかおっかなびっくり出した、かと思うとはりあげたりということを繰り返している。今日のレッスンに関しては歌ったとき「何か怖がって出している」というようなことをいわれ本当にそうだと思った。コントロールするなんてことを考えるより、今あるからだを使いきってみる方向でまずはやってみる最大限拡大しそれを削っていくようなやり方。最初から整えようなんてするからおかしくなっていくのだと思う。声をつかんでいる感覚が一ヶ所だけあった。思いきり放り出すように自分のイメージする方向へ声を出したとき自分の体でとらえているという感覚があった。フレーズや歌のなかでこの感覚をより増やし確かなものにしていきたい。表現が先ということ。そうでないと全て遅れていくし、スピード感も出ない。聞いているものに先読みされる。練習のときどこまで言葉、音を自分のなかに染み込ませられるか。いぜん歌った歌を半年ぐらいおいてまた歌うと全然違った感じになっていることに気づく。一つの曲にいろんな想いがしみこんで変化していくのかなと思う。しかし、力というのは目に見えないところで少しずつついてゆくのかなと思う。歌をまとめることを実力とすれば私はまったくといっていいほどない気がする。部分を磨いてもっと強い根をはることにしよう。
確かに、イメージしようしようと思いながらも、きちんと声を出してしっかり体を使ってという気持ちがはずれなくて、しかも自分が今、歌っているところを追っていることに気が付く。まとめようとも思っていないが本当はもっと感情が入ればきっともっとぐちゃぐちゃになってしまうから、なんとかまとめようとどこかでしているのかもしれない。また、イメージを描こうとしていても、明確にできないから、声にした瞬間それは消え失せてしまう。本来、イメージは描こうとしなくても、在るはずなのに、感覚的になれないから出てこない。理性のある正常（？）な意識、人間から抜けていないのだと思う。もっと感情を解放し、感覚を鋭く、ただひたすら打ち込もう。イメージを優先させよう。それと、どういう風においていくのか、先に音の線を描いて、それに向かって体と息を使うのだということ。もっと細かく時間を感じ、一音で（粘りたいところで）もっともっと粘る。カキン、カキンとした一定の波が見えてしまったら、もう行き先が他の人に見えてしまって、感動は生まれない。そうではなく，生理的な感情である線をもち、最初は大きくとらえていたその線を凝縮してゆくのだ。『線』をみていかなければ。自分の線を描くこと。フレーズを聞いてわからなかったら言葉までもどしてみていく。
最近の少し長めのフレーズ、リズムも感情もあまり変化のないものだと自分でやっていてそれがわかってしまう。声たてや、入れたいところに入れることができないというのは、そのトレーニングをするしかないが、あとはイメージの問題だ。今日、最後に使ったフレーズ、「愛は喜び愛は悲しみ」で、まず自分の思った音に入れずそれに気をとられたら、「愛は喜び」と全然感じられないものが出ていた。そしてすぐさま、考える間もなく「愛は悲しみ」に入っていた。「悲しみ」に感情を入れようとほんの少しの感情とあとはやっぱり「うん」と体を使っただけだったかもしれないと思う。このところ考えることは「イメージ」「感覚」そういうことが大半で、思っていることがうまく言葉にならず、アテンダンスにも書くことができない。言葉の断片があるだけのよう。まだ迷っていて霧が覆っているのだと思う。
声の芯とひびきを認識する。ひびかせることが悪いのではなくひびかせることで芯を失うのがまずい。ひびかせすぎればリズムも言葉も不明瞭になる。うわついた唄になる。肉体のイメージ。頭で考えるのではなく、肉体が正しいと感じる声。意識せずに正解を導く。ただし、唄を構成するうえでの頭脳と計算は当然必要。自分の魅力と歌の魅力が一番出せるように。歌の線をつなぐ感覚とはなんだろう。
福島先生がよくおっしゃっている「投げ上げて受け取る」というイメージを連ねていくことだろうか。この言葉がでてくると私はいつも新体操の選手が両手に持った棒（大同芸人がお手玉するボーリングのようなピンのようなもの）を高く投げ上げ、それが落ちてくる間に床でくねくねと演技をするさまを思い浮かべる。そしてあの棒はかならず演技者の手元をめがけて落ちてくるのだ。たぶん、あのカンジだとおもう。あれが手元に落ちてくるように投げれば、そのあいだ声を保持していなくてもいいのだ。抜いて歌っても、声がまったくでなくても、または出さなくてもいいのだ。問題なのは落ちてきた歌をしっかり受け止めて、流れを止めずに演技が続けられるかどうかだけだ。だけどそれが難しいのだ。
最初の声になる「声たて」ところでこれから少しずつ息を流しますよと心の準備、声帯の準備をしてから声帯に少しずつ息を流す。いきなりバァーッと流さない。ぶっつけない。その流した息の上に声をのせるようにする。息、口の前に手を当ててみる。あたたかくもやもやした感じでした。私の場合は息の出すぎ息を多く出さないようにすると体に力が入ってしまう。まだ体も、声たての準備もできていない。まずはこのもやもやした感じを覚えること。
フゥーで吐く、止、吸う、吐くをやる。1回目は最初に吐くときに外に突き出そうとしないで普通のときのように吐くときはどんどん縮まっている状態。吸ったときは息が入っているのでふくらんでいるけれど力を抜いて息を同じ太さでスゥーと言葉で細かく長く吐く腰のことは考えない。そのとき、吐くときに心の準備、声帯の準備をする。これから少しずつ息を流しますよ、という信号を送る。このときハァーッと息をあてないで少しずつ少しづつ流す。
2回目は腰のまわりを（外に出そうとする）意識を持ってやってみる。吸って吐く吸って吐くときに体の力を抜く。腰のまわりが一度もどる。カッカッと急に動かさないでウンウンと曲線を描く感じでやる（イメージする）。柔らかく柔軟に動かす。今まで外に押し出そうと力でやっていた。今日のレッスンを受けて、腰の動きが少し変わったような感じがした。腰の内からニョーンニョーンとイメージしながら体の動きを確認。
声たての準備（心の準備、声帯の準備）を意識する。
息の当たる感じ出し方（手に当たる感じ、あたたかく、もやもやした感じ）。
腰のまわりの動き。曲線を描くように柔らかく柔軟に、力を抜くときには抜く。
自分でレッスンするときは早く動かすより、ゆっくり動かした方が体の感覚が早くわかるようになる。
これから声が出るぞという気持ちで。
声帯から息が出てゆく、それに声をのせる以上のことを勉強させて頂きました。初めてのレッスンでしたので少し緊張してしまいました。でも一つ一つが大切なことを学ばせて頂きました。本当にありがとうございました。
雪村いずみ特集。先生が伝えようとしたことは何か。・声のねばり？・チャチャチャの開き直りがすごい。他曲と同時期に歌ったと思えない。・確かに曲調によって歌い方が変わってくる。・イメージがにおってくるか。伝わってくるか。私が感じとれたのはその程度。お母さんが死んじゃう歌の直後にチャチャチャを歌うのはとてもやりにくかった。ちょっとぼんやりした。
私は小学生の頃からずっと剣道をやっていた。剣道には残心というものがある。それは、相手を打った後も、その気持ちを残して相手を圧倒するというもので、これがないと一本にならない。打突をする前にも、打つ動作をする前に自分のなかですごい集中が必要であって、それがなくては相手を打つことはできないし、3分間の試合を続けることさえできない。こんなに身近に今と同じ、近い環境があって10年以上もその世界でやってきたのに、それが竹刀を持っているときにしか生かせていなかった。いくら素振りをやったって、試合でドンドン勝てるようになるわけではない。でもその一日何本素振りをしたかが、後々大きな差になってくる。体にしみついていく。今はもう剣道はやっていない。でも体にはしみついていてはなれない。剣道なんてもうやらないだろう。役に立たないと思っていた。でもその全ては、この世界と一致する。今自分が進んで行こうとしている世界は、新しいことを始めるわけではなく自分の原点に帰ることだった。細かいことはどうでもいい。歌を体にしみつけること。そして、目の前にある試合（場）でやれる全てのことをやること。あたりまえ、でもなかなかできない。幸いその感覚を私は知っている。それを思い出せた。どんなに練習を積んでも、試合で勝てないことはザラにある。サボッてたって勝てることもある。でも本当に欲しいののは、目先の勝ち負けではないだろう？今だって、あの頃だった。求めていたのは本物。やれるだけやったところに何があるのか。極めた、文句なしの“一本”をただ求めて。
（フレージングLet’s stay together ロバータ・フラッグ）Im…Im so in love with you緊張のせいでIm～の部分で震えたが、すごくいい効果になっていると自分では思った。ようやくの部分ではあったが、自分のキーに移して全力で挑戦した。フレーズの流れは割とよかったと思うが、地力がない。息はきが必要だ。
メンバーが豪華だったので、そういう人たちの声やフレーズの感じ取り方や気配りが見えてとてもおもしろい「場」だった。今までライヴなどで気になってた人たちは、特に、ものすごく基本に向かっている風に映った。まるで自分を透明にしようとしているみたいだった。
フレージング：おはようマルセリーノお目々をさませお陽様お空で笑ってみているマルセリーノマルセリーノ（繰り返す場合均等にならぬように）可愛い天使1日おもてで仔馬のようにマルセリーノマルセリーノ走っておいで（お空を見上げて母さんを呼ぶ）歌の構成、いいたい言葉を歌い手が増幅していかねば。彼らはそれを逆行しているようにみえた。「絞り込む」ということ？その行の一番いいたいことは何か。全体の流れのなかでその部分をさらに強調させるにはどうしたらいいのか。私はプラスしていくことばかり考えているようだ。どうだろう？半行ではあったがかなりいい感触があった。のどがよみがえってきた。
感覚、声、体（楽器）のバランス。同時に生かし合う。音楽になるところはどこか。音楽性、感覚。ルールは破っても構わない。POPSでは“音楽性”“出してゆく”ためには。が、使った方が効率的なものは使ってゆけばよいのでルールも利用してゆく。伴奏、前奏のなかにもリズム、テンポ、感覚という大きなヒントがある。自分から広げてゆきすぎないこと。シンプルに集約させてゆく。動きをつくる。最小限で最大の効果をあげる。頭で変えたり動かしてはいけない。動いてしまうものを。“さびあと”からおりてくるとき。集中力がないと抜けて崩れてしまう。きちんと握っておく。方向をバラバラにしない。作品になっていないときは集中が統一されず、バラバラになっている。何かを“起こそう”とすればするほどバラバラになってしまう。基本線が流れていてその上で変化させてゆくこと。そのなかで重なり、たたみかけ、ある意味での法則。体を“意識”して使わない＝やってはいけない、やりたいことをやろうとしたときに使われてしまう状態へ、トレーニングでは使えるようにしてゆく、本番（出すとき）には忘れるということ。意識して動かすと、類似した形はつくれるが、厳密にいうと違う。自分の呼吸と合わない、自分の体がつくり出すものと合わない。体の呼吸に従って使われているということ。解放して楽に出してゆくうちに自由に決まってゆく、歌わないこと。つくろうとすることは音楽のあることと違っていってしまう。中の感覚を拡大してゆく。リズムを入れる。人と音楽の間に入ってゆく。入らないと入ってゆけない、入れない。シンコペーションなども“体に入れて”そのなかで動かしてゆけば納まってしまう。、
ことばを一つに捉えるということは、思えばレクチャーのとき以来、何度も聞いてきたことだった。しかし、私はヴォイストレーニングのため一種の必要条件という認識だけしかなかった。なぜ一つに捉える必要があるかも考えはしなかった。よって自分のなかであまり必要性を感じる事柄でなかったため、ろくにみについていなかった。練習もおざなりであった。今日改めてこの基本であることばを一つに捉えるレッスンをした。やっと気づいた。バラバラでは、伝わらないのだ。これは、フレーズまわしで他の人の声を聞いてよくわかった。しかし、ことばが一つにまとまって発っせられると、表現が胸にばっと飛び込んでくる感じがした。これだ。言葉を一つに捉えることは、人に伝えるために、もっといえば、人の心に突き刺さるような表現をするために必要不可欠の条件であったのだ。これは表現者にとって最重要事項の一つである。今の私には、やってみるとなかなか思うようにいかない。あきらめずに何度も何度もチャレンジするぞ。洋画の台詞をまねる練習は、とても効果がありそうだ。
一つのフレーズをいくつでとらえるかと、いくつで構成して出していくかということは別だということ。いつもレッスンでシンプルにとれ、という話をされるが、どうもくどくなってしまってうまく流れていかなくなるのは、とらえたままの形で出そうとしていたからなのだろうか。でもその前に一つの言葉に一点にもっと集中することをやっていかなければいけないと思った。言葉をもっと大切に前に出していけなければ、にぎる・はなす、といったことが口先の細工になってしまうと思う。あと、自分にはまだ効率のよい点がない。ここならしっかりいえるという声がない。というか自分がわかっていないのかもしれない。
このレッスンで一番感じたことは、自分がやれているところまでしか見えてこないんだということ。だからおなじレッスンの同じ話を聞いても、自分がなんだかわからない部分でたくさん学んでいる人もいるだろうし、自分がたくさん学べていると思うところで、それ以上に学んでいる人もいるのだろうと思った。
入①のクラスではそんなに皆差はないが単特ではその差が見えて、そういう上のクラスの人（だと思われる人）が、一つのの言葉から何を気づいて何をやろうとしているのかを見て、聞いて学べることがある。もちろん入①でも気づけることはたくさんあるが。これからの課題としては、息と声をとりあえずもっとつけていくことが一番。つけていくというか、息を使いきることを意識すること。今あるものを目一杯使う努力もしないで次を欲しがってもよくないのではないかと最近考え出した。息を使わないと、口先から抜け出せないと思う。にぎるとかそういうところまでいけないと思う。もっと息をはいて体と心をつなげる努力をしなくてはと思った。
アドロ、灰色の街夜の不思議な出会い。あなたは火の鳥燃やして全てを私の全てを。
ひとつ疑問あり。サビをうたう感覚で出だしもうたうってどういうことだろうか。それはたぶんコントロールという問題につながるのだろうか。見本の出だしはまったくうたっていない。一本の線の上に言葉をおいているだけだが、きちんと流れている。見本と同じようにやろうとして気づいたことは自分のからだがものすごくちぢこまって感情を押し殺しているというより解放できない感じがした。小さく出そうとするのではなく余裕のある器のなかで凝縮して出すようにしてみる。一つの曲を自分のからだに入れ込みどう構成するかそんなことも考えながらやれたらいいと思う。コントロールするということは息を押し殺すことではないだろう。もっと先をみながら息でつないでゆくのだと思う。自分の内にとじこめてゆくのではなく常に前に出してゆくことは出だしもサビもかわらないはず。伝える意志のないフレーズというのは必ずおくれてゆく。踏み込みが技術的に早く鋭くでいないというのならまだしも、伝える意思がなくアードーロとやってしまってはだめ。自分の呼吸のサイズを無視して大きくしようとするとまとまらず息も続かない。どのくらいの大きさでまとめられるのかということをいろんなフレーズをやる中で知ってゆく。知りながら器も大きくしていく。
今の自分の課題は表現できているかどうか、今だけの課題ではないのだが、他人のフレーズを聞くときそこにイメージがあるかどうかを聞こうと思っている。何もないフレーズはただ個を出しているだけになってしまう。音程、リズムを巻き込む表現をしてゆくこと。言葉に対するイメージをたくさん持つこと、ひとつの言葉に対していろんなことをかんがえられるはず。自分にとってのイメージは何なのかそれがないと表現に結びつかない。常に人前で歌っていることを想定して聞いた人間が何かを感じるかイメージで自分をいろんな場におくことができるので大いに利用する。入り込もうとして体を固めるのがくせになっている。もっと意識は前におくこと。意識は前、意識は前、意識は前。とじるな。
踏み込みのスピードの早いところというのは深いポジションがないと難しい。浅いところでいくら踏み込もうとしても次につながっていかない。
そうさ君に打ち明けよう。そうさを「ハイ」と同じポジションで一つにとらえておいて踏み込むこと。深いポジションを捉えていれば線をかきやすいことがわかる。声をしっかりとつかんだとき粘土を机の上でグーッと伸ばすような感覚があったがあれはなんだったのだろう。手ごたえがあるけれど苦しいものではなく反対に気持ちいいもの自分で線を書いている感じがした。
君にだけは話したい本当の恋の喜びを。うまくいかなかった、その理由は自分の出しやすいポジションで入れなかったから。途中からもどそうとしたが無理だった。声たてはやはり重要だ。少しずつ声を効率的に使えるポジションで入れるようになってきたが気持ちだけ高ぶってすっぽ抜けることがあるので常に重心を下へ意識すること。リズムと呼吸があわないと進んでいかなくなる。「本当の、恋の、喜びを」なぜ音があがってゆくか。感じ方が足らないため高まっていかない。よって音もあがっていかない。全部同じようにいってては表現にならない。
「コメ・プリマ」コメプリマピュデォプリマタメロー、ペラピータラミャアビイタティダロ「コメ～」の入り方深いポジションがないと難しい。コメプリマを一つに捉えそのなかで踏み込んでゆく。外国人は語るように歌っていたかと思うといきなりシャウトしたりするが深いポジションと反射神経があるからできることで今できることをより確実に鋭いものにするためトレーニングしていくこと。
オーニジョルノオーニイスタンテドルチェメンテティディロコメプリマ。ポジションを変えずにより強い息を送り表現を大きくしてゆく。今まではこういうことはできなかったのだが、今日その感覚が何となくわかった。見本と比べたらスピード感は足らなさすぎかもしれないが、表現を大きくしていく呼吸なるものがみえてきた。サビを歌う感覚で出だしも歌うということについて。今日それを試してみた。自分のイメージをサビにあわせ最大限大きくしそのなかでフレーズをやってみたらかなり楽に出せた。たぶん自分の器が大きくなってゆけばゆくほど、これと同じように楽に歌えるようになるのだと思う。声や体がいくらできてきても、イメージのない言葉はふくらみがない。もっとそこに入り込む集中力、日頃の言葉に対する感覚を磨かなければと思う。自分の言葉になっていないものは伝わらない。音からも自分のイメージを広げる。できなくとも毎レッスンで最大限やろうとすること、しっかりとつかむ。
フレーズの終止について。音が広がったままで伸ばしてしまうという感覚がみについてしまっている。かといって力を抜いたりぶちっと切ったりするのではない。ひびきの余韻を不自然だなと感じるママ、体（呼吸）もうまく使われていないと思う。声と体が一致する瞬間、離れてしまう瞬間、その一瞬々々をもっと深く感じていかなければならないと思った。
「ハイ」ときちんといえることがどれだけ大切か、このたった一言に全てのことが集約されているといってもよいと、感じた。たとえばフレーズの出だしの部分で深く握れていないとその後が続けられなくなってしまう。終わりの部分にしても意味もなく伸ばしてしまったりしないで、もっとシンプルに自然にしていかなくてはいけないところで「ハイ」に戻ってみる。
大きい声でハイといえるようになることではなく深いところでとれるように、そして自分の呼吸にもっと意識をもっていくこと。「ハイ」がいえればいいわけでないが、できていないとやっぱりだめだ。声にする一瞬も大事だし、音楽は止まらないものだから先へ先へと見ていかないといけない。追いかけているようでは遅すぎる。全体像が見ていないとだめだし、イメージも大切だ。こういうことは繰り返していく中でしか気づけないし、ましてそれを身につけるためにはやっている量・質とも全然足りない。とてもあたり前なことなのだけれど、そういうことを強く感じた時間だった。
状況・状態をつくる。呼吸からそれないようにする。「ハイ」と同じところで「ただ」といってみて。フレーズは組み合わせで決まっていく。メロディ処理が大切。応用が聞くところでいう。言葉を点のスタッカートで捉えない。声の行きたいところに行かせてやる。「mu」、母音にアクセントをつけると、変化がつけられる。フレーズの最後、「あつーい、おもーい」流れないように。「音楽は最少で最大に、力を使わないで、伝わるのが一番よい」他のレッスンで何で私だけこんなに軽く歌っているのかな？体、使ってないのかなー？と悩んでいるが、目的がレッスンによって異なるのでしょうか？あまり声を大きくしない、ビリビリひびいているように聞こえる。フレーズ、どこかで浮いてくるのが普通。自分の呼吸からはみ出ると、おかしくなる、あまり、はみ出たことはなく息が足りないことはある。
いろんな人のフレーズを聞き、それぞれの好みや意図がよく見えて面白かった。・リズム感・スピード感、興奮・言葉を伝える・フレーズ、メロディを美しく。リズムやスピード感があるのに聞き手が引いてしまうフレーズもある。センスや好みの個人差はある。とにかく止まっていないこと。動いているフレージング。音楽の流れのじゃまをしない。『状態』『条件』（バラのことづけ）1)そのままで今のままでそれがあなたあなたなのわかっているわお別れね2)扉を閉じましょう夢をみた扉二度とあなたのこと待たないため3)暗い部屋を歩き回るだけ悲しみ抱きしめて恋はまつりのうたのように目の前をすぎてゆく4)あなたなしで私は生きるわ悲しくてもいいの恋のおとぎ話を夢みた甘く苦しいうちね上からおちるような。
ここの評価も大切だが、もっと大切なのは客観的な評価。内輪の評価で満足しないこと。
自分がイメージしたものに対して対応できないことを埋めていくのがヴォイストレーニング。
ヴォイストレーニング自体に目的をおかないこと
基本とは元に戻る場所。わけがわからなくなったときに元に戻れる場所をつくる。スタート地点でつくる。
ここは、ライブとか現場に行ってしまったら直せないものを直していくところ
ここのレッスンはあくまでも歌うため、表現するため、伝えるための部分であるということをはきちがえないようにする。あくまでも過程にすぎない。息やからだは大切だが絶対必要であれば充分というものではない。あるに越したことはないが、それをどうコントロールするか、使いこなすかということが大切である。息や体自体では意味をなさない。それら自体を目的としないこと。これは重要な戒め。単なる材料。歌うための一つの道具である。
結果として聞きやすいということは必要。聞きやすさにこびるということではないが大切な要素である。そのために声、構成、キレを使いこなす。聞きやすさでは流れ、うねり、つながり、調和した感覚、統一感。
からだ、息…単なる道具。使いこなすこと。プロセスだが目的ではない。それら自体を大切にしすぎないこと。固定させないこと。トレーニングの空まわりを厳かに戒めること
自分のなかで起こっている音のなかのイメージを表に出せるかどうかを問う。そのためにトレーニングがある。（息が足りないとか、体が足りないとか）トレーニングの目的をはき違えると、とんでもないことになる。
自分が外に出したものに対してチェックする。そのために内側を充実させる必要があるかで問うていく。内側を問うていくのみではない
変化に対応できる声を持てるかどうか。プロはいろいろなことに対応できる。素人は一つか二つのことにしか対応できない。そのために一流のヴォーカリストのフレーズを入れていく。熟成し、自分なりのものが出てくるまで待つ。
伝わる声が正しい。体がついている声が正しいというわけではない。ないよりあった方がいいというものにすぎない。一つの要素に過ぎない。
感覚と変化…そこに勝負を持っていく。自分のなかに起きていることを固定化させないこと。基本はあくまで戻る場所。それを応用したところに創造性がある。
研究所のレッスンは、それぞれ部分であって全部ではない。歌を表現することのための部分として利用する。レッスンが目的ではない。
ー今の自分は表現することを大前提として基礎を築いている段階と納得しているようなところがあるが、それはどうなのか？
体から声が離れてしまう。「この声でいこう」と思っている声より高く入ってしまう。集中力、イメージの確定が必要。高く入ってしまうと、そのことを気にしてしまい表現するということに集中できなくなってしまう。
読み込みの重要性を痛感。読み込みの徹底。
踏み込み、体と息を充分使う。お腹を広げ、広げたお腹にひびかせる。ことばをその広げたお腹に入れる感じ。
歌う前の準備（思った通りの入り方をするために）…構え、姿勢（フォーム）、平常心、集中力。
先へ先へと読み込む、先の言葉を食っていくイメージ（昔流行ったパックマンのイメージ）。
流れを大切に、流れるようにしかしことばはしっかりおいていく⑦声自体に命を宿らす、意思を宿らす。そのために声の芯を持たせる。
流れに勢いがない←フレージング、構成、感情の起伏・心の変化によるいい意味での心の赴くままによる。。
声の浮つきをなくすためにも読み込みが大切⑩入り方が雑、スピード、鋭さ、優しさがない
スピードがないということがわかりません。踏み込みによる濃淡、密度の濃淡、速さを変えるなどフレージングにより、動き、うねりを起こさせ、それを展開させることによるものですか。
声に下と単に親しみが持てる声、なつかしさを感じさせる声、そんな素朴な声をめざす。それを以て親しみやすい歌、懐かしい歌、素朴な歌を歌いたい。
福島先生「ヴォイストレーニングは魔物みたいなところもあって、どんどん声が出てくると歌がどんどんダメになってくる人もいる」気をつけねば。トレーナーのレッスンでの“発声オタク”という言葉が頭に浮かんだ。あーおそろしい。いつもCheck。
フレッド・プレの「待ちましょう」はとてもブッ飛んでいてゾクゾクしてとても気持ちよかった。ああいう言葉の扱い方はどうやっているのかわからなくて、よくわからないんだけどすごくひきこまれていってしまう。
ライブ感想 よかった人「守ってあげたい」私もああなりたい。言葉ではいえない。
全体について 司会者について…淡々として本当にすばらしかった。
スタッフについて…お疲れさまでした。ありがとうございました。
ピアニストについて…伴奏はすばらしいと思った。
ステップウェイのPAの方、本当に本当にありがとうございました。
マイクをつかわなかった福島先生はやはりかっこよかった。
『関西の人たちの存在感』何年もやっている人が多いと後で聞いた。すれた感じがしない。しなやかさ。やわらかさ。なぜあああれるのだろう。何に価値をおいているのだろう。一人一人の存在感。なぜそうなる？どこからそうなる？どんな風土だろう・もっと知りたい。どんなことを考えているのだろう。帰りの電車のなかで話した10分くらいだろうか。ひとりひとりがひとりひとりでありえているのかもしれない。
あの人達に比べて私のうるさいこと。あの人達は静かだ。人を前にすると知りたくて仕方がなくなる。コミュニケーションをとりたくて仕方がなくなる。おさえるのが大変だ。ま、それをだしてもよさそうなとこだと、まあ、質問しつづけることになるし、これはいったい何なのだろう。テンポが違う。どこかしっとりしている。気のせいだろうか。「受けとめる」感じだろうか。なぜああいうものがあるのだろう。歴史？文化？
