ステージ実習コメント 934
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新入ステージ
ステージ実習1
ステージ実習2
ステージ実習3
ライブ実習4､5
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【新入ステージ】
初回の新入懇では、やるべきことや客層、舞台の位置づけがわからないと思うので、差し引いて見ています。今後、常に考えてほしいのは、自分で舞台に立つということ、そして、他の人を見て基準を勉強していくことです。ここで行われるいろいろな舞台を参考にしてください。同じ状況、同じ条件で舞台に立ったとき、自分の声、人の声がどのようにはねかえってくるのかがとてもわかりやすいはずです。
プレBV座などは入門1クラスは限定されて参加できないのですが、ときどき解放しています。なぜ解放しないかというと見てもわからないからです。本当はわからなければいけないのですが、受け手の側に耳や感覚がないと、感動したなどと安易にいってしまっておわる。だから何もそこから学べないのです。それだったら来日ヴォーカリストののステージでも見ていた方がいいということになってしまいます。あなたたちとプロとの違いは基準の厳しさの違いです。伸びる人は自分への基準が厳しい、求めるところまでしか伸びないのです。
大切なことは、同じ場所で自分が3cmも動かせないところを、30cmも3mも動かしている人や作品が実在するということを知ることです。それがプレでは毎回ともいえないので私がいろいろ話をしなければならないのですが、動くときは本当にこれだけの場が大きく動きます。2年くらいの間にそういうことをわかるようになってください。それを他人事ではなく自分もそこに立つということで見てもらえばよいと思います。
舞台というのはそのすべてが舞台です。1分もたせられなければ1時間はもちません。モノトークと歌を分けて考える人がほとんどですが、こういうものが舞台の原型です。その人が舞台をやっていく理由やその人の存在感、そういう説得性がでてくるべきだと思います。題材はなんでもいいのです。
舞台とは何かをきちんと捉える、仕事として捉えることです。それがわからないのに、聞き手に充実した時間を与えられるはずがありません。内容や表現技術の他になにが求められているのか、何が自分の役割なのかがわからなければいけないのです。それは期待に答えるために媚びることとは違います。結果的にきちんと自分を表現できたらそうなるということです。
役割とは少なくともその人の基準のレベルではないのです。プロのステージとしての役割が求められます。だから、いろいろなステージを見てください。そして見たことを自分できちんと評価していくことを積んでいってほしいのです。
たとえばMCが下手な人で歌のうまい人はあまりいません。しゃべっていることを聞いたら、歌える人かどうか大体わかります。ステージ、自分に課せられた役割がわかっているかというのは、ちょっとしたコメントをどういう瞬間にいうとか、ここまではいっていいがこれ以上はいけないなどの判断基準があるということです。それらはすべて音声で与えていく世界のなかで共通していることです。それだけステージのことを知っていたり、そういう生き方をしていない限り、歌などその人のなかに宿ってくるわけがありません。お客の方が舞台を知っているようでは人前に立つ資格はありません。
最初は慣れない人もいますし、プロで活動してきた人と人前でスピーチしたことがほとんどない人とは違いますから、その人なりに一所懸命できたというところは見ます。ここにくるまでの経験に差があるのはしかたないし、後で伸びてくれればよいと思っています。ただ、その差を縮めろというのではなく、自分に課せられた役割とは何なのかをわかっていってほしいのです。
やっていることが青年の主張や自己紹介になってしまってはよくないです。芸人になれとまでいわなくても退屈させてはいけない。退屈を破るということです。普通の人が50人くらいいたらその人達より退屈なことをしていてもしかたないのです。そのなかに埋もれてしまうということは、単に自己紹介をしてくれといわれて自己紹介しただけだということです。これでは何も与えたことにならないのです。プロの基準からいうと、人に迷惑をかけて退屈させて気を使わせて、なにしに出てきたのかということになります。当然プロなら次から仕事はこないでしょう。
ここではそれに気づいていってもらえればよいです。時間の無駄みたいなことは人前でやってはいけません。だから準備仕込みがいります。なんの意図もなく感覚や勘の鈍さが出てしまうのと、働きかけるために自分の世界を伝えたくてつめてきたけれど、この場にきたらこうなってしまったというのでは見ていてもまったく違うことなのです。
入1クラスで特に感じるのは回りの雰囲気やレベルに自分を合わせてしまうことです。伸びていきたいならそんなことをしていてはよくないです。何もできなかった人が2歩でも3歩でもできるようになったなら、それは伸びているということで評価します。上のクラスでは、これまでに出せた一番いいステージを超えるかどうかで見ていますから、それ以上のものでなければ文句をいいます。これでいいやと思ったときにそこで止まってしまう世界です。それは自分に対する裏切りでもあるのです。やりすぎるくらいやっても足りないくらいです。ここのなかで1人勝ちしてあたりまえだと思ってください。期待に応えるというのではなく、事を起こせということです。それを聞く人が不快になろうが受け入れられなくとも気にすることはありません。事が起きなければ不快にさえならないのです。そして次にその無駄を省くということです。プロはどんなに極端なことをしているようでもバランス感覚をきちんともっています。それは聞いている人間の心を捉えていなければできません。
ここでも最初の頃の歌は観客に関係のない歌です。自分で勝手に歌っているだけなのです。そういう歌はうまくなっても何の意味もありません。うまくなくても伝えることはできるのです。声を共鳴作用を引き起こす方向に出さなければいけない。そのときプロの感覚や体が必要になるということです。
モノトークだからドラマがあった方がいいし、内容は自分の欠点から入ってもなんでもいいのですが、気になるのは、その行き着く先が「ここに来て救われた」「研究所にきて決意できた」ということでは困ります。自分で自分を救ってきてから研究所にこないとトレーニングになりません。舞台にもなりません。
その辺でとってきたような飾りなどつけず裸になって歌えといっていますが、じゃあ裸になって歌ったらいいのかというと、それだけでは面白くもなんともありません。ただ聞いている人間を息を詰まらせるだけです。生のものを出せばいいというのは音楽とか歌とか芸術を間違ってとらえているのです。誰でもできることはやってもしかたない。
観客はその人が魅力的に輝いているところが見たいのであって、不幸なところを見たいのではありません。舞台はその人の心とか精神じゃなく、その人の作品なのです。プロセスはいろいろと人によって違いますが、それは見せる必要ないものです。どんなに悪人であっても作品がよければいい。そこを誤解しないでください。本当に心が優しいのなら、人前に出て下手な歌など歌わないのがなによりでしょう。迷惑なだけです。歌が好きだから、歌をやれば人のためになるとか、どうして間違うのでしょう。
ステージに立つことが免罪にはなりません。そこは甘える場ではないということです。なにができたのかが問われるべきで、ステージに立ったことのない人が今日初めて立ったまでは偉いかもしれませんが、次からは通用しません。準備もやるべきことも詰めないまま出てきて時間を使っていくとしたらこんな迷惑なことはありません。研究所だからとかまだ習っている最中だからとか、そんなことは理由になりません。
歌ったら人を幸せにできるなどと考えなくていいです。そうできる人がいるというだけです。
新入懇の場合は、その人なりに精一杯やっているということを認めていきたいとは思いますが、それは1回目だけです。それより、この一ヵ月本当に精一杯やってきたのかと思います。厳しい言い方かもしれませんがしゃべっていることやしゃべり方を聞いていると、やはり甘えているだけにしか見えないからです。甘えというのは自分が満足するためにやっていることであって、聞いている人にとっては迷惑な話です。だから、そのまま歌に入っても同じことになると思います。とりくみがプロの姿勢でなくては、伸びるはずがありません。
歌は、その人間が克服してこないとよくないです。技術や声は時間が解決してくれるでしょうがそれ以前の精神の問題です。どんなに私生活がめちゃくちゃでも、拒食症だろうと自律神経失調症だろうといいのです。ステージに立ったときにそれでは困るということなのです。普段元気なのに、ステージに出てきて暗くなるなどというのはもっと困ります。
私はここに立ったときのその人の歌との出会いで評価しているのです。お客も同じです。みなさんがどんなに回りに愛されていようが親孝行で立派な人であろうが、作品として出たもので評価し、他のことは関係がありません。そのことが作品と結びつく場合もあるでしょうが、一流の芸人で、若くて親孝行で世間のためになってという人もあまりいません。普通の人間がどこかで普通ではなくなるわけですから、それだけの時間も手間も自分へのこだわりも必要です。そこまで究めようとしているときに、自分の周囲に対して全ていいようにやれるものではないでしょう。力がついたときにそのことを通して人々に貢献したり与えたりることはできるから、そのプロセスで世の中から待ってもらっているのです。
ここでのモノトークやステージ実習といった舞台は音声で表現する場であるということです。自分なりにわがままに無制限にやってよいのです。このなかで伝えるなどという狭いことでなく、ここを破ってください。世界で通じることをここでやる、30分用意したがもったいないから1分でやるのだというくらいでいいです。30分なり1時間分のものを作って、無駄を全部削って1分に凝縮し、それがどうであったかを問うてもらえばよいでしょう。もっとできるのにやっていないと感じさせたらおしまいだと思ってください。まず全力を尽くすことです。それをしないのは自分を裏切ることで、一番やってはいけないことです。自分のレベルを自分で設定してそれに甘んじないことです。最高のところに自分を求めるきです。あなたはここでは手に負えませんというくらいのものを出していってください。それで初めてあるレベルに達できるでしょう。
やらない人達のなかにいると基準はできてきません。いろいろ世界をみてきましたが、ここでやっている最高のレベルで出てくるものの瞬間、世界のトップとはいいませんが世界に通用するものです。ただ、そのレベルのことをやれることというのはここにいて30回50回と歌ってきて、そのなかで1～2回です。でもその瞬間というのは誰でもわかります。そういうことを起こしていってほしい。それが確実に一曲でできたときヴォーカリストとなるのです。準備までがひとつの勝負です。自分で自分の力をセーブするくせをつけると最後までそれで終わってしまいます。
時間をかけたり一所懸命練習はしていても、そういう限定のなかでやっていてはだめだということです。奇跡が起こらないステージは外国では通用しないものです。あたりまえの歌が歌われているくらいでは何も動きません。その人が本当にすべてを出し切ったものが歌になっているというのは、私もこの10年間で数曲しかきいていません。それくらい難しいことでもあるのです。よいステージを見ていないとなんでも安易に感動したということになりますが、そんな簡単なものではありません。こういうことを考えて次回に臨んでください。取り組みの段階で隙を作ったら全部舞台で出てしまうことを忘れないでください。
好き嫌いでレッスンに出ている人が多くなりました。好きなものにどんなに出ていても大して身にならないです。わかりやすいと身についた気がするのでしょうが、それは学ぶ姿勢の放棄であって、そんなことを5年もしていても何もわからないと思います。人よりすぐれようとしているなら好き嫌いで判断すべきではないと、最初にレクチャーで誓っているはずです。好き嫌いは自分の作品に対してやればいいので、学ぶためには和感のあるものやついていけないと思うようなレッスンにくいついていくくらいでなければよくないです。
レッスンでわからないことがあると、無駄なのではないかと考えたり不安になるのでしょう。それはその時点で負けているのです。音楽はとても懐の深いものなのに、簡単にわかろうとする、わかったからいいとOKにする、そんな浅さでは何一つ身につくわけがありません。わからないからおもしろいものです。つまり、逆なのです。歌くらい誰にでも歌えます。50回で覚えて「歌えた」と思うのは普通の人であり、1000回やったのにまだ歌えないと思えるのが才能です。そういう人は、1日で50回やった人より高いレベルでやれるのにさらに1000回を求めるのです。そういうわからないものに取り組んでいってほしい。それがその人の器になります。
力がついた人はみな、わからないことをわからないなりに、何かそこに本質的なものを感じながら挑戦していっているわけです。わからなくてあたりまえです。そう簡単に何でもわかったというのは、表面しかみていない無能なレベルです。そのくらいに考えて、研究所にある材料を生かせるようになってください。勉強とは他の人がしないレベルまで踏み込んでいって初めて勉強になるのです。一見無駄だと思えるようなことをたくさんしておいてください。それがあとで効いてくるのです。
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【ステージ実習1】
自分の問題として捉えてもらうしかありませんが、結果的にいうとここ3年のステージ実習・ライブ実習のなかでも最低のできです。みなさんをいじめるためにコメントしているわけではありません。研究所の成果が出ないというのは私の足もとの問題ですから、一番困るのは私です。この足もとが腐っているような状態です。私をというより、観客をそんなに苦しめてうれしいのかといいたくなるようなステージです。完全に音楽やステージ以前の問題です。
今私の1クラスのレッスンでは音楽を聞かせることが40分、フレーズは20分くらいですが、これでは60分あったら60分きちんと音楽を聞かなければいけない状態、サッカーでいえば、まず、体を動かさずにゲームをみろといいたい。とにかくボールを追いかけて蹴ればいいのだという思いだけで試合に出ているみたいなもので、舞台で何がどう行われているかをまったくわかっていません。課題曲は、こういう一見楽に歌えそうに思える曲の場合、たいてい一番聞かなければいけないところが聞けていないと注意することにはなりますが、ここまで全員がわからないでおかしくなってしまうということは初めてです。
研究所の在日数に差があることや流れやすい曲であるということを考えても、もしプロの体や感覚に近付こうとしてやっている人なら、これでははっきりいって成果ゼロ、初めてここにきた人と何も変わりありません。伝わってくるのは鈍さだけで、それは最初の1フレーズに示されています。
VTRをよく見てください。本当にすぐれたものとの違いを知りそこで上達したいと思っているのでしょうか。それ以前に、必要なレッスンにきちんと出ているのでしょうか。プロとの差を知れということはここで最初からいっていることです。以前はみな自分に足りないものを埋めるためにここに来ていました。本当にこの曲で自分に何ができるかを考えて披露しにきたのですか。今はただなんとなく好き嫌いで選んできたようにしか見えません。
好き嫌いでやっていると伸びないです。好きなものを好きにやるなら自分1人で気が済むまでやっていればいいことです。この曲のよさをどうこうというレベルではありません。曲の持ち味はすべて殺されています。表面しかとっていません。
英語というのは息を吐く言葉で、もっとスピードがいるし強弱がいります。徹底的に直していきましょう。ただカタカナに置き換えて音符に当ててみても、何も出てこないのです。いつも取り組みの甘さについては厳しくいいますし、今回は曲が全部流れてしまったよというだけならまだいいのですが、これをこういうものだと思って練習してきたというのなら、英語を使うのをやめるべきです。イタリア語などをしっかり勉強した方がいい。
最初の1フレーズの入り方、速度でわかるのです。それは全部ひらがなを伸ばしている感覚で、英語の歌を歌える状態ではないです。あなたたちは人前でお金をとるとしたら英語の歌を歌ってはいけない。他の先生方に聞いても同じことをいうはずです。
いつもいっているように、メロディ、音の高低、響きでとるのはいいのですが、音楽というのはリズムがあり音色があり強弱があり、そこに肉声があるものがフレーズになっているのです。言葉になっているところはありますが、その言葉を棒読みしていっても音楽になるわけがありません。どこかで誰かが変えてくれるだろうと思ってずって聞いていましたが、まるでスローモーションのようでした。感覚が音になっていないということです。音符を追っているのと変わらない。
今日うまくできたと自分で思ったり人にいわれたりする人はもっと気をつけてください。空間に何も返ってこないとはこういう状態のことです。評価がないということです。みなさんがお互いをどう評価するのかわかりませんが、自分に対してまったく評価してきていない。自分の歌を録音で聞き、少しでもおかしいと思ったのかということです。思ったけれど、どうにもできなかったというふうに見えないから困っているのです。
研究所では、完成度を求めてはいませんし、先にいって伸びるだろうという可能性の一端が、ほんの1人か2人からでも出ているならよいというくらいに考えていますが、今日えてきたものをみれば、プロの耳や感覚、それに近付いていくものがなにも積み重なっていないと思わざるをえません。たぶんプロのトレーニングになっていないでしょう。
凝縮してきてそれを伝えなければいけないのに「やーさーしーくーうーたーってー」と単に繰り返しているだけにしか聞えません。
自分のVTRを見て、トレーナーのレッスンのでもプレBV座でも見て、何が違うのかきちんと感じてください。マイクがついてはしていますが、同じ条件で同じ場でやっているのになにが違うのか。全曲わからなくていいです。ほんの一部分、入り方のところだけでも、それが感じられなければ変わらないです。何分歌っていても同じです。
自分の鈍感さを相手に伝えているだけですから、歌い切ったなどと思っているなら、なお困ります。伝えることも音の共鳴作用を使うとか、そういうものが全部抜けています。
カラオケ大会にさえもなっていない。いいすぎではなく、そういう事実です。きっと実生活や社会生活のなかではみんなもっと魅力的な人なのでしょうが、それがステージでは薄っぺらな人間にしか見えなくなってしまう。その逆をやらなければいけないのです。普段どんなに薄っぺらでもここに立ったら輝いていなければいけないのです。
私は成果がでればいいし、みなさんのレッスンの出方とか取り組みについて24時間わかるわけでもないのでここ以外での生活についてあれこれいいませんが、やはり見ていて好き嫌いで動いているのだという感じはします。やさしいもの、わかりやすいものばかり好んでいる。
普通はどう勝負できるかを詰めて、その結果成功したり失敗したりしている。まあ失敗することがほとんどなのですが、だからこそ、自分に対する問いになる取り組みになっているのです。それを1ヵ月やってきてできたのはどこ、できないのはどこできていたはずなのにできなくなっているのは何、というのを検証して次の月に役立てます。そういうものがみなさんには感じられません。
歌として歌おうとしたとき、いろいろな問題が出てきてしまうのはあたりまえです。その問題が出てくればまだいいのです。これがこの人の今の課題で、いずれ解決していくだろうという可能性としてこちらも待てるからです。でも今日のような捉え方をしているなら、きっと自分で練習していても本番でも少しも面白くなかったと思います。
最初の取り組み方が間違っています。
まったく凝縮してきていないし、雰囲気だけです。雰囲気を出してはいけないということではありませんが、それは創唱者のもので、それを自分はどうつくるかに手間をかけなければいけないのに、その手間をかけていません。半数以上の人に見えていたのは意志がないということで、伝える意志がない。課題をこなすなとよくいいますが、課題にさえなっていません。歌わされているという状態にさえなっていません。表情も死んだままです。
その人の呼吸であるかどうかを聞いています。自分の呼吸を殺すことは歌を殺すことです。どんなにつくってみてもよくないです。体が呼吸せず口のなかだけで回ってしまいます。
それは伝わるものではないのです。それから、最初から勝負するというよりもこなすという雰囲気があります。この曲をうまく歌える人はいくらでもいます。アイドルでも歌えます。それを歌って、どこがあなたなのかが見えなければいけないのに、それが見えない。曲のせいにしないで、この曲のなかでできることがもっとあったのではないかということをきちんと検討してください。
誰かの絵を上から薄く写してきたような作品などは面白くもなんともないのです。創唱した人の影響かもしれませんが、そのテンポ、その呼吸に合わせる必要はありません。自分の呼吸に持ち込むためにはどうしたらいいのかを考えてください。それをしないから声の雑さ、音に対する鈍感さしかなくなります。聞いている人にとっては声の暴力です。
作っていくというのは、最初のフレーズでどう引き込むか、それをどう展開するかを考えていくことなのに、感じていることがなにもないのではどうしようもありません。声を出せば歌になるわけではありません。一度モノトークに戻すとかして、地に足をつけた方がいいです。舞い上がっているからといって、それほどきれいに歌えているわけでもありません。聞いている方が鈍くなるような歌を歌うのはみなさんのためにもよくないです。よくよく見本を聞いてみたら、そんなふうにだらだら歌っているのではないことがわかるはずです。
課題曲が歌えないのに自由曲は無理だということを最近はよく感じます。自由曲は好きな曲ですから、判断できないままに歌ってしまいます。自分は自分だという好きなことだけで回ってしまうと足りないところは補えません。歌に対する考え方はいろいろあっていいと思いますが、一致させておきたいのは、歌は長時間かけて客を退屈させるものではないということです。最大限の効果を上げろとまでいいませんが、切り詰めたり凝縮しなければいけません。工夫することです。それも感覚によるものであり、頭で計算することではないのです。
数名、工夫をしている人もいましたが、それは頭でしている計算であって、体と-致していないのです。体にきちんと練り込んで、体から出てきたものをやらなければいけません。声の垂れ流しをしていてはよくないです。歌えたという感覚をどこかで捉えられるまで詰めることです。模範の歌い手が伸ばしたからといって自分も伸ばす、それはただなぞっているだけです。伝わるものにはなりません。
伸ばすということひとつでも、そこに理由をつけてこなければいけません。頭で作った理由でなく、体で感じた理由です。それをここでやってみたらうまく伝わらなかった、というならいいのです。今日も何か感じてそれを持ち帰ってくれるといいのですが、こなしたという感覚のままでは困ります。聞いていて本当にしんどかったです。
先日のクラスのライブ実習でもそれなりに伝わった曲が何曲かありました。しかし、本当に伝わってくるというのはすごいものなのです。聞いている人間が爆発しそうになるくらい伝わってくるものです。それを今、出せといっても無理でしょうが、そういう感覚をめざし、それを求めている中で練習していかないと、変わっていきません。今の歌ではその辺に歩いている人をみなさんと同じ人数だけ呼んできて歌わせてもいい勝負だと思います。
その辺の人の方がうまいかもしれません。欠点を補えとはいいません、長所を伸ばしていけばいいのです。でも好き嫌いでやっているならこの先絶対に伸びません。すぐれているものに対して自分が見なければいけない点があります。それはとても面倒なことです。体ひとつ使うのも息を吐くのも感覚するのも考えるのも、面倒なことでしょう。その手間をきちんとかけてひとつずつ取り組んでいかなければ伸びていくことはできないのです。
逆にひとつずつ取り組んでいけばカになるということです。材料はここにはたくさんあります。自分に足りないものは何かを考え、レッスンに出てください。まずは歌が歌になるところを知ってください。
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【ステージ実習2】
○よしあしの判断
もう1年以上いる人もいますのでなるべく同じことをいわないようにするつもりです。VTRを見れば相互にいろいろいえるようになってきているとは思います。それがここの一番わかりやすい部分でもあります。アカペラでごまかしなしにやっていますから、これもレッスンと同じです。レッスンに出ていればいろんな人がいていろんなことをやります。注意を受けたりすることもあるでしょう。そして、これはいいとか悪いとか判断できるようになってきます。
一番難しいのはそれを自分にきちんと適用していけるかということです。声を出すことが音楽や歌にしようとしているのか、その時期によっても違いますが目的をきちんと設定することです。2～3人を除くとそれ以前のところの問題だと思います。もっと自分のことをきちんと知っていくことが大切です。
それからステージを仕事としていきたいのなら面白くならなくてはよくないと思います。楽しくとか自分が面白くという上に見ている人が来てよかったと思えるものを出さなければなりません。観客に媚びるのではなくまず自分をきちんと出すことなのです。その点から見るとまだまだ鈍いしあまり魅力的にも見えません。
いつそれが出てくるかはわかりませんが、肝心なのはそれが自分のなかできちんと積み重なっているかどうかということです。伸びていないのに簡単にできてしまう人もいれば、とても伸びているのにそれでもまだ足りないという人もいるので一概にはいえませんが、そろそろ自分がどこで勝負できるのか、課題が与えられたときそれをどうすればよいのかというようなことをはっきりさせてください。
ただ課題を歌っているということで終わってほしくありません。どこに向かって歌っているのかよくわからない人がほとんどです。日本人の場合は声で働きかけられるということが日常にあまりありません。しかし、日頃、真剣にいろいろなことをやっていたらそういうことにぶつかってくるはずです。そこで得たもの、体験したことを大切にしてきちんと表現に結びつけておくことです。そういうものがよくわからなければ映画でもなんでも見てください。
テンションというのはやる気とか気持ちの高ぶりだけではなく、質の高さを表しているわけです。自分でやってみて、ひとつの音を伸ばすことでもそれによって相手に伝わるのか退屈させるのか、よく考えて感じてください。
テンションが高ければ無駄は必ず切るようになります。編集能力が必要です。無駄を切っていったら何も残らない。では何を残すのかというところから入るべきだと思います。練習のなかでそれを実感していくことです。みなさんの顔もだいぶ名前と一致してきましたが、まだ歌のなかでそれがわからない。あなたの音楽とか歌がこちら側に見えないのです。これを観客に読み取れというのでは違うのです。自分で示さなければいけません。
それから音楽性の問題です。これは本当に足りません。これこそしっかり積み上げてほしいと思います。わからないなりにどこに向かっているかとか、こうしたいというものをその人が持っていてくれないと困ります。ステージ実習は個人的な評価も出しています。個人レッスンをつけるなど、今の状況でみなさんが吸収しきれないことに対してこちらも手を打たなければならないと考えていますが、いつもいっているように吸収するがためにおろされたカリキュラム、メソッドのデメリットというのはよく覚えておいてください。
いろんなメニューは作った人には勉強になりますが、作られた方の人はいつまでもそこで踊っていては、作った人を超せないのです。いろんなプログラムを作ろうとは思いますが、それは音楽の世界からいったら1万分の1にも満たないことに過ぎません。みんなわかりやすいものを求めるので、なにもわからずなにも吸収できないよりはこういうものがあった方よいという程度のものなのです。これはこちら側からみれば単にみなさんを来させる努力にすぎません。みんなはたくさん来るようになり、わかりやすくて面白いと思うかもしれません。でもそれは1人でやっていく力にはならないです。
1人でやっている人がなにかやっている力というのは全部1人で得てきたものなのです。そして、それは1人の人から読み込み盗んだものです。わかりやすいものを求めるのはいいですが本当に気をつけないと、わからないもの、大切なものがどんどん消えていくことになります。
本物を聞いてそのリズムやスピードに対応しようとすることは、1年だけではわからなくても何年も続けていったら解決してきます。そこを、わかりやすいからといってメソッドを使ってしまうということは、そういう世界でなく、ただこれを順番にやっていけばよいということで同じところをまわり次元が上がらないのです。ファミコンのゲームのなかでうまくやっていったら映画監督になれるといっているようなもので、つながらないことではないのですが、はっきりいって、それは中学生くらいの勉強の仕方です。そこは自分達で感じていってもらうしかありません。
ステージ実習評価もその人の考えというのではなくあるレベル以上の人なら誰が見てもそうだということです。みなさんがそれを感じないとしたら基準もなにもない甘いところでやっているからです。プロの立場で見たらもっと厳しいものになるでしょう。ただオーディションの合否判定ではないので、厳しくするだけだとみなさんの方が手のつけようがなくなってしまうでしょうから、そこまで降りているのです。
本来はトータルのコメントのなかでわからなければいけないことです。そのコメントのなかから取るだけとっていって自分で使いこなせるべきなのです。どの世界も力をつけないと上がっていけないのだということを早くわかったほうがよいと思います。それはこの世界に限ったことではありません。自分に合っているからとか損得感情、好き嫌いで動いているからわからないのです。
落語でもなんでも、何かつくり上げてきた人はある時期、徹底して一流のものを研究しています。行き詰まったらとにかく一流の、その世界で名を残してきた人たちを研究する。それは、ここでも常にいっていることです。
本物の声など、そんなものは自分のなかで実感したものでしかありません。研究所のなかにあるわけではないし研究所の誰かを見本にしていくことでもありません。まねをするとしたら、そういう人たちの考え方とか感じ方、感覚です。体は自分のものですが、こういう感覚や考え方を体に宿すことを含めて、ひとりではなかなかできません。だからいろんな材料を生かしいろんなものから刺激を受けてほしいと思います。
課題を突き詰めるということをもう一度よく考えてほしい。勢いだけではなかったか、なぜそんなに雑に聞こえてしまうのかとか、徹底して詰めることです。好き嫌いで動いているうちはわからないのです。認められたいからやっているとか幸せになるためにやっているなどというのは小学生、中学生の問題です。自分が楽しみ傷つき築きあげてきたものでないものを誰がお金を払ってみますか。
「今までやってきてもつらくて充実感がなかったが、なぜか」という質問を受けたのですが、それは単にしっかりとやっていないからです。なんでもそうですが、人の2倍3倍いるのがあたりまえになるべきで、私なりにがんばっているなどといつまでも同じことを述べている。それもできていないのにつらいなどといってはいけないのです。同じ質問のなかに「目標はあるのに」とありますが、それは目標になっていない。
私は一流の人を見て、あれだけのことができるということは、それができてもおかしくないだけのことをしているのだろうと思いました。単純に考えればいいことです。自分も同じだけできないのはおかしい、と思えるところまでやらない限りできっこないのです。
歌を好きなことと歌を選ぶということはまったく違います。楽しくなければ実力もつかないというのはある意味ではいえることです。あるレベルから上にいくためには必要です。でもそこまでやらずに、でも他へいくことができないからこれにしがみついているというのでは、自分にとっても歌にとってもかわいそうなことです。
トレーニングやレッスンを主軸に生きろなどと誰も決めてはいないのですから自分で考えて、やりたければやればよい。
でもそれがみんながやっているようなことで抜きん出ているとするならそれはすべきことをしていくつもりでやれていないのです。どうして結果も出ないのに自分やっているなどといえるのかわかりません。実力がいるのは当然です。ただやりたいからというのではよくないです。人に与えなければならないのがプロの仕事です。そんなことがまだわかっていない程度なのです。
アマチュアは好き嫌いで働きます。だから簡単に辛いなどといえるのです。仕事だったらいえないでしょう。その道具がなければ人前に出られない、そうしたらどんな大変な思いをしてもそれをとってくるでしょう。厳しいようですがあたりまえです。
2くらいになると慣れてきて、小賢しい頭と小さな器で「あのレッスンは出た方がいい」「あれは出てもしかたない」などといい出すのですが、場があったら、どこでも歯を食いしばってでも出るべきです。おいしい食事をするのと、つまらないけれどもそこへいって練習すること、どっちが自分のためになるか考えることです。
つまらないのはしかたがありません。つまらない歌しか歌えない自分なのですから、それは自分で変えていくことです。
自分のVTRをみるのは嫌なことかもしれませんが、きちんと見て、今の自分には何ができるのかを煮詰めてください。プロの人がお金を払って見に来るとしたら、とりあえずどこで勝負できるのか考えることです。ライブとトレーニングのことが一致しないなど、いろいろ迷いはでてくることと思います。でもそれはしばらくは一致しないものです。
強化トレーニングは器を大きくするためにやることだし、ライブをやって乱れる部分はトレーニングで徹底して調整しなければなりません。ですから器が大きくなっている分には、プロセスですから細かいことはいいません。いろいろ引っかかっているところも後から正せばいいからです。
トレーニングでの一番の間違いは当てて出そうとか今度は響きを使おうとか、お腹の使い方を覚えようとすることです。バッティングでいうとシュートやストレートの打ち方を覚えようとすることですが、それは完全にストレートを打てる人がすることであって最初からは無理なことなのです。
そこにいくまでにするべきことは、場に出てきて自分でやってみて、ああできたという実感でとらえていくこと。また、できている人を見て、きっとこういう感覚なのだろうと自分のなかで一致していくことです。
言葉で当ててごらんといわれてすぐ当てられる。当てるという感覚がわかるならレッスンはいらないわけです。それがわかるときというのは、今のがもしかして当てるということなのかなと自分で実感するときのはずです。100回200回とやっていく中で、これだとわかる。それが一流の人とどれくらい差があるのかとか、効率的に力を使えているのかなどの感覚になっていきます。その感覚をとるための2年間です。
だから細かいことよりも、まず自分の声をわかること。それからその表現の方向性、少なくともいまの自分に何が一番足りなくて何を入れていくべきなのかをわかることです。
これがわからないと、「バンドでの声の出し方はどうすればいいでしょうか」などというようになってしまいます。声楽ならともかくポップスの基準では結果として出たもので勝負するのです。のど声になっているといって、たまが「さよなら人類」を朗々とオペラのように歌うようなことをしたら、その世界は壊れてしまいます。
自分がどう歌いたいのか、そのために、どんな音色が必要で、どこが生かせるのかを徹底して突き詰めてください。やってみれば、忠君葉の処理、声の流れといった基本が全部足らないということもわかります。そこから逃げないことです。
好きな数を好きなように歌うことほど楽しいことはないでしょうが、何をやっても許される場でやっていると甘くなるだけです。何をやっても許されないという場を自分で通せるものけるものを設定することです。そのなかでひとつひとつ自分で判断をつけていくことが大切です。そこを磨いていかないと、MCひとついうのがいかに難しいかというようなこともわからないでしょう。たった一貫MCで失敗したために、明日からもう仕事がこないというような厳しさのなかで生きている人はいくらでもいます。
大事なのはここで何を得るかであり、他の人と同じステージ実習の使い方をしていたのでは間に合わないということなのです。VTRをきっかけにして、自分を徹底的に分析してください。きちんとプロセスを踏むことです。
簡単に頭で判断してやめてしまう人もいるわけですが、残念なことだと思います。だからといってその人たちが満足するようにレッスンを組み立てるのが彼らのためになるのかというと、それでは他にいって通用しなくなるだけでしょう。いろんな伸び方があるしいろんな伸ばし方もあります。やり方はひとつではないのです。このことがわからないトレーナーが多いのです。
2年3年やってだめでも、そこまでにきちんとプロセスを挟んでいれば4年後5年後、変わるときというのはいくらでもやってきます。それくらいのスタンスでやっていくべきだと思います。自分を腐らせるためにやっていても意味がありません。プロになりたければ与えることを考えてください。観客を満足させることです。満足させるために媚びていって客をだめにするのはよくないから、観客まで変えていこうというところでやればよいのです。
人間の真実というものは、ここのシステムが変わったくらいでどうこう動くようなことではありません。みんなメジャーなアーティストの映像を欲しがったりするのですが、それを享受したら伸びるのかということです。こんなものがなくとも育った人達が何をしたのかを考えるべきでしょう。皆、何かを成し遂げた人は、何もないところを切り開いた人です。未知の分野をつくった人です。いつまで、人の道を歩いてアーティスト気取りでいるのかと思います。
基準を自分に対してきちんと持つこと、そして自分の勝てるところを知ることです。開かれている世界です。トレーニングのなかで閉じていかないように気をつけてください。トレーニングでよくなることは、悪くならないことより、難しいのです。グループレッスンがいやで個人レッスンがよい考えた時点で闘いを避けていると思うし、出る場を選ぶなどただの逃げにしかなりません。こういうことは人前で問うていって、傷ついてさらして得ていくものなのに、自分が安定したところにいて何かしようというのはおかしなことです。VTRを見ながら、そういうことを考えてみてください。
伸びない人のタイプ、歌えないのは、歌うのをじゃましているのは、あなたのその感覚と考え方である。
1.人のまねから、抜け出せない。人のまねということさえわからない
2.自分のくせから抜け出せない
3.自分がない、いつまで人の形で人の歌を歌っているのだろう
お客さんは、見本をみたがるが、見本を見ることでさらに学び方を誤っていく。他に求めるより、自分の感覚を正すことが先決なのだ。どんなにすぐれたものもそのための材料にすぎぬ。
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【ステージ実習3】
自分の条件を有利にしていくのは時間しかありません。なるべく参加し続けてください。あとはその方向性です。その軸の取り方を間違えてしまうのはよくありません。今日は二通りのタイプに分かれていました。男性と女性で分けるわけではありませんが対照的だったような気がします。特に女性の方が心配です。何を与えているかと考えたとき、声を聞かせてもらうわけでも歌の意味を聞かせてもらうわけでもないのです。生のステージで自分が動かそうとすること、それでなんとか動いてくるところをつかもうとすることでプロセスを練り上げていかなければならないのに、そういうものを全部離してしまっています。これでは方向がまったく違います。
歌をこなすのなら、カラオケでやればよいことです。何を与えるかを考えるべきなのです。受験生かなにかのようにだらだら歌っている人ばかりでした。ミスコンに出るとか容姿で勝負しようというのなら別ですが、そうでなければそんなことをしていても通じないです。完全に方向が間違っています。他人のやっていることや音楽性を流用したようなところで作ってみても三流にしかなりません。まだ自分が出ているなら二流くらいにはなれるのですが、形の処理にすぎず形しか喪われていないから面白くありません。
その人が出ていないのに観客が面白いと思うはずがありません。その人の思っていること、生きてきたこと、人生、感じていること、何一つ出ていない、これは子供の歌と同じです。なぜこのことを研究所で学んでいて方向を間違えるのかわかりません。口先で歌っているから動きも不自然でし、本当にだらだらと闘えます。英語の歌などは引き締まっていなければおかしいし、吐き出して破っていくものです。カルチャー教室では柔らかく伸ばしていくように教えていますが、ここで勉強していてなぜそうなるのでしょう。ただ塗り絵をしているだけです。何か形があったからそこにべたっと色を塗っているだけです。
ステージというのは生きていなければだめなのです。生きているとはどういうことなのか、そういうところを大して聞きもせず、歌がうまいとか下手だとか、語尾の処理がどうだとかいっているだけです。熱が伝わってこないところで何をしていても土台には乗りません。その人のなかで過剰になっていなければいけないのに、生気も感じられない。思想や情感に満ちているような歌を歌うことが上達だと思ってしまうのでしょうが、うまくいかないからといってそっちに逃げてしまうのは意味のないことです。そこでみんなだめになっていくのです。創り出すことに手間をかけなくなってはおしまいです。
男性がうまかったわけではありません。不器用だし問題もとても多いです。聞きづらいところもたくさんありますが、でもまだ自分が何をしたいのかということが見えました。そのままでしかないものは何にもなりません。しかし他人のものをそのまま使っているだけなのはもっと悪いです。感覚が動いているところを見せてもらうはずの歌で、感覚が麻痺しているのを見せられるのはとても心地悪いのです。普通のお客さんの感想は違うかもしれませんが、これから伸びていきたいのならそう思った方がいいですしょう。まだ自己流のほうがましです。人にいわれるままに歌っているような歌はその人自身がどこにもないのですから、歌にはなりません。その人の命が聞えてこない限り相手を飲み込んだり包み込むことはできないのです。
技術というのを習おうとするから口先で歌うことになるのです。ここであまり細かいメソッドを使わないのはそういうことがあるからです。口先かどうかは聞けばわかることです。流れてだらだらしている。でもそのことが気持ちよくなってきたり上達だと思ったりする。それは自分の基準が下がってきているということです。妥協というものです。声が出たら歌になるなどと思っているとそうなります。それが本当に心地よく聞こえるためには、自分の感覚に忠実に取り出せること、体と声の結び付きがあり、コントロールできるということが必要なのですが、それを無視してただ当てたり響かせたりすることに逃げています。日本の場合はそれが混同されていて、むしろそういう人達がうまいといわれているのです。このクラスに対して今さらこんなことをいいたくはありませんが、その辺のコーラスグループでも、高校生の文化祭のバンドでもよく見てくればよいと思います。
テンションとは精神とか内面的な充実度のことです。大きい声を出すとか体を使うことではなくて、完全にコントロールできること、そこまで研ぎ澄まされている状態をいうのです。それが声に頼ってしまうために神経の抜けたものになるくらいなら、息を吐いて汗をかいてステージで怒鳴りまくっているほうがまだ伝わります。ステージは生きているものなのに、それを殺してどうするのでしょうか。
VTRを見て自分で気づいてください。伝わってこないものは伝わってこない。これは方向の間違い、自分が思っている完成形とかイメージの間違いです。塗り絵の世界であり、それでやれた人はいません。いろんなパターンをたくさんやるのはいいのです。ただそこから何を取りどう組み立てるかを突き詰めなければいけない。それなのに、あるパターンと似ていくとそれを上達だと思うから間違えるのです。
ここの客はノリのいい客ではありませんがステージにいる人まで死んでいたらどうしようもないでしょう。死んでいる客に命を与えることです。与えない限りプロではありません。トレーニングのある時期はすべて一時がばらばらになってしまいますが、やがてそれが一本化してくるはずです。音楽と自分、自分の心と体の一本化のさせ方を間違わないことです。そうでないとアナウンサーのように、誰がやっても同じになってしまいます。
面白くないもの、他の○○らしいものというの、自分で排除していくべきです。上の基準は最初に示しているはずです。それは他の誰も代われないというものをやれということです、トレーナーの先生方がきて、こうやった方がいいよとあなたの代わりに歌われてしまうようなものは最初からめざすなということです。自分が与えられるものはなにか、よく考えてください。他人でも与えられるものを切り売りしているのは三流四流です。それぞれが自分の役割をきちんと果たし、自分を出し切ればもっと面白くなるはずです。
どこかで自分で気づかないと、もうこのまま落ち着いてしまうだろうという危険を感じます。もしこれでよいのならもう卒業すればよい。卒業して客に問うべきです。それで客がよいといえばよいでしょう。本当に気をつけてください。歌をまとめようと急ぐのはいいですが、そうしたらこれっきり固まってしまうと思います。まとめるというより、限界まで体を使ってやっていったらまとまってくるのです。一体感をつかむこと、部分的に習得しようとするのではなく、トータルに内包していくことです。
よくわからなければ、もっとよくよく聞いてみればよいと思います。これは聞いている人が元気になるものか、面白いか、またきたいと思うものかどうか。エネルギーが満ちていればそれは表情にも体の動きにも現れます。プレBV座も、すべて調子のよいときばかりではないのですが、よく見て自分と比べてみればわかりやすいと思います。その人がどこに手間をかけているかを見てください。他人の歌うところに手間をかけてはいません。それを材料にしてどう組み立てて調律していくかにものすごく手間をかけているはずです。
こういうことをプロセスとして見られる分にはよいのですが、自分を放棄してはよくないです。放棄してしまったら他にやりやすい方法などいくらでもあります。声と考えるからややこしいのかもしれませんが、こう歌ったらだれてしまう、こう歌ったら気を入れることができるということは自分で判断していかなければなりません。声が伝わるのと気持ちが伝わるのは違います。声がなくても気持ちは伝わるし、やらなければいけないのは気持ちを伝える方でしょう。
勝負どころは人によって違いますから一概にいえませんが、ここでいっている音声での表現ということで見ると、やはりそこから遠のいている気がします。最初の基本の基本に戻るべきだと思います。体と心をもっと使ってください。使わなければどんどん衰えていきます。使う方向にトレーニングしておかなければいけません。その延長上にステージがあるのです。それをしないと自分の目が曇っていき、鏡を見ても自分が見えなくなるでしょう。
なぜそんなにまとめようとしているのか見ていてとても気になりました。美空ひばりさんの歌はまとまっているとよくいわれますが、あのなかでどれだけ壊しているかわかってください。壊していなければあんなにゆっくりと歌っている歌は退屈で聞けないはずでしょう。1フレーズで3つも4つも工夫しているのです。これからは一層感覚の勝負になってきますから、そういう部分をよく聞いて、自分に落としていってください。
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【ライブ実習4、5】
昨日も友人の主宰する小さな劇団に挨拶に行ってきましたが、舞台の上が水たまりや枯葉だらけで、よくこういうところを転げ回りながら声を出せるものだと思いました。それだけ役者は敏感でなければ声をコントロールできないのだと感じました。でも、役者のリズム感くらいでは敵は歌えないということです。
今日のピアニストの伴奏に対して前に出せていたのは5人くらいでした。声を体から出さなければいけないのは腹から歌うためであって、同時にリズムや音感に対して体で反応できなければいけない。体でとっていない限りとれません。体の動きよりも音楽の働きの方が早いし、そのなかで感じている感覚はもっと早くなげばいけないのです。そういう意味ではかなりの差があると思います。歌えているようでも、よりリズムがとれる人のを聞くとやはりはっきりとした差を感じます。
最初からずって聞いていると裏向きでただそれほど差があるとは思いませんが、ただうまい人は自分の勝負できるところを知っているということ、それから自分の歌がわかっているかどうかという点ではかなりの差があります。
前半の人を聞いていてずっと退屈してしまうのは悪いというよりも、結局好き嫌いのところでやっているからだと思います。趣味なら好き嫌いでやっていいのですが、そうでなければお客さんはうんざりしていきます。
本番間近になっていろいろ変更している人がいます。一度決めたことは変更するなということです。それは信用と自信に関わるからです。今回変えた人にというより全体的な注意です。あるレベルまでは、まわりから頼まれて出るわけではないので、迷って迷って変えたとしても誰もそれを待っているわけではないということ、それから一決めたらその決めた枠内のなかで勝負していくことです。
ベテランでもその日の気分や観客によって変えたり違う曲を加えたりすることはありますが、ほとんどそのために成功することはありません。MCのようなものとは性質が違い、歌の場合はもっと厳しいものですから、直前になってあれこれ変えるのはよくありません。変えたことで人間関係が崩れるというようなことではないのですが、見ていて甘いなと感じるのです。このなかで甘いと思わせるのだから、それでは外ではとうていやっていけないだろうということになってしまいます。決めたことはその枠のなかできちんとやっていくようにしてください。そのなかでどれだけできるかが力です。
別に研究所のステージだからというのではなく、そのくらいの枠で対応できないということが問題なのです。更にいえば、4クラスになっていたら、半年後、1年後に歌う曲くらい常に用意しておけということです。1～2ヵ月で自分の歌の世界がどうにかなってしまうわけではないし、それなのに毎回毎回変えるというのは賢いことではないです。割れ合いみたいになってしまったら1年目2年目の人たちに食われてしまいます。余力がありもしないのに、ここでやるいろいろなことに緊張感がなくなっているようです。
エントリー表の「聞かせどころ」も、別に書けなくてもいいのです、歌えればいいことですから。でも書く、書かないというより、それをいったい「考えているのか」と思わせるようではよくないです。まだ人の絵をまねているようなところがあります。入門や1クラスに対してはたくさん聞けといっていますが、このクラスでたとえば「作家になりたい」という人が「こんなにたくさん読んでいます」といってみてもしかたがないでしょう。読んでもそこから得なければ意味がありません。だから聞いていると「前座か」という感じになってしまいます。誰がいいとか悪いとかでなく自分達で感じればいいことですが、これがマンネリになってしまうのはよくないと思います。だから、初心に戻って、きちんと書き出すことからやりなさい。
今いろいろな劇場やホールを回っています。300人くらい入れて入れ替えの必要がないようなところがあれば、使いたいと考えています。ここで集められるのはせいぜい500人くらいでしょうが、強制的に人を集めることはしたくありません。声から、から、体からのことをやって小さな動きからでも動かしていこうと思います。一番上のメンバーの顔ぶれが変わらないので、レベルを上げてもらうために、少しやり方を変え、場を変え刺激を与えたいということです。
今日もそれを期待して見ていたのですが、別にみんなで一緒に外に打って出ようなどという気は毛頭ありませんが、城門を開いて出ていこうとしたら2～3人しかいなかった、みんなバタバタと城内で倒れてしまったという感じですね。まあ、待っていてもしかたないのでそれはそれでやっていきます。
それより、なぜ退屈なのか、なぜ面白くないのか考えてください。自分の好きな歌を好きに歌うのは自分にとっては面白いことです。でもそれだけではもちません。純いというより、甘いと思います。どういう伸ばし方がいいのか、コメントでひとりひとりにはっきりという方がいいのかも、よくわかりません。いってわかるのならいいます。いってくれという人はわからない人です。
VTRをみて自分がどれだけピアノを邪魔しているのかを聞いてみればいいと思います。ここのピアニストはとてもすぐれていて、下の音をきちんと動かしてくれています。ステージ実習でアカペラでやるときに自分の体のなかで動いているところの音です。それに対してメロディや言葉がありますが、ヴォーカリストはそれをたどるのではなくて、第3のなにかそれにぶつけるものをつかんでそこに置いていかなければいけません。ピアノの出しているノリや止めみたいな部分をあまり感じていないのではないかと思います。
それから息の処理ですが、これは日本語で歌う場合どうしても出てくるものだと思います。でも日本のフォークのような患を抜くようなやり方をあまりまねないことです。体に声の振動があってそこでアタックしないから息になるだけなのに、そこで抜いてしまったら音楽が止まってしまいます。
森進一さんなど、極まって歌っているときなどは声ががさがさにかすれていますが、体は動いているし音楽を奏でているのです。そうなっていれば、声が消えようが飛ぼうがもってしまうのです。外国人はそれをそんなに必死にやらなくてももっとしぜんにさりげなくやっているということです。日本語の助詞が最後にくるために強調できないのはわかりますが、だからといって全部抜くやり方をするのはよくありません。次にいくとき間違えます。そこで止めるからまた次に別の動きをつくらなければいけなくなるのです。そんなに細かく動きを区切ったら聞いている方も疲れます。歌の線はなめらかでなくてはなりません。
甘さというのは、そこでもう少し粘れば、もう少し感じれば、もう少し止めればいいのにというところでさっさと離してしまうようなところにも出ています。他人の歌についてはみなさんもこういう耳が働くようになってきているようですが、どうしても自分の歌にならない人というのは、そこで形の方をとってしまうのです。これはとても聞き苦しい。合わせてもよくないです。このヴォーカリストがここを伸ばしていていいなと思っても、それは自分の呼吸ではありません。自分の感じたところで伸ばしていって、それを聞き比べたら当然自分の呼吸の方がしっくりこなければおかしい。先に形をとってはよくないです。響きでもシャウトでも全部同じですが、自分が感じる前に、形をとって結果を作って頭で計算していくと、ボロが出ます。他では出ないのかもしれませんが、ここのようにある程度体に落として歌える人がいる中では、とてもリアリティが薄くなります。
音のなかで感じることは、自分を持って自分で決めていけば全部自由になるのです。他人の世界に合わせると、それがほとんどなくなってしまいます。当人は他人に合わせているとは思っていないでしょうが、見ていて体から合っていないということはそういうことです。ピアノの音が揺れているのに歌い手の体がバタバタしているようではよくないです。楽器の曲などをしっかり聞いてみてください。単に音がつながっているのではなく、ひとつひとつの音がこんなにも動き、跳ねたり止まったりしているのだということがわかると思います。そういうことにこだわっていくのがプロなのです。
もう一度初心の初心に戻って、聞かせどころやメッセージということも含めて考えてみてください。それで歌ってみて、もう一度考えてできたかできなかったか詰めていくというやり方をしていくことです。
基本の足腰が弱いところにはなにも乗ってきません。音楽が回っている中で、ここで入れたいとか決めたいとかいうものが感覚としてあるはずなのに、それを抜かして先に形を作ってしまい、いろいろ聞いて勉強しているつもりでもそれはまったく勉強になっていません。方向が違います。音やリズムの動きをきちんと捉え、できないところは切ることです。置き換えても省いてもいいのですから。そういうリズムや音感の感じ方がピアニストよりもずっと劣っています。劣っているというとピアニストに失礼ですが、歌なのに、どちらが伴奏なのかということです。
バンドという形態だとみんなで動かそうというところが出てきますが、ここでピアノとやってピアノの音の動きの方が前に出ているようではいけません。下のクラスではピアノの邪魔をしないように歌うのは至難の技です。それも難しいことなのですが、みなさんはピアノが聞こえてこないように歌わなくてはいけないはずです。それでこそピアニストの才能もひきたつのです。自分の歌をもっと出せるようにしていってください。
頭で歌うとこなしてしまうことになり、それは偽物レベル以下です。自分で作らなければいけないし、生じさせなければいけないことです。そこに手間をかけてください。声楽の世界でもなんでも、成り上がった人には声や表情に色とか壁、湿り気のようなものが疲れています。そういうものがもっと出てくれば、もう少し舞台が持つのかもしれないと思います。それぞれ段階があるのでなんともいえませんが、最初から聞いていて、葉とか音の捉え方がものすごく雑です。テンションとは勢いだけでなく、極まった密度のなかでどれだけ繊細に動かせるかということなのですが、そういう点ではまだ、こんなことでいいのかというくらいに雑です。もう一人、歌とか時の雰囲気や情感で歌っている人がいますが、感心しません。確かに歌詞の世界も曲の雰囲気の世界もあります。でもヴォーカルが自分を出すときに、体や呼吸、肉声の世界が消えてしまったら、楽器にかなうわけがありません。勢いだけでやる方法もありますが、その辺はもう少し考えてみてください。
前半のなかで半は、ここ2、3年ずっと何をやっているのかと思っていましたが、今日のように歌が聞こえてくることもあるわけです。課題曲だけではその点とてもわかりやすかったと思います。それが自由曲になると、いろんな試みをするのはいいことですが、やはり勝負できるところをまったくはずしている。どこか数ヶ所押さえておかないと、課題曲よりもよくなくなってしまいます。
あそこで笑ってしまったらそれまでの努力が台なしです。ステージで笑ってはいけないということではないし、これは人によるので、その方がいいタイプもいます。でもあなたの場合は、あそこで客のところへ降りてはいけません。それではうまくいきません。パフォーマンスとしては詰めたらよくなるでしょう。しかし、観客は、プロとしてのあなたを期待しています。それは、終わってから息をハアハアさせるあなたでなく、まだ非日常、人間を超えた世界にいるあなたであるべきです。
後半の人については、今までの一番いいステージと比較しますから厳しく見てしまいますが、たとえばパッと見て、一流のプロといわれているなら今日は調子が悪いのかなと思うようなところを考えて見るといいかもしれません。調子のいいときならそれができるはずということではなく、一般の人が「この人はアメリカで一番売れているヴォーカリストです」といわれて見たときに、今日調子が悪いのかとか、ちょっとおかしいなと思うところはどこなのか、そういう見方をすると早いと思います。客観的に自分を見るのは難しいと思いますが。
以前100メニューの提出をお願いしたときに、1曲に取り組むときにぶつかったポイントをまとめています。そのうちの40くらいは、私がやっていてぶつかってきたことと同じです。それはテキストにも書いていないことですが、ほとんど同じですから、誰もが同じことにぶつかって、それを乗り超えるときにどういう考え方をし、何を優先するかというプロセスがわかります。
伸びた人の作品として聞いているものが、どうやって克服してああいう歌になったのかがわかります。ただ聞いたら簡単そうに思える曲ですが、やはり同じ国に生まれて住んでいる同じ人間が取り組んだときに、感じることもぶつかることも同じだとおもいました。たったひとつの音や言葉にどれだけのものがつまっているのかということ、それを自分のものにしていくプロセスを参考にしてください。
もう少し大きなステージでやる機会を作ろうと考えています。全員で何かというようなことではなく、場をより、人の力で構えるためです。完成を待っていてもしかたがないし、その年に出したものというのはそれが現実ですから、10年たったらいいものを作れるなどといっているより10年先を経験していけばよいと思います。ただ基本があってのことですから、そこから逸れないように気をつけてください。
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【京都特別集中講座発表会1 トレーナーコメント】
1.声はよい。生かされていない。ややこもる。ことばまあまあ。揺れが気になる。雑だが気持ち動いてくる。自分のなかで回り、2曲同じ。音楽にする。声の使い方。
2.声よく安定しているが、自分のフレーズにもってこられない。形にとらわれすぎ。呼吸みえてない。ていねい。ことば、もっと練り込めるはず。ほどよくまとまっている。自由曲、終わりきれない。
3.フレーズややつくりすぎ。声はだいぶ安定してきた。もう少し勢い出す。大きくとるようにする。構成みえる。コントロール。ぶつけぎみ。2曲同調。絞り込みあるが、うまく声にならない感じ。
4.ことばを口のなかでつくってしまうくせ。ことばのこもり。声を気にしすぎ。全体の流れ悪い。音楽になっていない。どのフレーズも語尾だらしない。目をあける。前に出ない。自由曲、少しとり戻した。力で押しすぎる。動かせない。
5.出だし。ことばぶつ切れ。イメージができていない。緊張と動揺が伝わってしまう。のど声、苦しい。ステージらしくない。音程、リズム。
6.前をみること。自由曲、フレーズよいところがあるのに、気づいてない。ビークなく、あきる。声出しているだけ。ステージの動き。力入り、のど声。だらだら聞こえる。勢いがない。観客をみること。
7.声がよい。ことばつめる。声、気にしている。もっと普通に。できるはず。感覚、まあまあよい。まとまりがないためにあきるが、音楽が少しは、みえる。自由曲、2番いらない。終わりきれない。くどい。
8.口先でことばをつくりすぎ。口調のくせ、語尾、浮かすくせ、気になる。どのフレーズも同じ。いわゆるカラオケ的な歌。人の口調、音楽的動きなし。ピークがない。姿勢悪い。思い込みのフレーズ。ことば追っているだけ、つまらない。
9.のどでつくりすぎ。どのフレーズも同
じ。意味のないビブラート。先がよめてしまう。体ついてこない。ことば。語尾がだらしない。歌いなれているが、他人の形なのでつまらない。あきる。もっと落ち着いて歌えば、よさが出るはず。
10.まだことばバラついてしまうが、イメージとろうとしている。音程。フレーズ回しのときより薄まってしまう。目をあけ、前をみること。姿勢悪い。声に集約すること。
11.思い込み、口先フレーズ。体がまったく動いていない。ことば死んでいる。音程。リズム。目をあけてみる。ぶらぶらしないこと。ステージであるという意識。飽きる。だらだらくり返している。
12.息声。「si」発音。口先、英語、呼吸。何がいいたいのかみえない。音を追っているだけ。全部、同じ調子。
13.音楽がない。音程。ことばいえない。「はじめてかった」「はじめてかた」。フレーズの捉え方。声出しているだけ。のど声。棒読み口調。気を入れること。
14.口調のくせ。ことばに聞こえない。棒立ち読み。全部同じ。変化なし。
15.つくり声。つくりことば。ステージになってない。幼児的。前をあけて前をみる。態度、ぶらぶらしないこと。人前に立つという意識。
16.口先。観客をみる。リズム×。当てているだけ。キィ高すぎ。速度についていけない。他人の口調、誰かのまね。
17.もじもじしない。出だしだらしない。気を入れる。音程、のど声。
18.体で出そうとはしている。少しは思いもみえる。感覚、なかなかよい。ことばがとんでくる。フレージング、ワンバターンだが、流れはよい。
19.のど、こもり声だが、破ろうとしている。動きがみえるのがよい。止まったしまった。
20.当てているだけ。顔から上にひびかせすぎ。逃げている。うるさい感じ。ことばがとんでこない。音楽止まる。声と音量の勘違い。英語。発音。くどい。人のフレーズ。全曲、同じ調子。あきる。
21.流れをつくること。音程。リズムのとり方やめる。変化をみせること。語尾が全部一緒。イメージは大きくとっている。やや体ついて発音。いい切ってない。全体でポイントを絞ること。ちょっとぶつ切れぎみ。せこせこしなくてよい。リズム感よくはないが、一体感ある。
22.バッとつかめるのだが、音程×。方向さがしながら恐る恐る声を出してしまうので、とても不安定。音のイメージ。出だしよい。語尾が×。目をあけ前をみる。速度ない。ことば、発音。だらだらしてきこえる。高くあてすぎ。自分の声を聞くこと。
23.笑顔。表情よい。声、安定してきた。フレーズよい。もっとできる。昨年とまったく、変わった。ややぶつ切れだが、呼吸みえてよい。音楽がきこえてくる。歌の世界みえる。最後で聞かせた。excellent。
24.サビを出せる。フレーズ少々ワンパターンだが、強さあり、音楽は聞こえる(1番だけで凝縮すべきでは)。課題曲、もう一つ動き、変化が欲しい。よさ、出せるところもあるのだから。安定はしている。表情よい。うまくなった。
25.ていねい、譲り込みしてきたのはよい。テンションも感じられる。声でとり出し、もっと前に出るとよい。自由曲、出だしよい。語尾、やや同じパターン。伝える姿勢、よい。ステージよい。姿勢。働きかけあり(自分のやり方にもってくることができる)。
26.出だしOK。フレーズ回しややつくりすぎて、ベタベタしている。スタイルでもっている。もっと声でよさを出せるはず。気迫、前に出る。ステージよい。歌い方、パターンにはまっている楽しそう。ステージで強い。
27.フレーズ、考えすぎ。適度に欠ける。前に出る姿勢、よい。いじりすぎ効果になっていない。よさが活かせていない。動かし方中途半端。方向が違う気がする。とりあえず、もってしまう。シンプルでない。後半、少しもち直した。
28.人前、舞台の意識。ことば、フレーズ、人まね。押しつけ、のど声。うるさく感じる。前に出ていない。まねしているだけでつまらない。課題曲イメージをとれていない。ときどき、つまり、くせになっている。ことばだらしない。自由曲とまったく、違う。
【京都特別集中講座発表会2 トレーナーコメント】
「サボテンの花」「Stand by me」
1.B.観客を見ない。メロディが違う。気持ちが盛り上がると音程が上がる。声は割と声量がある。前に出ている、迫力よい。入る音、呼吸、吸うこと、音程、強弱の弱の支えがない。マイクの使い方。<何をどう伝えようとしたのか>
2.B.ことば、メロディ×。好きそう。体は動けそう。リハーサルのときより音程が落ち着いていた。声が不安定な感じ。リズムとるのは広いが、声、呼吸に結びついていない。はじめの音。終わったという感じがしない。軽さ、のり。
3.A.声抜く。Aメロとサビ、メリハリはついていた。観客見ていた。全体的に息がもれている。その分、少しブレスがきつそうだった。声の揺れ。乗直、構成、サビ、フレーズよいものがある。目に力、勇気、強さ、思いきりのよさが欲しい。声を出して歌っているところしか歌っていない。前半もったいない。
4.A.少し音楽に入れる。ことばだけに感情。ダイナミクスなし。声は高い雰囲気をもっているのに、のどを下に下げて歌うクセあり、フレーズじり抜く。ていねい。声、前に出すこと×。2フレーズ目くり返し、失敗、顔に出さないこと。自分で楽しむこと。楽しさ(悲しい歌でも)。
5.B.声抜く。Aメロ、サビ、メリハリはあった。フレーズない。声は通る感じ。しかし、ビブラート以外に細かい揺れあり。どなってしまった。横に流れている。英語ふみこみ×。呼吸、ひびき。歌い出しまでのスタンス(間奏)。後半、勢いよい。
6.A.拍の感覚なし。歌詞を覚えること。声抜く頭声。自信がつくとよい。よく伴奏を聞いて、どんどん慣れよう。ていねい。感情移入。歌詞、間違えてもよい。イメージで伝えること、楽譜、ことばにとらわれている。表現、表情含まれる。瞬時に入るように。
7.A.声抜く。ふんばれない。歌っているだけ。緊張していて、声が揺れる。息もれあり。「イ」の母音でのどつまる。声はよい。同じ呼吸、同じベースの歌い方、あまりに構成みえすぎ。表面的。すべり出し、フレーズ。目があさっての方向。マイクの向き→どう聞こえているかに神経を配ること。
8.B.本物の表現ない→形だけ。入れそうな感あるが。フレーズじりまでもっと気を使えるとよい。上のひびきにうまく移り切れなかった。入り方共感。押し弱い(ひく必要ない)。歌を大きく捉えてつくってくる。
10.A観客に訴えてない。自分だけ。歌い上げ→まね。最初のレッスンのときにくらべると、曲によってやわらかく声も出せる様子。細かい揺れ。のどの奥の力。声やさしい。ジェスチャー気になる。目をあける。力ない、ホワホワ私の世界です。そのなかのものをとり出す→つきつめていく。サビ、形、力あるのに、もっていきかたがシンプル。飾りより、変化をみせて。
11.A.表面的なメリハリのつけ方。声が全体的に不安定だった。自分自身でうまくコントロールできない感じ(支えが不足)。感情移入、その世界に入っていくもの。音の世界がない。イメージをうつしかえた声が稚拙。発声、ととのえること。歌が声の力だけでも成立する。その上で表現。
12.B.ことば聞き取れない。メリハリない。声はよいと思うが、音程がふらついている。安定してくるのを期待する。入り方、英語の使い方、気になる。ひびかすより、切ること。「Stand by me」の意味。
13.A表情悪い。来るとこ違う。まね。声が声優のようだった。歌い回しをもう少し考えると、まともに聞こえる。強弱の差をしぜんに。一ヶ所(サビ)でも少しわかる。全体のきらめき(ビギナーズラック)。やろうとしていることわかる。聞いてきた音楽もわかる。でもそのこと自体が、制限している。笑顔で終わってほっと(もっと遠慮せず、充分に間をとってよい)。
14.B.どなっているだけ。ことば(発音)をもっときちんと少し乱暴に声を出していた。一発、入る。ピークで入るのでない。体が動くまえに終わった(ピークの気持ちで入ること)。
15.A.体入っていないが、少しフレーズある。形だけ。フレーズの歌い回しが本人が思っているよりできていない。声は通る感じ。のどの力を抜こう。ほんの瞬間でも止めたり動かした。流れ、感覚(音楽)、自分をよく知っている。伸びの呼吸の使い方(他の曲で聞きたい)。
16.B.動きがない。声や音程が全体的に不安定。ビクビクしている感じ。英語からでなく、音の流れから入ること。準備不足。叩き込んでないから、体が反応できない(あがりその他)。
17.A.出だし弱かった。リズム感の質、高める。変わると目立つ。気持ちの盛り上がりが加わると、いろいろなことがコントロールできなくなる。もっと客観的に。伝えようとする意志→直線的。整理、バランス調整。ことば、ぶつけているだけ。線を感じる。フレーズ。
18.A.体の入れ欲しい。ていねいなのはよい。サビ弱くなってしまった。変えるなら体がさらに必要。声は個人的に好きな声だった。フレーズの歌い回しに余裕が出てくるとよい。リアリティ、ことば音楽。心と声の煮つまり度80→99へ。呼吸、余裕。
19.B.音程、リズム×。体に頼っている。キィ高すぎる。もう少し音に慣れてきて、音楽の基本が身についてくるのを期待する。おもしろいな。音のポイントはずれる。同じまま→心。動き欲しい。
20.A.マイク×。体に声のせて。ていねいさが悪く出た。リハーサルのときより元気がなくなってしまった。マイクをもっと近づけて歌おう。トレーニング。姿勢→動く。気持ちの通り動く。手が気になる。リズムで正解ないが、一体感。声を全身で伝えるときに動くことをふんで、セーブする。
21.A.マイク離しすぎ。体の動きでフレーズ欲しい。曲にイメージしていることが、まだうまく表現していけていない。リハよりよくなっている。最初よい。ハイララポイントのクリア。イメージのメリハリに声がまだおりてきていない。サビ、声量ダウン、テンションアップ。
22.B.リズムよい。サビにもっと強さ。ちょっと声のつくり、気になる。→体の動き。今までの雰囲気と少し違った感じが見えた気がした。今、自分のできることをよく知っている。一体感。声、あぶないところあったがよい。
23.B.ちょっと気持ち、あせりすぎ。体の動き(フリ)じゃま。それに声が伴わない。全体的に安定している。決まった形のなかで自由に動いた感じがし”た。ポイントぼけ。空回り。好き嫌い。ここで今、生きている→正解。構成、アレンジ、色つくほどどうみせる、どうつくっていくか、否定。
24.B.切れないで、メリハリつかない。止→動き。声が揺れてしまった。もっとヴォリュームが出てくるとよい。リハよりよい。固い。高低の幅。天上の高さ、地のキープ。
25.B.自分の動きになっているか。本物にしよう。音域はもっているので、自分の売りがもっと完全になり安定するとよい。わかってきている。かっこええならいい。
26.A.自分の世界あるだけでは苦しい。安定しているので聞いている方に安心感はある。しかし、形が決まってきている感じ。声で巻き込む力。音楽感。語尾の伸ばし方のポイント(低い)。焦点定まらぬ声。気持ち優先(もったいない)。構成、基本のデッサンの線、弱くなっている。
27.B.もっとがっとくればいいな。ステージでの印象がよい。楽しそうに歌っていた感じがよい。森本、大きくみえたぞ。
28.B.自分の呼吸になっていた。以前に比べると声も出てきて表情もよくなった。自信がついてきている。まばたき。声は逃げなくなる。形ある。知った分、とり戻した。こういう曲については。
29.A声に力がある。伸びてくる声が聞いていて心地よい。感動しました。ひたむきさに涙が出ました。シンプルでよい。出キープ終える。
30.B.いろいろと音を動かしたところが少し不安定になってしまった。色、飾り。呼吸の強さ。キープへの執念欲しい。
