レッスン2
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【上達法 Miserere】
【「ミゼレレ」②③】
【「そして今は」】
【「泣かないでアルジェンティーナ」②③】
【「チャンス・チャンス・チャンス」】
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【上達法 Miserere】
最近は音楽の話をする人が、少なくなったようです。演奏者は演奏ができればよいというのではなく、その過程でいろいろなものを身につけていますから、すぐれた演奏者はすぐれたことをたくさん知っています。そして、その人自身のことばと音を使うことができます。
きちんと歌えている人というのは、音楽のことについてだけ語らせても何時間でも内容のあることを語れます。
ここで見ていても、その差は歴然です、バックグラウンドがあってこそ、作品ができてきます。
声を出せば表現できると思われているような世界ですが、声だけでは声しか聞こえません。
内容は自分で選んでいかなくてはいけません。自分にとって正しいものを常に選び続けなくてはいけません。
たとえばピアノを使って、発声練習をしているのを見ると、その人の体や感覚がどのように反応しているか。皆さんが見てもわからなくとも、私が見たら、わかります。
できている人と比べると、入り方のスピードがまったく違うし、反応力や、調整力も雲泥の差があります。それはそのまま音楽の世界に持ち込むものです。ですから、そういうことを勉強していかなくてはいけないのです。
教えるにも限界があって、せいぜい学ぶ材料をさし示すしかないのです。
日本の教育制度のせいで、どこかに正解があって、それを先生の望むように応じていこうと考えがちな人が多いのは困ったことです。
主体性をもってください。自分で判断し、自分でつくっていくことが基本です。これをまげてはいけません。
レッスンを見ていても、伸びていく人とそうでない人は、はっきりとわかります。
自分の判断に頼っているか、人にそれをゆだねているかということです。その判断が、より研ぎ澄まされていかないといけません。
息や体は強くなるにつれ、表現も助けられてきます。感覚の方が鈍くて体が強いと体の方に負けてしまうのです。
声を出してもその声のなかでどれが一番よいのかわからないままの人もいます。最初はそうでも、他の人や先生方の声を聞いて、認識し判断できるようにしていくのです。そのなかで一番正しいところをしっかりとつかめるようにすることです。
そのなかで何通りかの出し方が出てきます。力がつけばつくほど、いろいろなことができるようになってきます。しかし、基本においての正解は、そのなかの一つです。その一つをさらに絞り込むと、もう一つあるという感じです。その作用をトレーニングのなかでやっていきます。
ほとんどの人のレッスンが最初、成り立たないのは、そのポイントが見えてないことです。自分がつきつめるところまでつきつめていないから、そこで生じているものが何なのか、位置づけができないのです。つまり、定まらないものは、評価の対象にとれません。
プロのトレーニングでは、定められた基本の上でやっています。自分の今日の状態はどうか、それは自分の今までのキャリアに対し、どのレベルで出ているのか、それに対し、足りないものは何なのか。それを克服するために、今日のプログラムはどうすればよいのか。そういうことがわかってきて、はじめてトレーニングが成り立つのです。
筋力トレーニングや柔軟運動というのは比較的、簡単なのですが、歌や声になってくると、価値観によっても左右されるから、正しいところにもっていくことが難しいのです。
漠然と声を出さず、意識して、何がそこで出ているのかを自分にフィードバックしていくことです。
そのなかで何が正しくて、何がすぐれていて、何がすぐれていないのかをしっかりと区分けしていくことです。これは、個人レッスンでも、グループレッスンでも同じことです。
そのなかからとり出していくので、やみくもに声を出してやっていくより、効率的です。
常に比較の基準をしっかりととることです。そのために音楽を聞かなくてはいけません。また、レッスンに出るようにすべきです。
発声ということであれば、声が出ている人の感覚を読みとっていきます。歌、音楽としては未完成でも、声が出るとかインパクトが与えられるということは、そうでない人と比べて、何らかの基本の原理が働いているのです。
そういう根本的なところをしっかりと絞り込んでいかなければいけません。まず、よい歌をしっかりと聞いて、あらゆる声に対して、自分の耳をしっかりと磨いていくことです。
歌い手の活動の難しさの一つは、リアルタイムでコミュニケーションしなくてはいけないことです。声を出していることを自分で聞くことは不可能ですから、感覚で覚えておくしかありません。そこで感覚で呼吸を全部、調整するのです。
どんな名ピアニストでも、感覚と楽器である身体との結びつきをつけていく時期があります。
ヴォーカリストは、体、息、声との結びつきをつけていきます。
感覚と体をどう鍛えたらよいかということが問題になるのです。
自分の入りやすいところから入ってよいです。
自分の何年後かの声のイメージがもてないから、声は、なおさら難しいのです。声がある程度自由に出るようになったら、自分がそういう声をもったときに、どういうフレーズ、表現をするのかということを見予めイメージしていくことです。自分のイメ―ジと感覚が狂ってしまうと、伸びません。
たとえばテノールというのは、高い声をもっている人ではなく、テノールの音質をもっている人のことです。自分ができるということとイメージのなかにあるものが一致していないと、やりたくてもできないということになります。ポップスの場合は、そのあたり、無制限ですから、出たものから自分を見つめ直せばよいのです。
自分が今まで聞いてきた曲の好き嫌いを一度、捨ててください。
自分の声の延長上、フレーズの延長上に、いったい何ができるのかを問います。
学びやすいものを優先します。
これは、人前に出るときの基本的な考え方です。歌い手の好き嫌いではなく、客がまわりが認めるもの、その人間が一番、才能を高く評価されるもので、出ることです。
そのためにも自分が勝負できる歌をしっかりと選んでいくことが大切になります。
自分の好きなヴォーカルの曲に近づけて歌うということとは、まったく方向が違うのです。それが目的なら、それで終わってしまうのです。カラオケ教室です。
そういうものを一回抜いてみると、もっと自由になるし、声量や声域がなくてもいろいろとつくれる可能性が大きいのです。高音が出ないのでなく、表現するものが明らかでないことが問題です。
もっと深い世界を見ていくことです。世界のヴォーカリストを見ていくと、いろいろなやり方もあるのです。そこから自分のやり方をつかんでいきましょう。
リズムや音感がすぐれていたら、歌の一つくらい歌えます。
どれか一つが突出していればよいのですが、そこまで、すぐれているということは、難しいのです。
モノトークで見て、個人としておもしろい人がいても、それが音や声の世界において、出てこないとしかたないのです。
そう考えていくと、歌や発声というのは、それほど特殊なものではないということがわかると思います。だから、主体を人に預けないことです。通用しないということは、それだけ自分が自分をわかっていなくて、自分のわかっているところを集約してとり出せていないということです。その両方ができている人は、本当に少数です。
ライブステージというのは、その参考としてやっています。リズムや感覚のトレーニングもやります。
会っただけで、この人は違うなとわかる何かがあること、それが自分をしっかりとつくっていったということでしょう。
今日は、単純なことからやっていきましょう。
よいとか、悪いとかではなく、しっかりと活動できている人の曲を聞いて、それに対して、自分がどこまで働きかけができるかということをやるのが一番早いと思います。
(「ミゼレレ」)
前半はクラシックのひびきの要素、後半はシャウトの要素が入った曲です。
日本のポップスの歌い手の場合、多くは両方とも、備えていないのです。
海外の歌い手は、およそ両方の要素をもっています。
日本人にそれがないのは、深い息や、それを支える体がないからです。音色とリズムとフレーズの欠如です。
邦楽ばかり聞いている人には、特殊な声に聞こえたかもしれませんが、アメリカ、ヨーロッパ、アフリカなどではよくある声です。中近東になってくると、ひびかせる度合いが大きくなってきます。それでもどこにでもある声で、標準に近いのです。最終的にこれと同じことが音色でできればよいのです。
まず、耳が慣れていないのです。それから、文字や、譜面にとらわれるのがよくないです。耳で聞いた通りとるところから始めるのが一番よいです。
かなりの発声の技術がないとついていけないでしょうから、だいたいでよいです。今、ここでやりたいことは、たった一ヶ所でもよいから、空間や時間を一回、自分の体で捉えてみて、それを動かすということはどういうことなのかを体験することです。歌というのは、それに当て込んで歌っていくのでは、ありません。声が流れてきて、それがことばになり、音楽になっていくというプロセスがどういうものなのかを感じてください。
リズムや音程、発音は聞こえた通りにやってみてください。声を直接、音楽に結びつけ、音楽のなかで声を捉えていくというふうにしてください。
この歌を勉強するのではなく、一つの手本としてこういうタッチがあるということです。
本当に勉強しなければいけないのは、自分のタッチとはどういうことかということです。
いろいろな人の見本や、発声を勉強するのではありません。それに対して、自分はどう出すのかということです。
まねるのが勉強になる場合もあります。しかし、似させている場合は、悪い影響を及ぼすことがあります。他人の感覚でとるようになってしまうのです。自分の感覚をつくることが大切です。
(「ミゼレレー
(ミレファミー)」)
自分の体やや心があって、そこから音が出てきて、最終的にその流れをとるということが大切です。表現としてとり出せるものを見つけて、そこに投げ出してください。音声の表現をとり出すということがどういうことなのかを他の人を通じて勉強してください。
先ほどいったように具体的に問題をつめていくのです。なぜダラダラしてしまって、表現がもたないのかというと、音しかとっていないからです。
頭で、それしか考えていないのです。だから、全身では、そこに入り切れない。
技術の部分は、正しい感覚やイメージがあってはじめて、3年くらいで補えられるのです。これがない人は、必死になって勉強しないと、補いようがないのです。そのために、ここにいろいろな材料をおいているのです。
他の人たちがどんなにできていても、自分のなかで知覚できて、感覚して、その後、どういうものをそこに築くかということです。音声も、体や息を伴っていないと、出せません。
それが人を動かすということで表現は成り立ちます。
そういう思考がしっかりとあり、舞台、ライブで、そのことが常に起こせなくてはいけません。
それを助けるのが技術であり、体力なのです。
まず、感覚を制御しなくてはいけません。一流の感覚に対して、ついていっていないということで、詰めていくのがレッスンです。感覚を磨いていくことは、レッスンのなかでやったことを、一人でやらなくてはなりません。
多くの原因は、そのことをやってもやれていないこととその自覚がないことです。
なんとなくうまくいっていないというのはわかっても、できる人とどこが違うのかわかっていないのです。結局、自分がまったくできていない自覚がないのです。つまり土俵に上がっていないのです。
声を出していればよいとか、音がとれていればよいのでは、ありません。
そこで何が起きているのかを問うていくのです。
声以外にも、もっと表現できる方法があるのです。それも考えていかないといけません。
感覚のなかで、自分の体や声をしっかりと知って、それの一番問えるところにもっていって表現することです。
そのために基本から、やらないといけません。自分で表現していかないと、こういうトレーニングがわからなくなります。
(「ミゼレレー
(ミレファミー)」)
こういうレッスンのなかで、他の人の感覚が捉えられたら一番よいことです。
そんなに変わらない体の条件をもっている人たちのなかで学ぶのも、有効です。
音楽ですから、1フレーズを一つで動かしているという意識がないと、いつまでたってもできません。その辺はスタンスと感覚の問題です。発声練習を繰り返していても何もなりません。そういうことをできるだけ早目に直していきましょう。
「ミ」のところで、もうフレーズが決まってしまっているのです。邪魔な音が入って、その人の表現が取り出せていないとしたら、そんなところでどんなに体を使ってみても、どんなにフレーズを伸ばしてみてもよくありません。しっかりと感覚をつくっておいて、呼吸を正してから入るのです。そういう世界を日頃、音のなかで読み込んでいくことをやっていかないとよくありません。
今日の課題は劇団などは、オーディションに使うような課題です。
そこに全部、実力が出てしまうのです。かなり最終的なものに近いものです。
プロセスがあるわけではなく、最終的なものを最初からつかめない人が、プロセスを立てるだけです。
何ホーンの音が出なければできないということではありません。
舞台であって、人に伝えるものがある以上、前に出さないといけません。
日本人の一番、欠けているところです。
上達する人は、自分に対するチェックの厳しさとそのことがどうわかっているかということが違います。
器用、不器用ということは、後でみると、あまり関係ないようです。時間が解決してくれます。
そのことがわかっていなければ、課題がしっかりとおちてこないのです。
自分が何をやっていて、どこが課題なのかを知ることです。
次のところをやってみましょう。
(「マケミステロ
(レミレ シ シー)」)
この音のなかに自分の世界をつくればよいのです。
ことばを置き換えてもよいのですが、歌の場合、音のイメージの置き換えからです。
自分がどう出したいのか自分の体や呼吸や意志と相談してください。
自分のもっているイメージのなかからつくっていかないといけません。
一曲の歌というのは、その繰り返しです。
たとえば、この歌手は息をかなり流して、ことばを一つに捉えているがために、ひびきが出てこない歌い方をしています。これも参考にしてやってみてください。
このメロディを与えられたときに、歌詞や曲に関係なく、どうもっていくかということを、自分のなかで会話していくことです。自分の好きな曲からでもよいです。
どんな音を与えられても、組み合わせは無限にあります。
しかし、平均律スケールのなかでできることは決まってます。
自分がこうやりたいと、すごい集中力が出せたときに、何かが出てきます。
一つにして捉えるということは、難しいことです。
たった一つ捉えるだけでも、とても大切なことなのです。
そのことを、まず条件として整えていくことです。
それは、その人のセンスや、その人に入っているリズムや音の感覚によって音楽になっていなくてはいけません。
そこが本来、最も根本的な練習です。まず音を出すことです。
そして、その音が音楽になっていること、それが同時にできるようにならないとダメです。
同時にできないから練習するわけです。いろいろな練習の仕方がありますが、一つにとって前に出していくことが前提です。
自分のなかで完結したらよくありません。発声にしても、そのようにして正していかないとダメなのです。フィードバックしながら伝えるものとは何なのか考えていくのです。声だけではなく、フレーズなのです。
「ミゼレレ」の「ミ」というときに集中していないとよくありません。自分のなかでとても高い集中状態をつくってみて、それで体が止まってしまったらよくないから、日頃からきちんと動かしておかなくてはいけません。かなり動かしておかないと対応できないのです。
フレーズのなかに自分のイメージができてきたら、そこでこう歌わなくては歌わなくてはいけないというのはありません。しかし、こう歌った方がよりよいという表現法は共通してあるのです。もちろんそれを知った上で裏切って出していけばよいのです。
この2フレーズのなかで、たとえば、私は2ヶ所くらい強調したい部分があります。
全部強調していっても伝わらないでしょう。
それを自分の感性で一つになったとか、前に出したとか、そこまでのところをとり出してはじめて、よいか悪いかが判断できるのです。
音楽的にゆだねられているかどうかは、自分の力だけでやっていてもできないことです。何も考えなくても声は出ます。そこに自分のイメージで何を伝えたいのか、伝えたいものが何かをはっきりとさせ、ヴォーカリストはそれを音に置き換える作業をしなくてはいけません。トランペッターやヴァイオリニストと同じです。
ヴォーカリストの場合は、それらの楽器ほど完全な技術がないと演奏できないということはなく、自分の力のなかで表現していきます。だからこそ、完全をめざし、それを集約してとり出さなくてはいけません。
それが偶然、起こるのでは、舞台は通用しません。
一瞬一瞬にパッと集中して出さなければいけません。
そういうことを彼らプロは3分で、どのように組み立てているかということを知ることです。そして、いろいろなことを勉強していることからも学びます。
私の経験でいうと、向こうではヴォーカリストは2つの要素をもっています。まず、声を中心で捉えるということ、それを前に突き出していくこと、そのときにシャウトやひびきとなります。
一つに捉えるだけでは動かずこもってしまうから、前に提示していかなくてはいけません。
その次に、すぐれた歌になるほど、流れにゆだねています。放すわけです。そのときにその人のリズム、音、ことばなどが出てきます。だから、音程やリズムやことばの練習よりも、先に声をしっかりと出して、それを変化させたものがことばやメロディになっているということです。
そういうトレーニングをいつもやってください。
大切なことは、一つに捉えるということです。これが一番、難しいのです。ひびかせることはそんなに難しくないのですが、捉え続け、それを前に出し、放すということが難しいのです。
歌のなかで歌ってはよくありません。歌というのは前に投げ、与えなくてはいけません。一つで捉え、体を使い、集中することです。教材をかえてやってみましょう。
ポップスも、クラシックも、おかしくなってきていますが、聞いているものを移しかえると、浅くなってしまうのでしょうか。生活自体のなかで息をあまり使わなくなっているのかもしれません。練り込みと表現を外に出すということの世界自体が足りないのです。では、フレーズに入っていきましょう。
「ミゼレレ」の「ミ」の音でしっかりと音にすることです。しっかりと集中して、イメージをつくっておかなくてはいけません。それから、これはいうまでもないことですが、4つにとらないことです。
ひびきだけで4つにとるのもよくありません。要は、「ミ」から入って、それと同じところで「ミゼレレー」というフレーズをつくるのです。-本の線で捉えて、それをどう置くかということです。
(「ミゼレレ
ミレファミ)」)
オーディションというのは、これだけで決められます。たとえばこれで500人から30人くらいを選べます。そこの感覚とその状態が体で用意できているかどうかがわかります。自分で自分を整えるやり方を、知っていなくてはいけません。
そこでの集中力がトレーニングで伸びる人と伸びない人の違いです。その基準の厳しさです。
声が出るのは誰でも出るのです。その声が出るということに対して、どういう基準をつけていくかということです。要は、使える声にすることとその声を使うことです。7割が集中力のところで負けています。入り切れていないし、そこに気持ちをもってこれていないのです。日頃、それだけの集中力で勉強していないということです。
4つの音、一つの線のフレーズになったときに途中で簡単に放してしまい、乱れてしまうのです。集中力がなくなってしまうのです。
音楽的な構成や歌い方を、問うているおけではありません。音がどのように音楽に変わっていくかということを考えたときに、少しでも何かが欠けていたら作品になるはずがありません。出だしで失敗を後でとり戻すのも難しいです。それは自分のなかで直していくしかないのです。まったく、体も息も使われていません。使おうとしたらそのときすでに遅いのです。
それは準備の段階として、できていなくてはいけないことです。それがしっかりとつかまえられている上で、フレーズのなかで強くしたり、作台ばしたりするときにおいつかないということであれば、それは時間が解決してくれます。
感覚に関しては、こんな程度で音楽になると思っているところがどこかにあるのでしょう。2年も3年もいて、それが直ってこないというのは、こういう理由しか考えられません。自分のなかでしっかりとフィードバックしていかないと最後まで直りません。どこかで甘くなってしまうのでしょう。役者に気構えで負けてしまうような気がします。
トレーニングをやったがために、それに慣れてしまい、甘い基準でいい加減なことをやってしまうのは、よくありません。やれていないのに長くいると、やった気になるのです。
トレーニングは年月とともに上達すると思っているかもしれませんが、そうではありません。最初は何もないから上達するのです。
途中からそのチェックを甘くしてしまうことによって、へたになっていきます。
ステージを見ていたらわかるでしょう。
長くいる多くの人より、初めての人の方がおもしろい。へただけどおもしろい。自分の寸法でないものを使って精一杯やっているからです。
舞台は声量の問題ではなく、空間も時間も動かなくてはいけません。だからその辺を、長くいる人は気をつけないとよくありません。しっかりと自分をつかむことと、今まで何をやってきたかということを常につかみなおさないと、過去にせっかく価値のあることをやっても全部、流れてしまいます。
しっかりとした価値をくみにいかないと二度ととりよせなくなります。
体も息も強くなるかもしれませんがそれだけでは、意味がない。そのときの気構えのようなものか、ある程度テクニックでカバーできるようになるくらいでは、却って、だめになります。1フレーズを動かすというのはそういうことです。
自分のものをしっかりと見極めていくことです。他の人に対する評価はできてくると思います。先ほどのフレーズが一つの表現です。これがあれば、次のところにつながっていきます。
ヴォイストレーニングというのは、一番よい状態のところを一番、動きやすいように動かしていきます。
最初は体の原理と反します。でもそれが一つでも二つでもつかまえるようになったら、あとは体と気力でキープし深めることになってきます。
投げ出すことをしっかりとやって、そのなかでまとめていくことです。それが最終的にフレーズの形をとります。
(「ミゼレレ
(ミレファミー)」)
音を聞いたときに感覚した速さとか、スピードでやってみてください。1のクラスが0.5秒で入っているところを上のクラスは0.1秒くらいで入っているのかもしれません。日本の歌い手は、最初のダッシュで100キロ出すのを30キロくらいで出しているようなものです。
観客に追いこされてしまいます。その辺は、ポップスの場合、厳しいです。
感覚の問題なので何ともいえないのですが、「ンミー」と入ってしまうことで「ぜ」でひらいてしまいます。
あごが出たり、口のなかが働いたりしています。「レレ」のところがもっと悪いです。ポジションが変わっています。ことばをはずしてやってみましょう。
音が分かれたり、音質が変わらないようにしましょう。「ミー」の線をずっと、伸ばすような感じです。
「ミ」のふみこみで「ミーゼ」までいく。「ゼーレ」もそれの繰り返しです。アタックする音というより、打ったあとの音が伸びなくてはいけないのに、どうしても「ミゼレレ」とやってしまうのです。
置くところがまったく逆なのです。それが基本に入っていて、前にアクセントを置くならまだよいのですが。キイを変えながらやってみましょう。他の人と合わせると4つに分散されてしまいますから、自分なりにやってください。
(「ミゼレレ
(ミレファミー)」)
特に気をつけるのは、のどにあてないことです。上にあててもひびかせてもよいでしょう。そのときは「レレ」に「ミゼ」を入れていくという感覚でやった方がよいでしょう。「レレ」を変えないようにします。感覚的な問題としては、つくろうとしないことです。
単純に動けるように自由度を確保しておくことです。声で出そうとすると押さえつけられてしまいます。シャウトなどは助かしたりするために一つに捉えて、そこに入り込んでいくことで、音程やメロディよりも、その動き方の強弱をつけていきます。
ビブラートというよりは、バイブレーションのようなものです。1フレーズで終わるのではなく、2フレーズで壁なるくらいで考えてみれば、フレーズになっていきます。そのあとのフレーズに入りましょう。日本人にとってはこの方が難しいでしょう。
(「マケ ミステロ エ ラミヤビータ
(レミレシシ レミレララ)」)
シャウトの簡単な練習は、ことばでいってみればよいのです。強めたいところを楽識から判断するのではなくて、自分の感覚の方から判断して、そこで入れていくことです。
自分でつくることです。応用力や本当の力というのは、楽譜で左右されるわけではありません。その一つひとつの動きに敏感になれば、使える声、使えない声、というのがもっとはっきりしてくるはずです。要は自分でコントロールできていないのです。
飾りやつくって声を出すことも、歌によっては構わないと思います。でも、それを戻せなければ、声や歌の状態は悪くなります。集中して歌うほど、2番以降でもたなくなります。そういうときはプロセスを逆に踏んでもらった方がよいと思うのです。全部、薄めて一曲もたせても勉強にはなりません。
だから、そこの部分をアカペラで歌うときには勉強になると思います。
マイクをつけると、音楽的な音の流れの方に先に耳がいってしまって、それに、合わせてつくろうとしてしまうのです。もっと体の感覚や息のところで、体の原理として、より完全につくっておくことです。それが、トレーニングの目的です。
歌になったらそれを、いちいちつかまえていられません。声の最初からつかまえていないといけません。歌のなかでは、音楽やスタイルの方を考えなくてはいけないからです。
しっかりとしていないと、踏み込めなくなってきます。年齢や体力の弱まりとともに、違うことを覚えていってしまいます。共通するものがどんな時代でもあるのに、今、皆さんにやって欲しいことはそこです。
声としてしっかりと一つにつかんで、それを前に出します。そのときに体を忘れてはいけません。そこが難しいのですが、ぎりぎりのところをとっていくのです。正解というのは、本当にぎりぎりで、100個くらいのなかに1個しか正解がありません。それを見極めたらそのなかの一つをとっていくというくらい大変なものです。どこかで妥協すると、そこでできあがってしまい、それ以上、進まなくなってしまうのです。だから一つひとつの音に対してとぎすませていかないといけません。
曲のレパートリーが増えるにしたがって雑になっていく人も多いのですが、そのときこそ、音を転がしていくとは、歌とはどういうことなのか、体を使うこととはどういうことなのかをもう一度考えてみてください。鍛えられているときは、一時、自由になりますが、スポーツと同じで、休むとうまく働かなくなります。それをもとに戻せるためにどのようにしたらよいかというトレーニングをしていかなくてはいけません。それから、どうもたせるかということも覚えていかなくてはいけない場合もあります。
とにかく、あとで発展しないような、ひびきやシャウトをつくらないことです。上の妨げになります。力だけで出すものも弊害がでてきます。感覚がより鋭いところに力が御されるべきです。音楽がイメージで流れていると歌い出せるのと同じで、声も流れてフレーズもどこかで見えていて、それに、新しい変化をつけるためにいつも練習しましょう。そのうちかたまってくるので、それを、また壊すということが続きます。
いろいろな歌い手がいますから参考にすればよいのです。合わせることに頭がいかないことです。この歌で自分が表現したいものを出すために自分がどう変わればよいのか、とかいうことを考えればよいのです。作詞、作曲者の意図もできる限りくみとってやる。妥協せず、出せるものをきちんと凝縮していって、一つのものにしていくという作業を進めてください。一曲の歌をやるのには手間ひまがかかります。
そのことを、楽しめないと続かないと思います。
ステージ実習のなかでも、歌のなかで歌う人が多いのです。それは、歌のなかで負けてしまうのです。ステージですから歌わなくでも、もちます。そういうことでいうと、伝わらない歌を歌っても仕方ありません。一つにして投げるという感覚で曲を大きく捉えていきます。今のレベルではかなり大変なことです。だから、甘くならないようチェックできるのです。厳しい基準をもっていて、しっかりとチェックしていかないと、すぐれたところを消してしまうのです。絶対的によいものという基準で見ていかないと、いくらでも甘くなります。
一年の練習のなかで何回かよいところは出てくるはずですから、それをたたき込んでおくことです。そのことが、5年たってでも、確実にとり出せるようになれば大きな進歩だと思います。
それを出すために邪魔しているものをまず除きます。
何もなくなったところから、何が出てくるのかをみましょう。
一曲歌えたら他の曲に対しても基準がついてくると思います。
とりあえず、声から表現していく、音楽に結びつけていくという部分が必要です。
それが、一番大切だと思います。
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(「ミゼレレ」)
ステージ実習でいった通り、目的として、声を一つで捉えること、前に出すということ、ゆだねるということです。声があって、その線が変化していて、それが変化としてメロディの形をとっているという感じです。この形やイメージをなくしてください。ドシレドという音程の差を考えない。歌を出さなくてはいけない。だから、歌のなかで歌っていたら、バラバラになっていきます。
(「ミゼレレ
(ミレファミ)」)
体の条件ができていない場合はしかたないのですが、感覚はどこかで直さないといけません。声を押し込むようにやってはいけません。考え方も、感覚もまったく違います。試みて失敗するのはよいのですがわかっていくことです。
集中力と同じで、先ほどのヴォーカルとどこが違うのか自分でわからないといけません。ほとんどの場合、声のせいではないのです。そこに対する集中力や、パッともってこれる力です。声の力は助けてくれます。
日本語というのは、ていねいにやりすぎるのです。
次の「マケミステロ」というのを「マ ケ ミ ス テ ロ」と頭で認識してしまう。外国人は「ケ」のあたりを強めるだけであとは何をいっているのかよく聞こえません。動きがしっかりとできていたら、それでよい、という考え方です。昔語が違うというより、音の処理の仕方の構造と使い方が違うのです。
2つフレーズがあれば、音楽です。新井英一さんは、組み合わせとしての完成がないのです。一つずつフレーズをつくっていきます。おかしくはないのですが、部分的な変化はあっても、普通基本の線が走っているものです。途中でつっかかったり、途中でやめてしまうのが多いのが、日本の歌の特色です。語尾までキープできないのです。
(「マケミステロ エラミャヴィータ
(レミレシシ レミレララ)」)
感覚の問題が大きいです。ほとんどの人は全部流れています。全体がダメなのではなく、はじめの一点のところからダメなのです。そこで音をしっかりとつかめていません。
本人たちが入り込めていないのに、聞いている側が入り込めるはずがありません。一つでも二つでも、しっかりと入れることです。そこに息と呼吸をなるだけしっかりととっていく。声がかすれてもよいから、息の流れをとるわけです。アナウンサーのように点でとってはいけません。
出すときは流れを一回集約して、ある点に対してぶつけます。自分の動きとイメージが、その前にあって、ぶつけるという感覚です。呼吸にしてもすぐ入れるものではありません。人によって呼吸は決まっているのです。そうしたら、それに対して、用意していないと出られません。
それから、先ほどいったようにしっかりと踏み込むことです。線にするとは、そういうことです。「マ」と「ケ」くらいで一つに捉えます。息のなかだと一つになるのです。何かを捉えようとしたら、どこかに力を入れるというより、気を入れないとよくありません。自分の体と心が一致して、使われるものを感じておくことです。
それで入らなければ、「ハイ」と、おいて入ることです。
クラシックと違ってポピュラーは、上にひびかせず、そのままのポジションでもっていく場合が多いです。いろいろな自由度があります。それは私には決められません。自分で決めていくことです。ただ、「マーケーミ ステーロー」というような直線的なのはよくありません。ボーノはもっと単純にやっています。ただし、皆さんがこの音色でやるとのどを壊します。もっと深いところでやっていますし、体の力を相当、使って突き放してやっています。
(「マケミステロ エラミャヴィータ
(レミレシシ レミレララ)」)
「マケミステロ」に対し、「エラミャヴィータ」をどうおいていくかを考えてもらってよいのですが、「マケミステロ」はあまりもっていないです。そこで集中できていないのです。そこで歌が始まるか始まらないかです。そこで終わってしまったらよくありません。これが続いてほしいと、聞き手に思わせることです。
「マケーミステーロー」と、きれいにまとめて、着地したって何も出てこないのです。目的はこの線をきちんとつなげることにあるのではないのです。歌というのは、歌を一つに捉えて飛んでこないといけないのです。要は見えないところで何をするかということです。ほとんどの場合、こういう鋭い入り方をした後で、一回もぐらせたり、放したりして見えなくします。
それから、全部を急いで歌ってしまったら、聞き手がコミュニケーションする間もないし、感じる間もないのです。全部を声で展開する方法もありますが、このなかでも自由になるというところを、とっておかなくてはいけないのです。「マ」と「ケ」を分けないで「マケ」で一つにとらえてください。それを音にすればよいだけです。
(「マケミステロ エラミャヴィータ
(レミレシシ レミレララ)」)
声を一つで捉えて出すのですが、のどに負担をかけたりすると、そこで止まってしまいます。自分のイメージがあったら、どう出てもよいのです。それと相談して音の世界を決めていくのです。たくさんの音のバターンをもっていたら、いろいろな展開をします。だから、なるだけ単純にして、その可能性は多くしておくことです。
「マケ」から「ミステロ」までに何秒、感じられるか、どれだけの動きの可能性を自分でつなげるかということを、体を通じて感覚的にフィードバックしていくことです。
それも面倒くさい人は、「マケミステロ」で一つというふうに捉えていってもよいです。
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【「ミゼレレ」②③】
(「ミゼレレー マケミステロ
(ミレファミ レミレシシ」)
まず、自分がやったことが何なのかわかっていないといけない。
グループでやると、判断力はつくはずです。判断力は大切なことです。その世界が見えてくることです。
これがきちんとできていくと、体というのがわかってきます。そこで、自分の表現をきちんととり出すこと、そして自分のやったフレーズのなかで、確認していくこと。これを聞き手の耳で判断しなくてはいけない。つき放した自分を評価するのです。
そのことが同時にできていないといけない。1フレーズのなかで、ここが音楽になっているとかどこがなっていないのか全てわかることです。
一番困るのは、声が出ていれば完璧だというふうになってしまうことです。そういう基準ではよくありません。ポップスではのどにかかったら悪いということはないのです。くり返しできなくてはいけないくらいで、まずその1フレーズの完全さというのを表現としてきちんとする。フレーズのなかには100も200も変化があります。
それの一番、芯となるところをとり出して、そのために他のところが若干、犠牲になっても、1つのフレーズとして、そこまではお客さんに見えません。それを拡大してみたら歌になります。
歌が3分間でそれだけのものを与えたり、伝えるということは、芝居の90分ぶん3分でやっているわけですから、その3分のなかで同じだけのことが働いていないといけないのです。それによって、構成ができてきたり、展開が出てきたり、別の解釈も出てくるのです。
ステージでは総合力が問われますから、練習で、その基準の一番、厳しいところに設定しないといけない。どの音域にするかわからなくて、今まで何をやってきたのかということです。
こういうフレーズは、今までいくらでも使っているでしょう。なぜそれを、今日の状態で一番よいものとしてとり出すということができないのか。過去の体験を活かしていないからです。まったくやってきたことを反省していない。それでは、今日が初日です。
テキストに書いたと思いますが、具体的なトレーニングというのはめんどうなものです。そんなことを考えないで自由にやりたいし、その方が気持ちいいし、声が出るような気がする。でもそこで、とどまってやらない以上、その問題は永久に解決しないのです。
いろいろなことができているように思えて、一番大切なことが欠けると、個性や才能も出てこない。バンドや歌曲になると、もっとアラがみえなくなります。最初こそ耳で聞いて判断しながら、自分の体や心の感覚でどう伝わっていくのかわかっていかないといけない。
ステージ実習で注意したことは、力のところで歌うのでは、それはまだ音楽ではないということです。それが流れ出したところに委ねていかないと、自分の力だけでやってもよくありません。それは武道と同じで、力があれば破壊力になるのですが、本当の破壊力ではない。もっとも合理的な使い方によって破壊力が出てくる。それは、萎ねないといけないのです。
（「ミゼレレ」)
よい声の人が日本にもたくさんいますが、なぜおもしろくないのか、芸にならないのかを考えてみればよいと思います。よい声をもっている人は、その分、そこに負ってしまうところが多くなって、もってしまうので他のことを考えられなくなってしまう。逆に、こんな声でなぜ人をひきつけるのかという人は、やはり、声だけに頼らない表現へ近づく作業をやっているのです。音をつくるというのは、そういうことでしょう。
今のような歌い方を未完成のときにやっていたら、私は止めます。そのことを他の人よりも深くつきつめれば、いろいろな可能性が出てきます。それをダメにしているのが日本の音楽や歌に対する考え方です。気持ち加減、いい加減それは、私はとりたくない。
だから、自分で自分のことを責任をもって考えればよいのです。自分が一番、自分を知っていなくてはいけない。でも、知らないものです。本当の自分とかいうややこしいことを考えなくてもよいですから、表現したときに人に対してどういうアピールする自分をつくるかということを、明確にイメージしていかないといけない。イメージしない以上、動かないのです。
この間、ある先生が「頭は足の上についているんだだからフットワークを軽くしなければいけない。手足が動かないと行動できない。それは頭が命令する。だから脳だけが自分に客観的になれる。その立場をきちんともつことである。」ということを話していました。「それとともに、イメージが明確にならないと行動できない。それを明確にしていくことに努力すべきだ。」とおっしゃっていました。
(「ミゼレレ マケミステロ エラミャビータ」
(ミレファミ レミレシシー レミレララー))
他の人のを聞いて、厳しく評価していくと、自分にも少しは厳しくなっていくものです。今のはそんなに悪くはないのですが、結局ひきしめが足りません。ここではじめて、声を出しながらいろいろなものを感じたり、感じたことを声につめてみて、それが声のなかの音色になってきたり、変化になってくるのですから、じっくりと聞き込んでください。
クラシックをやるより、ある意味では難しいです。判断も、選ぶのも難しい。何をやってもよいからです。そうなると、自分のイメージや意志というものが大切になる。違う意味での音楽の勉強をもっと深めておかないと、そこの選択ができません。
1.曲を歌うという形から入るのはよくないです。そうではなく、今の時期の練習というのは、密室のあるものとしてこの1フレーズのなかで同じること、実から完成させることです。歌う歌うとき、1曲のなかで2、3ヶ所でよいから、これと同じだけのひきしめ方ができるようなヶ所をそこに入れられるかどうかです。それができたら、私の評価は高くなると思います。皆、一所懸命、歌うだけで終わって、何も感じず何も伝えようとしていない。歌の使い方を間違っているのです。体の使い方や息の吐き方をみせるために歌うのではないでしょう。
私は日本では音大生や声楽家もほとんどがおかしなことをやっていると思います。もちろんしっかりやっている人は、しっかりやっています。そういうことを感じられない人が多すぎる。ということは、普通、それでは食べられなくてやめるのに、やっていけてしまう。だから、やめないでやっている人の集まりです。
どうしたいのかということは、その人の意志になってきます。表現力が一緒になったところで、はじめて長く伸ばしたり歌にしたりできるのです。それがない人が型だけをとってまねしてみても、何ができるのでしょう。それを聞いて、皆うなづくのは、お客さんも薄まったものをみたがるからです。それは、その人たちの生き方ですからしかたないのですが、たった1回の人生ですからしっかりとしたことをやった方がよいと思います。
生涯で一曲歌えたらよいでしょう。それは一曲やればよいということではなく、その曲に出会うために何万曲もやるべきなのです。フレーズも同じで1つのフレーズをもてればよいのではないでしょうか。それを応用できれば伝わるのです。そこからが一歩です。応用できなくてもそれで幸せなことではないかと思います。
最初に歌や楽譜があったわけではないのです。そこに戻ってやれば、そんなに間違わないはずです。自分の可能性が大きくなるように思います。そこに可能性が感じられるものを選んでいかなければいけないのです。できあがっていて、すぐ評価されてしまうものなどふっとんでしまうものでありたい。絶対ふっとばないものを、未完成でもプロセスでもよいから、続けてやっていくことだと思います。そうすると、何年やっても課題は尽きません。
お客さんが入るように、お客さんの要求に答えるというの確かに必要ですが、どこか、ひきしめる場所がないと、妥協してやっていたら忘れられていきます。日本での表現活動は、9割がコミュニケーション、それでも、たった1割は、何か置いていくという覚悟でやっています。9割おくと、お客さんをおいていくことになります。そのへんをどういうふうに考えていくかということです。わからないから客が悪い、というのは、また別の問題です。しかし、この国では難しい問題だと思います。
初心者はたくさんのことをやった方がよいのですが、上級者になってきたら、1回のときに出せるか出せないかで、そのレッスンが決まってしまう。あとは自分でやればよいのです。他の人の声を聞いて、勉強になるという部分もあるので、またもう一回くらいとりあげて、練り込んでいくことです。気力や集中力というものが、厳しく問われるものです。
ヴォイストレーニングというのは、プロレスラーの体に変えようと思うような感覚から入った方が早いのではないかという気がします。一つひとつの条件ができていないときには全部、体の問題におりてくるのです。その限界を踏まえているところまでいったところで、今度は次のところへいく。でも、その体がなければそれを変えるか使い切るか、どちらかしかないのです。
変えられるものは、変えるところまで変える。あるものに対しては、使い切っていく。皆まだまだ余裕がありすぎるのです。1フレーズのあとでも何十曲も歌えそうな余裕があるような練習をしてはよくありません。60分の体力を5分で徹底して使い、1曲終わったら放心するくらいでないと前に何も出ません。クラシックでもきちんと歌っている人はそうでしょう。それをどんどん甘くしてしまうからいけないのです。
力があれば感じて、それを入れて取り出すというプロセスを歌のなかでできるはずです。でも歌ったときに私が感じられないということは、歌い手にも感じられていないか、感じてこなかったのかもしれない。感じてきたことが、そこでできなかったのなら反省すればよいのですが、そこが目的になっていないと意味をなしません。一番大切なのは、音のなかで会話して、自分の音を出して、それを伝えるということです。
クラシック(声楽)とポップスの違いを話します。基本的には、私のなかではジャンルによる区別はなく同じです。よい声のためには、栄養をきちんととって、たくさん眠ることが欠かせません。声を育てることは、クラシックでは至上命令になるわけです。たとえば、テノールにはテノールの声質がある。答えがあるとはいいませんが、求められているものがある。それに近い先天的な性質をもっていることが、有利であるということは否めないです。
そしてやっていくため、コンクールで優勝しなくてはいけない。
日本の場合、特にそういうものがないと、お客さんが集まらない。
ところが、ポップスは徹底して人間を疎外したような生活のなかでも、何が生まれるかということです。本質は革命です。だから、よい子などから生まれてくるはずがありません。でもだからといって、性格が変わるわけではない。自分の武器をきちんと見つめていかなくてはいけないのです。このことが、ほとんどすべてにかかってくるのです。
ここでも、今まで聞いた音楽や、今聞いている音楽、それから自分がよいと思う声は何かということを書かせます。それが未..来のイメージになるわけです。これを徹底してビシッとやっていくことが大切です。そうでないと、自分の表現もみえてきません。ポップスの場合、自分が決めていかなくてはいけないのです。こういうことに対して甘いのではないかという気がします。
歌をつかまえ、出していく音楽にするときに、ゆだねます。この3つのプロセスが大切です。何をつかまえるのかというと、声の芯、深さ(呼吸)、フレーズです。それを、毎回きちんとチェックしないといけません。一番いけないのは、ダラダラとなってしまうことでダラダラとなるということは、基準が甘いのです。歌声というものがあるのではなく、声がありこれがメロディになる。ポップスでは音色とリズムがあれば、歌になります。何もことばもメロディもなくてもよい。
自分でできることは自分でしなくてはいけません。レッスンにきた時は、自分でやれないことをやるか自分でやることを、こういうところでどうやるのかということをやり、場として、最高に使っていかなくてはいけない。自分でやれることを精一杯やっておかないと、その条件を自分で引き受けられないのです。
そこに教えるということは成り立ちません。自分でやるのは、ここで気づいたことをきちんと具体的にしていかなくてはいけない。
1フレーズか2フレーズぐらいしかできませんが、そのフレーズでもう決まってしまうのです。そのときに自分がわかっていないと、一番よいところで出せないのです。
一曲歌うのは別として、このフレーズが作品だとしたら、どの長さにしてどの音をとるのか、自分の体を知っていたら表現したいものがわかっていたら、できます。そういう練り込みを毎日していたら、こういうところに出たときに判断できるようになります。その判断を人に委ねてはよくありません。
この1フレーズが歌なのです。それを何フレーズかオンしていって1コーラスできていきます。人間のコントロールや力は、それくらいで限界です。ボクシングと同じく3分間は見る方より歌う方の条件なのです。1フレーズだからといって、歌の部分的なことをやっているわけではないのです。ここで創り得ないと、次のところに進めないのです。できる人とできない人の違いは、そこをどれだけ厳しく見れているかということです。
1フレーズを完全にするために、何が足りないか考えてみればよいでしょう。それを自分なりに一つでやってみて、まったくだめだったら他の人のを聞いてみればよい。自分でやって、ほとんどの人が自分で何をやれたかわかっていないわけです。それが完全なものであれば皆すごいと思うはずです。
そのことをもっと煮つめてフレーズにしたときに何が起こるのか。歌の基準もヴォイストレーニングの基準も同じです。歌の方がいろいろな逃げ方がある分、間違えやすいのです。目的を考えて欲しいのです。人に伝えるためのものですから、このフレーズがきちんとできたときに、自分はどのように感じていて、人をどのように感じさせたいのか。そういう対話をしているか、またそういうことのために音楽を使うことを考えているかです。お客さんは、声なんて聞いていないのです。
それから、ポップスの声というのは、未完成のときは認められないのです。しかし、それを飛び越えたところにできてくるものです。その人が、それに執着する理由が声にはるのです。それに対して、体の原理がむしろ、ついてくるのです。人間の意志の力というのは、とても大きなもので、体の原理さえも従えてしまうのです。
そういうことを自分のなかでみることです。自分のなかで対話をし、それに対してメニューをつくるということができていないのです。フィードバックをきちんとやらないとよくありません。20才から歌を始めたとしても、表現してきた歴史というものは必ずあるはずです。そういった過去を知り、きちんと組み上げていく。才能がないから今やれていないのではなくて、今やれている人たちの100分の1もやっていないからできないのはあたりまえです。やってきたことさえ忘れ、とり出そうとしていないのですから。
ここに入ったときからできたかできていないかということを毎回、自分に問うていってください。喪現というのは子供がやってもできるくらい、いろいろな表現があります。その部分で、音と対話してきて、作ってきたか作ってきていないか。そしたら、自分に何もないわけがない。いろいろなものがある。でもその一つでさえ自分ではなにもわからないのです。これまでの全生涯(半生)で得た感覚を総動員して勝負をしていくのです。
人に見つけてもらうのではなく、自分で決めないと仕方ありません。それをきちんと見極め、伸ばしていくことが必要です。それは一人の人間のなかでやっていくことですから、自分のなかでだけ完成して芸術的だと思っていても、意味がないのです。認めさせる力とは何なのか、認めさせる人は何をやっているのかということを、そうした人から学べばよいのです。
だからこういう場をつくっているわけです。入ったばかりの人にていねいに教え与えないのは、直感を磨かないとやっていけないということです。直観というのは、自分がやらないと得られません。自分が失敗して、どんどん痛い目にあったりして気づかないと生まれません。
勉強できる人、できない人の違いは、ほんの少し気づいたこと関心をもったことをどのくらいねばってものにするかというだけです。いろいろなことに関心をもつ人は多いでしょう。でも、「いつものことだから」といって放り投げてしまいませんか。それは自分を放り投げることと同じです。そこに、自分の心が働いたわけですから。
直観というのは、心意気のような形をとるものです。トレーニングでいうと、後で大きくなってくる可能性があるということ、これを信じられるかどうかですね。選べるというより選ばされるというふうになってきます。
舞台では生き方ではなく、そこで出されたものがすべてになってきます。判断基準の甘さは最初の出だしの一声で決まる。そして、どこまでその意志をもっているのかもわかります。それを厳しくもつということは、とても大切なことですが、それは自分の作品に対する責任です。他の分野でも、すべて同じだと思います。
全てを主体的に考え、まわりのものを使いこなして欲しい。ポップスの自由度はとても大きなものです。他の人が、その声が正しいとかいうことはいえません。まず、自分が見つけないといけません。こう出したいというところでうまく働かないとき何らかに助けられたり、他の人の経験が生かされるのです。
ポップスでかたくなになり間違えてしまうと、声楽と同じやり方でも、クラシックの人にさえかなわないです。声をやっていくのではなく、声を媒介にやっていくのです。そこをきちんとやっていく人は、ひきしめられたものが出てくるので、まわりもわかると思います。
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Q.2週間後にライブがあるので、それまでに声を調整したい。
A.強化鍛錬をやめて、調整に専念しましょう。7割くらいの声の使用量にしましょう。
バンドでステージをやると考えたときに、どちらをとるかということです。
振り絞って声を出してみて、それでもつのなら問題ない。お客さんだって、ヴォーカリストの声だけでなく、総合的に聞いているから、歌っている雰囲気と、まわりの音を聞いて盛り上がっていたら、歌はそれで、もちます。
ライブの練習とヴォイストレーニングというのは両立すべきものです。しかし、ライブの場そのものが必ずしも歌のうまさや音声の表現の上に成り立っていない。
だから、研究所のなかに、それに見合う発表の場をおいているのです。
ライブというのはアウトプットですから、自分にある力しか出せません。
そこで足りないからトレーニングをするので、ライブばかりやっていても伸びないのです。
ライブに向けて声が出ないなら、バンドやお客さんのことを考えて、トータルでやっていくしかありません。
音響的にカバーできることもあります。
出ない声があるときに、ライブをやるということはおかしいことだと思いますが。
人前に出るということは、それだけリスキーなことです。一回見たときのイメージで決められてしまう。
責任も伴います。
それから、MCについては、あなたがどういうキャラクターを演出するかということでしょう。
仲間うちか一般のお客さんかで話すべきでないことも出てきます。
バンドのメンバーを引き立てることなどで何とかなると思います。
お客さんと会話するのは、もっと大切になりますね。誠実にやれば誠実さは出てくるでしょう。
喜んでもらえるかどうかは別です。
それより、自分たちが何をやりたいのかを示すことで、お客さんに何かを持ち帰ってもらうことです。
やれるなかで一所懸命やるだけです。ステージとして成功させないとお客さんに失礼です。
原稿を書いていくのもよいかもしれません。
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【「そして今は」】
ベースの部分は楽器づくりの部分、次に調律の部分です。メロディ、ことば、音の長さ、フレージングの部分をコントロールするというのは、音楽を聞いたときに、自分はこうしたいとか構想を練る部分で、もっとも音楽的なところです。今は楽器づくりのところをやっています。
こういう場でやらなくてはいけないことは、自分たちでできないところで利用してもらいたいです。
オリジナルの声というのは、一つの音をきちんとつかむことです。ここで音色を確認します。音楽はここではスタートしない。正しく音程をとれということでなく、それを忘れて、正しく音色をつくる。一番目の音色と展開、それはコードに対して感情や体をどのように働かせるかということです。
オリジナルな声をオリジナルなフレーズで展開することが基本中の基本です。
自分の一番出せるキィで、一番表現したいところを出してください。
(「ララーラララーラ」
(ドミードミファー))
そこで音程がみえてしまうのは複雑にしているからです。なるだけ表現する前にシンプルにしておくことです。歌というのはいろいろな細工が入ってきますが、トレーニングはそこまでやらないことです。バンドなどにアレンジするときに変えていけばよいのです。これは解釈であり、表現形態になる。トレーニングでは、そこまでに声をつけ、思いや体を通わせることをあたりまえにしておくことです。
だから、なるべくシンプルに捉えることです。一つの感覚で単純に「あれ、できちゃったの」というくらいでよいのです。
それがうまくいかないときは、そのもう一つ前に戻らなくてはいけません。演奏という勉強から、いろいろなものをつくるのですが、それより大きく出せないと通用しないのです。それを歌った人の裏をとらなくてはいけない。つぶやくように歌っているとしても、その奥には大きな世界がある。もっとメリハリをつけ大きなイメージがあってはじめて、そういう歌い方が通用するのです。
必ず勉強するときはその人の内を読み込む。その人のもっと後ろを読むことです。ちょっとした変化の部分を大きく捉える。練習のときはそのイメージ通りに大きくやればよいのです。本番になったら、それを忘れて、伝えようとするとき、それがどこかに残っていればよいのです。
試合のところばかり練習してはいけないというのは、いろいろなクセがついてしまったり、小さくまとまってしまうからです。シンプルにやらなくてはいけないのですが、そのなかで体が大きく使われていることで、心や感覚が入ってくる。だから、「ハイ」のように短すぎることばだと難しいと思います。次はイメージを働きやすくするため、もう少し長いフレーズをやってみましょう。
(「今僕は どうすりゃいい 君はいない ただひとり」
(ドミー ドミー ファーミ ドレ ミレドレミ))
ヴォーカリストは基本的に自分で作詞作曲をやるくらいに思っておけばよいのです。こういう材料を与えられたときに、もう一度、組み替えて、一人ひとり全部違う世界をつくるのです。それから自分の呼吸や体、音色を知っていて、これをどういうテンポ、キィでやるかを決め、声でアレンジしていくのです。自分はどうやれば一番よいのかということを知っていくことです。歌を歌えるようになることを学ぶのではなく、こういうものを通じて自分がどういう音色、テンポ、キィでやったときに一つのことが伝えられるかということを徹底して勉強するのです。楽譜があって歌があるわけではありません。自分でイマジネーションをふくらませることです。なぜこれが音楽になるのか、なぜこの歌い手はこの音の運びを選んだのかをつきつめていきます。
常にヴォーカリストがやっていくということは、創造的な活動です。自分でどんどんアイデアを出していって変えていかなくてはいけない。そうでないと、誰かの歌をそのまま歌ったようになってしまいます。何をやってもよいのですが、自分のものを見つけ、向こうの世界に入るのではなく足元にもってきてつくり上げることです。足をすくわれてしまってまねだけしている人が多いから、おかしくなってしまうのです。日本のお客さんはそれを許し、他の国では、それを許さないです。そのへんを自分で創ることを惜しまないように。
さきのフレーズ回しでは、声を出して音をとっているだけです。最初に前提がないのです。どんなものを与えられても、それをしっかりと受けとめることです。それを棒読みしても仕方ありません。何かを絞り込み、展開してつくらないといけないのです。そこで何も起きないなら、ことばでいった方がよほど通用します。
ポップスのヴォーカリストは発声とか歌い方に頼ることをあまり考えない方がよいといえます。伝えたいことを前に吐き出さないといけない。そのために体を使わないといけない。一番悪いのは、皆の心がまったく動いていないことです。そんな固い心だと、音楽が生じないです。歌のなかに逃げてはいけません。ある程度つき離して前に出していくことは、絶対的な条件です。
(「今僕は どうすりゃいい 君はいない ただひとり」
(ドミー ドミファーミ ドーレー ミレドーレーミー))
これで4度です。ここでは、1、2年で半オクターヴで歌えたらよいといっています。しかも4フレーズでよいといっています。これができないと、先に進まないのです。このなかで勉強できることは、歌の7割にもあたるのです。
歌になると、また別のニュアンス、力を抜くとか、情緒に働きかけるとかいう動きが出てきます。
出せるだけ出したら、その動きを捉えていけばよいので、実際にあまり考えたり計算したり、準備をする必要はないのです。あとはそれを練り込んでいけばよい。
今一番やるべきことは、時間と空間をどのように動かしていくかということです。私が話すときも、間(空間)をつくってそこに何かを渡していくわけで、それを意識しないでダラダラ続けると、他の人たちは入ってこれないです。どんなにきれいにつくってみても、働きかけないです。そのときに呼吸や体の動かし方が、とても大切になります。
それから、場をきちんと捉えて、そのことが伝わるような呼吸をとることです。
自分のなかできちんとはかることです。時間をとれということではなく、自分でそれに入っていくことです。もう一つは、構成です。ほとんどの日本人は、ひらがなで考えますから「いまーぼくはー」で二つで均等に山にしてとっていくのです。歌というのは、それをどのように裏切っていくか、どう動かしていくかということです。
「今僕は」でつめてもよいし「今僕はどうすりゃ」でつめてもよい。それはその人の呼吸と感覚になってきます。ある意味でいうと、リズムです。工夫や計算というより、自分がその音にどのように反応するかというところで変えていかなくてはいけない。それが一つのセンスになってきます。その人のリズムやテンポというものがあります。それを人のものを借りないことです。矛盾してくるし、おかしなところがみえるのです。
自分で何回も何回も読み込んでください。セリフでいうと、皆もわかると思います。音楽になると、もっと許されてきます。
自分のなかで伝えるという意志をもち、くれぐれも急ぎすぎないことです。だからといって、ゆっくりやっても伝わりません。ある種の切れやテンポや速さというのは必要です。より自分がよいと思う人と、自分がどう違うのかを考えてみてください。こういうものは、自由にやって、出たものがよければよいのです。
(「今僕は どうすりゃいい 君はいない ただ一人」
(ドミー ドミファーミ ドレ ミレドレミ))
レッスンとしては、声を出すトレーニングは日頃やって、ここにきたらそれなりにまとまった作品として出していくことです。歌い上げればよいということでも技術を見せればよいということでもありません。そういうものはむしろ、隠れていた方がよいのです。だから、シンプルにしなくてはいけない。伝えられる最低限の力で、最大に相手に伝える。あまり複雑にとらないことです。
計算も必要で、コミュニケーションもはからなくてはいけません。しかし、歌詞の内容を考えていたら、テンポやリズムが遅れてしまいます。音楽の世界のベースのことは、体に入っていないといけないのです。音感や音程が問題になるようではいけないのです。それは慣れていくしかありません。でも、それを1割として、残りの9割は創作活動の方に時間をとるために、基本があるのです。
自分のなかに何パターンもあるようで、ギリギリで出せば一つくらいしかないのです。本当に自分が表現できることは、音や体をもっていて、感情を出そうとしても、音楽として通用するところになれば、そんなに何パターンもあるわけではない。それが条件的に足りないから、より体を強くしてカバーしていかなくてはいけない。それのくり返しです。どこまで音で人を捉えられるかという勝負です。できればそこにプラスしていく。
ヴォーカリストは、1曲ずつ切りかえしていかなければいけません。その場でそこに入らないといけない。でも、入って、全部抱き締めたらダメで、入った上で突き放さなくてはいけない。そこはカラオケと達うところで、人前に提示しなくてはいけない。自分のなかの迷いや感情が出てはいけない。自分を、離れた作品として出すのです。またこういう課題を1フレーズずつやっていきたいと思います。あくまでここで何ができるかです。
ここでは発声ではなく、自分の感覚を変えていくのです。人によっては、リズムや音程によって、やりやすい場合がある。だからことばのレッスンをつくったり、自分のメニューをつくって一番やりやすいものでよいから、4フレーズ、半オクターヴで、1年かけて完成させてください。やりにくいメニューこそが感覚を変えるチャンスです。
そこで寮になってください。低いレベルでかたくなに自分を守っていては伸びません。変わるメニューがあればどんどん変えていけばよい。どんどんメニューを進化させてください。自分の体も変わっていくのですから。そして、より完成度の高いものをそこに出していく。その出たものから自分に何が入っていたのか、ということがわかってきます。
今は空間と時間を一つ提示するようなを、一人のときでもできるようにしてください。課題は何でもよいのですが、自分でつくることです。他人のまねから入ってもよいですが、一部分でも自分の作品として出せるとしたら、また何かが起こるはずです。
表現と自分の基礎トレーニングをうまく組み合わせてください。そういう循環をつくっていくことです。こういう課題になるとわかりやすいはずです。できるできないということより、そのなかで何ができているかということを、自分なりに気づいていってください。
トレーニングというのは、具体的にやることが難しいのです。体を使うだけのトレーニングは、アマチュアのやることで、プロはきちんと状況を想定してやっています。そういう面倒くさいことをしっかりとやらないと、人と変わらないです。だから、こういう設定を100個やって、そのなかで一番よいのはどれか、というふうに決めていくのです。
カメラマンはたくさん写真を撮りますが、その撮った中で一番よいのはどれかを自分で決めて反省することが大切なのです。撮っただけで現像しないのなら、何枚撮ってもカメラマンにはなれないのです。自分が出したものに対して、必ずフィードバックしてみることです。面倒くさいけれど、それをやらないと絶対伸びません。自分の作品が何が出たかを見て、次につなげるのです。歌一曲でなくても一つのフレーズから入ってください。
ーー
【「泣かないでアルジェンティーナ」②③】
(「ノンピアンジェレビュ アルゼンティーナ」
(ミミ ミミミ ファソラーソー))
フレーズが最初の出だしから気が抜けていたら収拾がつきません。体を入れて読んでもよい声を出そうとしていたのでは、何も伝わらないでしょう。出すフレーズとの距離をどれだけとるかというのが、すぐれたヴォーカリストの条件です。
ミルバは突き放すということをやっています。ミルバは凝縮しているので、より歌が大きくなっている。音というのは、あくまできっかけで、自分は別のところにいないといけない。
日本の歌はフレーズの終わりにビブラートをかけていますが、それはメロディとことばに音を拘束されているからです。ミルバの場合は、リズムであり、音色です。日本人の歌は聞こえるところしかとっていかないのに対し、聞こえないところを歌にしています。
これだけのフレーズをまず一つに捉えて放り出すのは、大変なことです。表現は小さくなりません。声のところをベタッとたどっても、歌い手の意識がなかにあるうちはとんでこないでしょう。一つにまとめ、それを体のなかにきちんと入れたら、動きが出てきます。この動きの呼吸と表現を合わせる。
声を出して音楽をつくるというところにしか、イメージがないと危ないですね。そうではなく、音楽が単に声を通して伝わっているだけなのです。そこを間違うから、何をやっても人に伝わらなくなります。
声に関しては、体のどこが鳴っていても、声が解放されていたら、それでよいのです。声がひろがってしまってはいけません。体のなかでとり出していけばよいのです。口のまわりでつくってはいけないというのは、統一できないからです。完全に、そこにパっともってこられないし、微妙に動かせない。それから、動かすという意識がないと動かせない。だから、使えないのです。
ミルバは弱いところもまったく同じところでとっていて、声量だけ小さくしています。変なひびきをつけないことです。変なひびきがついていないということが、ひびいているということです。体を読み込んで、肉声の声にしなさいといつもいっています。肉声というのは、素直な声です.。変にひびかないし、こもってもいないしという、ギザギザ、ビリビリがついていないような声のことです。
「ノン」(ミ)
一番難しいのは、「ハイ」でとっているところで声を出そうとすると、そこに歌の心や音楽が入らなくなる。表現ができなくなり、逆に、そこに音楽的なイメージをくっつけたら、体が動かなくなることの矛盾。皆、苦労しているのです。苦労しないで安易に音楽的に仕上げてしまう人の方が多いのです。
それは最初の感覚から間違っている場合がなく、部分的なところに意識があるからです。そこが基本のトレーニングとして息だけ吐いていることと、フレーズのレッスンとの大きな違いなのです。フレーズは一つに捉えて、そのなかで考えてはいけません。イメージをもっていて、なるだけ深く握ってやる。野球でいうと、ためる、バスケットでいうと膝のところにきちんとおとす。瞬時に腰の中心のところにもってきて、部分はそこにつながっているだけ。
こういうものは、急ぐ必要はないのです。そこに入れる呼吸をもっていなくてはいけない。感覚と音とが分離していないといけない。ピアノも、指先に意識があったらピアノを弾けないのと同じです。深い息を吐いても、その息を意識したらいけない。体が動いて、それが息となって結果として声になっているというふうに捉えないと、つにまとまってきません。
「ノン」で切れてもまずいし、声が広がってしまってもいけない。それと、まったく違うところで絞り込まれるところがあって、それが一つの呼吸のなかで凝縮していってきちんととれるようにしていくのです。最初、支える力がないときは、タイミングが難しいかもしれません。本当は逆で自分のタイミングに声をもってくるのです。
リズムをとって入るというより、自分が呼吸をきちんととって、その瞬間にその状態をつくり出すのです。歌は、そのくり返しです。・「ハイ」をベースにして「ノン」のとき、少し歌にする、つまり、音色を入れてください。ピタッと止まらなくてはいけないのです。しかし、この止まっているということは、体が動いていてリズムが動いている。逆に動いているときに止まっていなくてはいけない。そのコツやポイントというのは、空手のようなものであるわけです。
イメージと体が一致するためには、まずイメージが流れていなくてはいけません。歌に心を入れたり、情景を思い浮かべていて間に合わないというのは、そういうことです。イメージのところに体が無意識に動かなくてはいけません。それを覚えさせるために、「ハイ」や「ララ」をやるのです。
(「ハイ ノン」
(ミ ミー))
声のなかに表現が凝縮されるには、集中力や体か体の支えがないと、広がってしまう。歌の場合、それはきちんとしたところがあってはじめて許されることです。ミルバのフレーズのなかでの時間の感覚の違いを学んでください。サビのところとエンディングのところでは、同じフレーズでもヴォーカリストが意識して、時間と空間を変えているのです。
イメージがまったく、違うわけです。計算してやっても、場は動いてきません。自分のしぜんな体の原理をとり出していくことです。動き出してきたら、そこに音がついてきますから、そこで若干、方向を示すことがあってもよいと思います。難しいのは、たいていの場合、集中力が足らないのが大きな原因です。
そして、自分のイメージが入らないのです。イメージを入れてしまうと、それてしまうのです。そのギリギリのところで一致させようとすると、一つしかありません。その一つを捉えてから、しぜんに変わっていくのがよいのです。不自然に変わっていくのは、支えがないとか、イメージがおかしいとか、計算のしすぎということです。
(「ノンピアンジェレ ピュ アルゼンティーナ」
(ミーミミミミー ファソラーソー))
弱くしても強くてもよいのですが、意識と感覚のなかで収拾をつけなくてはいけません。サビのところとエンディングでは、出だしからの時間や加速度が違います。それから、終わるということを知らせるために、どこかを絞り込まないといけない。そこで一回、止まる。そしてまた踏み込む。それでお客さんは終わるとわかる。
でも、そういう動きが自分の心や歌のなかに流れていないのです。同じ法則や速度で走っていてもよくありません。
メリハリや間をつけろというのは、強弱の問題です。ミルバがやっていることを、体で読み込んでください。一つひとつに全て意味があります。出だしもそうですが、終わりも同じです。
それを勉強するのが本当の歌の勉強です。
自分の好きな曲は、誰かのまねをして、それっぽく終わりがちですが、一流として20年、30年やれている人たちとの違いは、部分での完成度と全体での把握度だと思います。
バンドとしてより、まずヴォーカリストのなかで完結しているということを、こういう練習のなかで問うていけばよいと思います。そういうことに対応できる声をつくらなくてはいけないから、中心をとれといっているわけです。そういうことを一般的には声の技術といってしまうのでしょうが、そうではないです。むしろ、歌わないようにして、声が出ていて、伝わるということです。
それを体に入れていって、イメージだけで、もっていくことです。それに対応できるようにしていくことです。いろいろなフレーズをやるということが、一番よい練習です。フレーズを雑に扱えば、歌も雑にしかできてきません。
ところが、日本人はていねいにやるというと、口先になってしまうようです。体のパワーや息の強さを忘れてしまいます。でも、ていねいにやろうと思えば思うほど、集中してパワフルにしないとよくありません。そういう勉強をしてください。
ーー
【「チャンス・チャンス・チャンス」ほか】
(「チャンス・チャンス・チャンス」白井貴子)
歌としては、少しくずれているのですが、お手本と思わないで使ってください。
(「Wake Up今心のまま」
(ドド ラbラbファシ♭ーラ♭ラトラトラ♭ー))
声をつかむこと、ことばをつかむことです。スピードが速いので、ここから入るのは難しいかもしれません。
(「チャンス・チャンス・チャンスときめきに愛をこめて抱き締めてつかまえて思い出にしたくないの」
(ドシ♭ドラb ソソソ ラbララ♭ーシ♭ラシ♭ードドー ラ♭ファシ♭ラ♭ ラ♭ラ♭ファシ♭ラbーレ ラ♭ ファーファファ ラ♭シ♭ドシbラbシ♭ー)
日本人がこのスピードでとると、どうしても何かが疎かになってしまうのです。だからといって音が狂ったり、テンポが遅いとよくありません。アカペラでやると、ゆっくりになってしまうのですが、それをわかっていないとよくありません。実際はもっと速いです。それから皆、後半がスピードダウンしている。息の吸い込みが遅い。このヴォーカリストは、リズムや音をすて、スピードに合わせています。
(「チャンス・チャンスチャンス めぐり会ったこのときを 忘れないで ずっとずっと Oh Take the Chance tonight」
(ドシbドラ♭ ソソソソソラ♭シトラ♭シ♭ドドー ラ♭ラ♭ミ♭シ♭ラ♭ ラbラ♭ミbシ♭ラｂ ラbドラ♭ラ♭ー シ♭ラ♭―))
複雑な歌ですが、あまり考えて歌う歌ではありません。全部、同じところに神経がいってしまっている気がします。起承転結をつけるということではありませんが、少なくともチャンスの3つはまとめて捉えてください。それが、別の方向を向いていたらよくありません。それに対して、次のフレーズがどういうフレーズを描くか。2番目、3番目は少し別の感覚で捉えた方がよいでしょう。全部、押し切ろうとするとすると、少しきついかもしれないです。
日本の女性ロックヴォーカリストの歌い方は似たような傾向があって、特に「も」とかで伸ばし切った上で離すことで、高揚感をあおっています。それはそれでよいと思います。発声的にも楽です。
実際のステージになると、細かいことより流れを壊してはいけないし、部分的な完成度より全体の動きのなかで先の方をより活かすことに切りかえないといけないので、いろいろなことが起きます。ヴォーカルが他の楽器に比べて難しいのは、起きた状況にすぐ対応して立て直すというより、先のものをつくっていかなくてはいけないことです。楽器は不安定になったら戻るところがありますが、実は状態がよほど安定している人以外は戻ることさえできなくなることもあります。
その場その場で起きてくることを放り込んで、何が出てくるかということで練習した方がよいです。あまり深刻になって1行2行と完成させても、トータルで何も伝わらないものができてしまったりしかねません。
今日、聞かせたヴォーカリストは、それを比較的、押し込んでいっている。いつも聞かせているヴォーカリストもそうですが、何かをとるために何かを放すことを恐れてはいけません。その不安な状態から何かを生むことをしないと、感覚は変わっていきません。こういう歌は、いつもぶっつけ本番という感じです。いくつか勝負どころを押さえておくと、強いと思います。
うまい人でも、やることを選び続けられない人は、やれなくなります。人がどうこういうことではありません。しかし、私がプロデュースするとしたら、お客さんが払ってくれるお金や時間に見合うもの、上回るものを出せる人を選びます。そうでないと、次にはお呼びがかからなくなります。
こういうプロの分野においては、自分がやっていくことでしょう。自分が一番、勉強していて、そのことにある程度の力があるということを、周囲が認めようが認めまいが当の自分自身でわかっていないと続けられないのです。他の人と同じくらいしかやってなくて、他の人と同じくらいにしか歌えないと、若いうちはよいけれど、長くやっていると難しくなってきます。
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(「待ちましょう」)
「わびしく」というフレーズのなかで、わびしさを表現する必要はないのですが、どこかでひびかすというより、呼吸を深くとって、そのなかにことばを活かしていく方がよいと思います。このくらいのテンポでないと、音色まではコントロールできないようです。何回もくり返してやってみるべきだと思います。
(「雨」(村上進、G.チンクエッティ))
最初のところは雨だれのような感じです。「ふたり」とか「生きていく」とか「いつまでも」というのは日本語のなかでも一番、難しいことばなので、イタリア語でやった方がよいかもしれません。
(岸洋子の歌)
狙いがハッキリしていると、歌はもつと思います。それの見本のようなものをかけます。最近の日本の復刻版の歌はすべてデジタル録音で20ビットになったのはよいのですが、ステレオのベースとトレブルというのを目一杯、入れています。これは日本特有の現象で、若い歌い手がフレージングや音をつなげることができないので、音響の人がそういう考え方になっていったのでしょう。
まったく、歌えない人を平均並みにするにはよいのですが、それ以上に歌える人にそれをつけてしまうと、カラオケで歌うのと同じです。
(タミアの歌)
まず小さく聞かせて、そのあと大きく聞かせてみて、どのくらい体や息をつかっているのかをわからせます。クインシー・ジョーンズがどのようにプロデュースしているか、聞いてください。この曲にはさっきのような線はありません。
ここ1年くらい、復刻版にもそういう現象が起きています。楽器音のエコーを最大にして、そのなかにヴォーカルを埋もれさせるというやり方で古い人の歌まで扱っているのです。ヴォーカリストはそこまで音響のことがわからないのですが、どう考えてもおかしなことです。
(邦版「ケ・サラ」)
こういう歌い方もあってもよいとは思いますが、私も途中で止めようかと思うのですが、止められない何かがあります。ある種の高揚感があって、バンドもアレンジもグチャグチャに入れて、それと関係なしにヴォーカルが入って、まったく不調和です。しかし、それを押し通して、ヴォーカルがひっぱっていけば、伝わります。ただ一つのメッセージ性があるからです。とにかく、おもしろくない直線的な歌い方ですが、音楽性とはまた別のメッセージ性があるのです。4分半、歌をひっぱるということは大変なことなのです(間奏を入れるのは別です)。
