レッスン 963
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【「空と海と太陽と」】
【「青春に恋しよう」】
【「愛は限りなく」】
【「モンデュー」】
【「そして今は」】
【「待ちましょう」】
【「百年の孤独」】
【「私の孤独」】
【「愛の真実」】
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【「空と海と太陽と」】
レッスンのなかでは、自分に身につくものをとり入れていってください。一曲から課題をどこに設定して勉強するかということが大切になります。ここではいろいろな曲をかけますが、やさしい部類に入る曲は問題が明らかにならないことが多いので、ポイントを私の方で指摘しておきます。そこから、自分に何ができるのか、何ができないのかということを明らかにしてください。
常に音が体を流れている状態でないと、フレーズに入れないと思います。ヴォイストレーニングは声を出そうとしてやるのではなく、声を出せる状態にある、声を出す前までの状態を整えておくのがヴォイストレーニングです。私のレッスンは特にそうだと思いますが、見えないものを入れていくことが大切です。歌として共通におとし込み、放すことがあり、そこは一つのルールがあるのです。
ことばでやってみましょう。役者のように体一つになってやってみてください。
詩の朗読というのは、その時点で歌える状態をつくらないといけません。次に歌になったときバラバラになってしまします。力が違うのはテンションの違いです。
「誰も」というところでサッと入れるかどうか、これは皆の心がまえ次第ですね。
それができたら煮つめていくことです。
(「誰も知らぬめぐりあい(ことば)」)
声が狂ったり、いい切れなかったりするのは、テンションの問題が大きいのでしょう。
それに自分で気づいて欲しい。自分の出した声をチェックして反省しないと、うまくなっていきません。ねらいを持って結果を見直していくことです。
昨日のライブを観た人もこのなかにいると思います。こういう歌も、昨日のライブもそうですが、音楽がはじまっていないのです。23ですから、声を音におきかえているだけではダメです。何回もきかせている、一番反応して欲しいところに反応していないからです。自分の声を生かしていかないとダメです。点よりは緑になっているかもしれないけど、そこに何も働いてこない。歌い手が一番考えなくてはいけないのは、そうならないためにどうするかということです。それは全て例題のなかに回答があります。
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【「青空に恋しよう】
(「そうさ君に
(レミファラン)」)
歌の出だしの入り方に注意しないと唱歌みたいになってしまいます。「君に」のところはフレーズがついていますが、伸ばせとはいっていないと思います。
(「伝えよう
(ソラソファミレ)」)
(「そうさ、君に伝えよう(ことば)」)
最初は、これでしかたないのですが、ことばでいったことを薄めるために歌にしても仕方ありません。もっと単純にしてください。呼吸のなかでの変化が声になるには、自然でかまわないのです。
不自然につくっていかないでください。
歌声や、ムリに歌い上げることをやらないことです。
こういうロックの歌に関しては、方向違いのアプローチになってしまいます。
(「こらえきれぬ熱い想い(ことば)」)
ことばでやってこんな感じなのに数になって入れるはずがありません。
その気持ちがないからです。その気になり切らないと、発声器官も体も動いてこないのです。内部の感覚に気づいていくのはよいのですが、オリジナルのフレーズをやるときは今もっている声のなかで表現を問わないといけません。だからといって、基本を全部はずしたらダメなのですが、せいぜい半分くらいの感覚でつかめている中で、あとの半分の神経でどのくらい自由度を獲得していけるかということです。自分がやりたい表現に対して、できるということを最大限にやっていかないといけません。
それをまわりから固めてしまっていて、それ以上のものがそこに出てこないようにしてしまうのが、間違ったトレーニングです。大切なものを、すべておとしていきます。プロの条件というのは客観的に見られることです。
自分をつき放して、そこで化けられる自由さを持っていること。化けない限り、芸術の世界はつくれません。そして、その化ける力として違う意味での素直さが必要なのです。
発音や、音程、リズムで束縛されてしまわないことです。声を使うのではなく、自分がやったことに何か足りない、と思ったら、つけていくことです。声の音声は意味がなくなります。
曲を聞いて、どう捉え、どう練習するかということが大変重要です。自分を鈍くするような練習はしないことです。声に敏感になるのは当然です。そこに出された声と、その根っこの部分をつなげていくのがトレーニングです。
絶対に間違ってはいけないのは、基本を確認するのに、意図的にやっているような限度があるということです。体をもっともよい状態に自然にするというのがヴォイストレーニングなのです。
入るところを間違えないようにしないと、ダメです。課題を明瞭にするためにこういうレッスンがあるのです。声を守ろうとするとどんどんポップスからはなれていってしまいます。
(「ただひとりのおんなのえがおに
(ラ♭レbドレ♭ミ♭ミーラ♭ミミ♭♭ドレ♭ミ♭ミ♭ー)」)
練習はちょっと油断すると流れてしまうものを流さないことです。その感覚を失ってしまうと技術そのものも、たいてい間違えてしまいます。集約したものをきちんと出していかないといけません。そのために心の動きや、音に対する感受性を磨いていかないとなりません。
勇気をもって間違うことです。わからなくなる練習をしていてはダメです。ここでは、それがつきつけられる練習をしなくてはいけません。心も体も顔も切りかわっていないと気づけないのです。よい意味で自分勝手じゃないと、何も決まっていきません。その気になってないからできないのです。それよりも間違いをおそれてカバーしてしまうことをおそれることです。
(「ただひとりの(ことば)」)
ことばの処理からメロディ処理に入るのには、フレーズを音感で入れておくことです。音程で入れてはダメです。体の条件よりも感覚のところで間違えやすいのですが、いいたいことをいうためには、より体を使っていかなくてはいけません。なるだけーつの感覚で捉えてやってください。
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「わすれられぬ」のところをスタッカートで強調したのなら「高鳴る胸」のところで台なしにしてはいけません。語尾をのばすのはかえって難しくなります。
(「君にだけは話したい(ド♯ド#ド#ド#レ♯レード#シーシラソファ♯ミー)」)
音のなかで感じてみてください。音の感じをつかむのに、ことばはヒントになります。ただし、ダラダラしてしまってはダメです。歌はメリハリや動きが見えてこないと、死んでしまうのです。この歌の最初のところは、特においていく感覚でやってください。
(「そうさ君に伝えよう(ド♯レ♯ミソ♯ファ♯ ファ♯ソシファ#ミレ#ド♯)」)
歌わされないように注意してください。音色とリズムでしっかり捉えていくようにしないと、自分の力で歌えなくなってしまうのです。
三年後の完成をめざすためより有利な条件を身につけていくために、響きに逃げてはいけません。結果として響いていることが大切なのです。
響きにもいろいろとあり、共鳴する響きを邪魔するところの響きを消すのです。のど声を直すのと似ています。
歌い手は息を音楽的に吐き出しているだけです。
自分にできること、できないことをハッキリわかっていくことも大切です。できなければまずはできるところで勝負していけばよいのです。前に出そうとする意欲と自信がないのは問題外です。本人がそこにチャレンジしていない、もっと集約しないとダメです。
(「ただ(ことば) ただ(ド♯ファ♯)」)
音をつけたとき、自分のなかで一つに捉えることが大切です。流れをとった上で、体を入れてください。
(「ただひとりの(ことば)、ただひとりの(ド♯ファ♯ファファ♯ソ♯ソ♯ラー)」)
「ひとりー」のところで、開いていってしまってはいけません。「ただ」のところですでに開いてしまったら、集約度も失われます。大きくとるのは構わないですが、余計なものをなるだけつけ加えないことです。
(「ただひとりの女の笑顔が(ことば)ただひとりの女の笑顔が(ド♯ファ#ファファ♯ソ♯ラー ド♯ラソ♯ファ♯ーファーファ♯ソ♯ラー)」)
ステージを見ても、ホントによいステージというのはシンプルでしょう。あまり、あれこれバラバラに入れてはいけないということです。結果として歌になるということは必要なのですが、もっと集約度をつけないと、動いてこなくなるのです。発声ではなく感覚が違うのが、基本の部分です。捉えたものを出すというふうに体を鍛えていかないといけません。
このヴォーカルも決してうまいわけではないのですが、とびこえてくるのでもってしまうのです。イタリア人でも十代の歌い手にはこういうふうに勢いだけで歌っているときがあります。でもそれが直っていくのです。なぜなら体を使っているからです。日本人のように歌のなかに入って、あれこれやる、というより数そのものをつき放して歌っています。大曲になるほど、つき放して歌っていかないと自分のなかだけで回ってしまいかねません。歌にかきまわされてし「まいます。歌をおさえて歌わなくてはならないからです。
音の進み方や、コード、リズムなどの動きを利用して、いかに最小で最大の効果をあげるかです。最後のあたりはかなり難しいですが、自分の声、体ならどうおくのかということをイメージして、少しずつ磨いていけばよいと思います。体ができてくると、少々気を抜いても、あるレベルまでは歌えるようになります。しかし大局を捉えていないで一つひとつ歌いすぎてしまうと、足をすくわれてしまいかねません。
最小で最大の効果をあげるための感覚を学んでいってください。歌に限らず感覚を、感覚で伝えているのです。
ロックやフォークのヨーロッパ系の人には、こういう声が多いですね。のどにさえ直接かからなかったら大丈夫です。リズムなどの感覚も一緒に学んでください。わかっているのと、できるのとはずいぶん違います。もっとたたき込んでいかないといけません。
どこで打ち、どこで放すのか。それはセンスであり、自分で何回もやってみないとわからないですね。いろいろなフレージングをやってみましょう。結局、ふところの深さのがないと、音の動きを、体の動きに合わせていくことができません。
意図的にリズムを入れていくということも大切だと思います。
どんなレッスンでも自分独特のものを出すにはどうすればよいかを考えてください。意図して、音、ことばの動きをつくってください。今は自分のなかでどれがよいかがわからないと思います。だから他の人の声をきいて、いいな、と思うもの、ダメだと思うもの、それぞれの音の世界をよみ込んでください。そして、自分なりにどうつくるかということを常に考えてください。「つめたい」ということばを1オクターブできるようになることとあわせて考えてください。
(「青春に恋しよう」)
ここで、音程が上下しているようには聞こえてこないはずです。これが日本人と彼らの体の強さの違いです。
(「ただ(ことば) ただ(ド♯ファ♯)」)
音程がきこえてくるようではダメですね。声が弱いというより感覚がそうなのです。
何かフレーズに手を加えるときは、自分の呼吸のなかでやってください。
それから、どこにフレーズの中心をおくかを自分の感覚で決めてください。
(「胸を(ソーファ♯ミ)」)
母音の方にアクセントをつけた方が動かしやすいと思います。どこにつけたらよいか迷わず自分と曲の条件のなかから、感覚的にパッと選べるようになってください。
(「君にだけは話ししたい(ド#ド#ド#ド#レギレ♯ード#シーシラソ#ファ#ミー)])
ことばよりは、音の表現力でもっていくところです。音自体の動きを出すには、もっと集約させていかないとダメです。音量ではなく、ポイントで働きの方向をつくっていくことです。
(「ただひとりの女の笑顔が忘れられぬ高なる胸に(ド♯ファ♯ファファ♯ソ♯ラード♯ラソ♯ファ♯ファ♯ファ♯ソ♯ラーソ♯ソ♯ソ♯ソ♯♯♯ラソ♯ラン#ラソ#ファ♯ー)」)
「胸を」の「を」が浮いてしまわないことです。
(「君にだけは話ししたい(ド#ド#ド♯レ#レ♯ード♯シーシラソ♯ファ♯ミー)本当の恋のよろこびを(シド♯ード♯ ド#レ♯ーレ♯レ♯ファー)」)
圧縮して、伸びていく感覚でやってください。盛り上がりを音で表現していってください。
＜イヴァザ・ニッキの「コメプリマ」>
(「コメプリマ ピュディプリマタメロデラヴィータ ラミュヴィータ ティダロ(ドレミド ラシドーラ ファソラーシドレーシ ソラシーソ シラミー)」)
スピードが足りないという気がします。
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【愛は限りなく】
日本人の声をよくするには、声そのものより、それ以前の扱いによるところが大きいのです。第一に伝える必要性です。声そのものより話し方のスタイルや間のとり方などによって、かなりの問題がカバーされると思います。日本人は、あまり表現をはっきりさせない方を好みます。しかし、これからは、きちんとした声でないとどんな活動もうまく続けられないと思います。
日本人は、自分の声を録音に録って聞くと、嫌な声だと感じますが、外国人はそうは思いません。彼らは、自分の声とその影響力をよく知っています。
日本人は、ことばにしなくて伝わる場合がないので、あまりしゃべらない方がよいように思われています。しかし、外国人は、つの単語を使うにも、意識をもってそれに声を一体化させて、自分の声の伝わり方を判断してきています。ところが、日本では、音声で表現することがあまり認められていないので、声をつくるには、不利な環境です。そのような社会のなかでは、自分のなかに判断基準、価値基準をもつことが大切です。日本というのは、自分の考え方をはっきり醤うのが難しい風土だからです。たとえば、欧米は、一人ひとり、考え方が違うということがあたりまえですから、それを言語で伝えないといけません。日本には、それがなかったのですが、こういう時代になってくると、それが必要とされるようになってきます。
人に何かを伝える面で、声というのはかなり大きな要素になり得ると思います。話したあとや、歌ったあとというのも大切で、そのあとに何が伝わるかということが問題です。感性に働きかけるというものが表現です。芸事の世界では、声の大きさでも歌の技術でもなく、そこから何が聞こえてくるかというとこが大切なのです。
トレーニングに関しては、ここにいても、やらない人は何も変わらない。
(「雲が流れる空 あなたの胸の白いハンカチのように その白さが胸にしみる
(ドドドドドドドドレ♭ー レ♭レ♭レbレ♭ミbーレ♭ドー ドドー ドドドレ♭レ♭ーレ♭レ♭ーレ♭レ♭レ♭レ♭ー レ♭ミ♭レ♭ミ♭ドードー)」
表現から離れていますね。自分でやっておもしろくないでしょう。どんな課題でも主体的に受けとめ返しててください。このレベルなら、まるまる一時間かけてくり返さなくてはいけないのですが、それもとりくみ方です。声に神経がないうちに数をこなしても、かえって雑になってしまうものです。最初は、自分のことをわからないと思いますが、少しずつ、知っていってください。1フレーズのなかには、さまざまなパターンがあります。要は、自分がどう動かしたいかということを、コードとリズムと、音の感覚のなかでつかんでいかないといけません。今までやっていないことなので、慣れるしかありません。
日本人が、一番おとしてしまうのが、スピードとテンポ感です。フレーズというのは、動かさない限り、聞こえてきません。その動かし方が、音楽的にすぐれているかいないかということこそ、問わなくてはいけない。自分のなかで音のイメージを決めておかないと、伝えることはできません。
(「胸に
(ファソファ)」)
今から、小さくやってしまうと、あとで体が動いてこないので、大きくとってください。「タタター」ではなく「ター」ととるなかで、動かしてください。3つに分かれて聞こえてはいけません。また、次の「しみる」につなげないといけないので、動きができていないといけません。部分的な完成度は問われますが、それと共に次にいく流れが必要です。
次の「ディオ コメティ アーモ」のところは、ことばを、音楽的な旋律にしています。今は難しいので、口先だけにならないように、とにかく前に出していくことです。
少しずつ、自分が何をやっているのかわかっていくことと、他の人たちの出すフレーズのなかから読み込めるようになっていくことが大切です。とにかく、音楽としてとり出していくためにやっていってください。
2年くらいやっても入ったばかりの人と変わらないレベルになるのは、感性が鈍いのです。自分が出すものしか相手は聞いてくれません。
向こうの音楽に入るだけで、出てこられないと一人よがりの歌になってしまいます。自分が一体、何を出すべきかということが、自分でわかっていないからです。まだ、自分のなかに入っていないし、だからきちんとそれを出すこともできません。動きが止まっています。集中力がないのとともに、音を構成するという作業があまりに雑になっているのではないかという気がします。きちんと取り組み、敬と対話をして、つくりあげていくということをしないといけない。出したものに責任をもつというのは、それが他の人にどう聞こえるのかも知った上で、そこのところで修正をかけていくことです。他の人に聞くときの自分も含みます。表面をとらないことです。
それから、他の人のものをきちんと聞いていくことも勉強です。伝わる以前のところができていないからです。自分のステージをつくるくらいの気持ちでやってください。
それは、音楽的というより、感覚的な要素です。それがきちんと外に対して開かれていることが大切です。自信をもってやっているかだけでなく、自分と他人に開放されていないといけません。自分のなかで回っているだけでは伝わらないのです。
自分のなかでシンボライズして、与えられたフレーズを動かすという意識でやっていないと、難しいです。うまくできてしまっている人は新鮮味がないしできない人はアタフタしていて、自分が何をやっているのかもわかっていないようです。それは、越えていくべき問題です。
人前に立ってやるべきことは、自分が楽しくなるようにつくっていかないてはいけないということです。態度と、それからテンションです。歌うときには普段の会話と同じテンションではできないはずです。それなら、自分がそれだけの状態にならないと、出てこないでしょう。結局、感覚を変えていくことが、第一前提です。
体は時間がかかります。条件ですから、簡単には変わりません。もう一つは、すぐれているものとそうでないものを見分けることです。
いろいろな音楽を聞いてきたかもしれないけれど、マスメディアにのっかっているものがほとんどでしょう。それは、情報としてはよいのですが、世界にはもっといろいろなものがあります。音楽的な環境を変えていくことも大切です。いろいろなよい音楽を聞いておくと、何が本質かわかり、出やすくなります。
一流のものを聞くといっても、最初はわかりにくいので、声や体の条件がみえやすいものを選んで聞かせているのです。自分が思っているほど、音声を聞いていないものです。人の歌を、どこがよくて、どこが悪かったということを正しく判断するのは簡単ではありません。その基準をもっていくことです。その基準がないのに自分の歌を上達させることはできません。
ここで音楽をかけるのは、一つには紹介の意味があります。もう一つは、さまざまなベースを入れるということです。ものごとを何かやっていくときには、必ずその下にベースがあります、さらにその下にその人の考え方があります。
そのためにも音楽的なベースで、わからないけど、身に入れる、という期間が必要なのです。入ったものしか出てこないのですから、入れていくことが大切になるのです。それから、こういう音楽を聞くと、テンションが高まります。これも、狙いの一つです。
技術や、声の出し方などを単独で勉強するのは、危ないのです。要はその状態になり切れるかということと、そうなったときに体がうまく動いてくれるかということなのです。それには、トータルの力、特にそこまでに入っているものの量や質が問われるのです。そのためにも、世の中にはいろいろなものがある、ということから学んで欲しいのです。何かに近づけようとするのではなく、今、自分がやっていることを、よりやりたいようにやるために、邪魔するものがあれば、それをとっていくことです。自分のスタンスと、方向性をつかんでいってください。いろいろなものを聞いて、それにどう反応するのかを知るのです。
トップのグレードの人たちは、歌がうまいというのではなく、何かしら、人をびっくりさせるようなことを一瞬、起こした、ということです。それが可能性ということです。歌としてまとめようとか、完成させようと思わない方がよいのです。
プロの世界は、99点からの世界です。5年かかってもよいから、90点以上のことが一回できたら、あとは0点でも10点でもよいのです。一回できたことを確実にとり出せるようにしていくのです。70点くらいにまとめていこうとしていると、問題点がはっきりしなくなります。
この2年間は、本当に90点とり出せたときの感覚を一瞬でもつかめたらよいというくらいの期間です。リズムや音程をとるより、声よりももっと大切なことがあります。
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【モンデュー】
ピアフの曲をとりあげます。(ピアフの「モンデュー」)
1オクターブの歌です。「モンデュー」のところは半音ずつ上がっていくだけです。「ハイ」でよいので、一つひとつアタックしてやってみてください。
(「モンデュー モンデュー モンデュー
(ドレ♭レ)」)
(「ハイ ハイ ハイ
(ドレ♭レ)」)
(「モンデュー モンデュー モンデュー
(ドレ♭レ)」)
音の方が先行してしまっています。まず声がまえに出ていて、そこに自分の感じたものを入れていくことです。そうしないと、音色が出てきません。
それから、自分が何をやったかということを、自分で感じ、わからないとだめです。あとで伸びた人というのは、表現できたかどうかということに対して、厳しいのです。
日本語でやってみましょう。一つのフレーズに2語、入ります。
「あなたの あいが」のなかで、強弱をきちんとつけてください。
「たの いが」というくらいです。どちらかというと、うしろの方にアクセントをおいた方が音楽的に進みやすいです。
(「あなたの愛が
「ドドレ♭レ♭レレレー)」)
正確に歌えなくても、表現から問うていった方がよいのです。表現しようとして、力不足を感じたら、体や感覚の問題に行きつくからです。問題にたどりつくと、問いが発されます。すると、あとで答えが出てくるのです。
(「わたしの
(レミファファー)」
(「わたしの
(レミファファー)」)
メロディ処理に入ります。シャンソンでは、胸におした声のように聞こえるのですが、そうしているのではないので、まねしないようにしてください。ちりめんビブラートは必要ないものです。
音を先にとっているので、一つに捉えられていません。最初にフレーズをとって、音をおいていくことです。
音を一つひとつアタックしていると、音楽になりません。ことばできちんといえたところから、フレーズにしてください。4つを1つにまとめるのと、1に捉えたものを4つにおき直すのでは、まったく違ったフレーズができてきます。ことばでいうより、力が要ります。少し速くやる方がやりやすいでしょう。
でも、多くの人は歌になるとゆっくりにしてしまいます。
(「わたしの（ことば
レミファファー<少し速く>)」)
「わ」のところで、きちんと前に出せることが大切です。それから、そのあとのフレーズできちんと調整できないと、邪魔なものが入ってきます。「わたしの」がきちんと替えれば、次の「いきがいなの」もきちんといえるようになっていきます。
もっと大切なのは、音楽を大きくつかむことです。単純にポンと捉えて聞き手に投げかける方にエネルギーを使わないといけません。ピアフは小さい人ですが、これだけの音量が出せるのです。肺活量の問題ではなく、そこにどういう音色を練り込んで動かしているかという話です。
ピアフは、ジャズの歌い手と同じで、声を楽器的な使い方をしています。皆も、ことばにとらわれず、音としてどう動かしているかを聞きとってください。特に、トレーニングのときに、そういう試みをたくさんしてください。
音をとりにいくよりも、声をきちんとおいていってください。
「モンデュー」を3ついうのですが、そのなかで気持ちは高まっていくのです。きちんと表現することと、体がきちんと働くことは一致するはずです。つくっていくとおかしくなりますから、つくらないためにどうすればよいのかというと、その状態と条件をもって、声や歌が語りかけてくるのを待つしかないのです。
最初の「モンデュー」で替えても、次でできない人が、今の段階では多いと思います。いえないところをいえるところにそろえていってください。
楽譜や音楽があって、それを歌うのではなく、「モンデュー」という気持ちがあって、それによって音が上がっていくのです。次の「あなたのあいが」ですが、「あなたのあいが」と日本語的にとらないで、「な の」くらいで拍をおいてやってみてください。
(「あなたのあいが
(ドドレ♭レ♭レレレ-)])
アクセントのところで、わざと声を前に出してみてももちません。常に前に出ているという感覚は、もっていなくてはいけないのです。
「あな」のところですでに「たの」を予期していないといけません。「ターターター(ドレ♭レ)」という大きな流れのなかにおいていくのです。
どんなに考えて、どんなに感情移入をしても、声が引っこんでいたら伝わりません。あるレベル以上のパワーでもって、前に出ていないといけないのです。
「いきがいなの」のフレーズでは、「い」の音がたくさんあって難しいと思いますが、できるだけ「が」の音に近づけてください。「い」の音より、「が」を伸ばすということでもよいでしょう。これも、流れのなかに音をのせていく感覚でやればよいので、音によって変える必要はないのです。
自分に気持ちよくフレーズを動かせるのと同時に、人にも気持ちよく聞かせなくてはいけません。そのためにも、自分のなかで選んで決めて出すことです。線にしていくことと、その線を動かしていくことと、その動かし方をよりよくみせていくことが、優先されるのです。それが楽器的な考え方です。
今は、それを声を宿しながらやっていくことです。体の条件がないと、何もできないと思わず、表現から入って、体の足りない部分を補っていくと考えるようにしてください。声は大きいのに、歌にならない人もいれば、声が小さくて胸のポジションもないのだけど、歌できちんとみせられる人もいます。ただ、そのレベルより上になると、あたり前ながら、共にそなわっています。
(「ゆだねたいのこうして
(ソソーソラソソーレミファソー)」)
のどの状態をまったく変えないまま、体だけでコントロールするのが一番のベースです。
歌の表現とは違うのですが、「ターアーアー(ドーレ♭ーレー)」)というのを3つに切っているだけです。
(「ターアーアー(ドーレ♭ーレー)」で音程上下)
(「ターアーアー(ドーレ♭ーレー)」)
ピアフのポジションは、声楽家並みによ深いのです。声楽がひびきでまとめるのに対し、ピアフは音程が上がる分だけ、体を使ってもキープしています。
ポジションを変えないので、その分、体を使わないといけないのです。
彼女は、一つのベースとなる音色を持ち、そこからいろいろな音が出てくるようです。
(「ララララー ララララーララー
(レミファファー レミファソーファファー)」)
「わたしの(レミファファ)」のところで音が変わっています。
日本語を一回、くずしてもよいです。同じところでとってください。
(「わたしの
(レミファファ)」)
(「わたしのー
(レミファファー)」)
「わた しのー」ではなく「しのー」で体を使うことです。
特に、「の」できちんと止めることが大切です。
「私の生きがいなの」では、「いー のー」くらいで捉えてください。
「い」でひっぱっておいて、おりたくなったら、「なの」におりればよいでしょう。
(「わたしの生きがいなの
(レミファファーレミファソーファファ)」)
「生きがい」のさいごの「い」で強くなっていますね。「い」や「う」というのは、かなり体を使います。
発声からいうと、「わたしの」でつかんだポジションをそのまま使って欲しいのです。
ミルバやピアフは、それをまったく変えないで音楽にしているところがすごいわけです。
本当ならもっと放さないと音楽になりにくくなるのです。
それから、「なの」のところは両方にアクセントをつける必要はありません。
つけるなら「の」につけてください。
(「生きがいなの
(レミファソーファファ)」)
「なの」が聞こえてしまうとよくないと思います。
(「生きがいなの
(レミファソーファファ」で音程上下)
(「生きがいなの
(レミファソーファファ)」)
ことばを変えてやってみましょう。
(「身も心も
(ララーラシ♭ララー)」)
「身もー」のなかにすべて巻き込んでいくのです。
(「身も一
(ララ)」)
「み」と「も」でポジションが変化しないようにしてください。
(「身も ろも たにー
(ララーララー ララー)」
流れを入れておいてからやることです。中でつくらないで、前に出すことです。
前に出すとともに、中で回しておくのです。難しいのですが、そのなかでいろいろな音色が出てきます。
口のなかで音を出していると、個性にはなりますが、音域と音量をとる妨げになるようです。
(「身もこころもあなたに ささげたいのこうして
(ララー ラシ♭ララー ラシbララー ソソーラソソー レミファソ)」)
ー
【「そして今は」】
海外と日本の声楽家を比べると、日本はカンツォーネの高い声のようなところで数っているのです。向こうの人たちは、もっと深いベースがあった上で声を使い分けています。
(「すべては消え去って 僕ひとり たったひとり
(レレファ#ファ♯ レレファ♯ソーファ# レレミミ ファ♯ミレミファ#)])
前半は、表現としてよかったと思いますが、後半は集中力がもっていません。ことばを音の動きを借りることで、より楽に展開するのが歌です。どこかにアクセントをつけると、他の部分を休ませることになり、スムーズに動くようになります。
(「今僕は
(レレファ#ファ♯)」)
テンションを保つことはあたりまえのことですが、歌い手としての枠を自分にはめてしまわないことです。音をとるために、テンションが下がるのなら、やらない方がよいでしょう。自分のテンションが音にさえ現われないなら、お休みです。
(「すべては消え去って
(レレファ#ファ#レレファ♯ソーファ♯)」)
音に合っていても、できているとはいえません。声できちんと伝わるように動かすのが前提です。また、動かしても、その人が入っていなくては何も伝わりません。今はできなくてもよいから、そういうイメージだけは忘れないでください。イメージは入れていないと、出てきません。
引いて歌ったとしても、その前に表現できていなければ、何にもなりません。引きたければ引きたい分だけ、たくさん出しておかなくてはいけません。過剰に出していくことが、今の時期は、特に必要です。
押して引くというフレーズのなかの計算が、体でできていないといけません。そのためにも、4つのフレーズを一つに捉えたのちに展開することです。
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【「待ちましょう」】
レッスンでは何かつくらなければダメです。表現のレッスンです。声をつくったら何かが出てくると思っているのかもしれませんが、逆で何かつくろうと思っていないと声は出てきません。どう出したらよいかも決まらないのです。音楽がついて、音程だけをなぞる歌になってしまいます。少なくとも強い意志を入れなければいけません。
そこから音がつくわけですから、音楽性も必要です。
これは、ベースの部分で勉強して欲しいことです。
それからつくって出すことです。セリフをやることに、年の時間をかけたいと思っていますす。それができないのに「はなびらーのー」などて歌ってみてもしかたないのです。人に何かを伝えたいときは心に意味も込めます。別に花びらを思い浮かべてやれというわけではないのですが、何か込めなければ、時間が動かず経過するだけになってしまいます。それを助けてくれるのが、音であったり、リズムであって欲しいのですが、その前にまず、ことばのなかで意志がしっかりと出ていることが必要です。
慣れてくると、体が代わりにやるので意識しなくても届いてきます。それまでは意識的に体を使うことをやっているのです。それを間違えないようにしてください。
いろいろなレッスンがありますが、ねらいは同じです。一つにとっていくということです。それが発声練習と結びついていなければダメです。心や体が動きださなければ本当に動けません。こういうことをはじめる前提として、もっていなければいけないものがあります。
基本の段階では、このままではこんなに古くてつまらないような題材に息吹を入れていくことです。最近のバンドの曲でやっていると、全てのっかってしまいますから、いったい誰の力によってできているのかわからなくなってしまいます。トータルで問えるのは、トータルですぐれたパートナーがいればの話です。それにそうであればあるほど、自分のパートを練習することが大切になってきます。
題材はわざと散らしています。音楽という共通の基盤でいうのであれば、20世紀に生まれたもので、そんなに遠くないはずです。むしろ、一番、原点の部分をやります。アメリカナイズされ、いろいろな加工が入ってくると、最初、人間の体や心が動きだしたところに、どう音をおいたのかということがわからないままになる恐れがあります。
ステージできれいにできている曲を学ぶのではなくて、最初に、作詞者作曲者はどう考えて、歌い手はどう捉えて、どう歌ったのかという、心の動きを見て欲しいです。それはそんなに難しくないはずです。しかし、そこに戻れないときには、ことばのトレーニングや、役者のように全体で音の世界を捉えたり出したりするということをやるのです。その線上にしか、自分の体が使える声というのは出てきません。
今、皆さんが歌っている声や、入っているリズムなど、人様からもらったものは回流してやることです。人をまねるのなら、人様が最初につくった部分からまねていかないと何もわからなくなります。ことばをしっかりと捉え、いえるようになる→それに音がつく→その音をどう捉えるか、考え表現するという顔でやってください。
最初はわからなくとも、やっていくうちに体が反応していきます。音をしっかりと握って放している人と、そうでない人というのは、聞き方ができてくるとわかるはずです。立体感や生命感が出ていることです。そのままでは死んでいる課題をどう生き返せるかが大切です。
こういう歌をアレンジしたものをやっている人というのは、幼い頃からこういうものを聞いて育って、本質的なものがしっかりと入っている人です。本質が入っていなければいくら変えてみたって逃げにしかならないのです。そこを間違えないでください。心がどう働くか、それとどう表現するかということはまったく、違うわけです。
芸になるもの、ならないものがあるということをわかってください。そして、できればそれを実感して欲しいのです。一年目そのキャリアを積めればよいと思っています。そうすると二年目には聞き方が変わってきます。もともとある感性を倍加して、音楽的に昇華できるものにしていくことです。
「はなびらの色あせ、ともしびもきえる」ということばでやってみましょう。大切なことは、パワーやインパクトをしっかりともつことです。体で一つに捉えて、それを前に出すことです。そのとき、声が歪んだり、ことばを間違えてもよいのです。何か一つのものが飛んでくればいいです。
飛んでこなければダメです。それができてから、ことばや音楽的に処理をするということをやってください。ことばでいうときに形をつけてしまう人がいますが、そういうのを破るところからやってください。
人間の思い込みというのは怖いもので、今までの自分のイメージから出してしまいます。そのイメージのところに深いものが入っていないと出せないのです。それを学ぶというのは、それをより強いものにしていくことを作業としてやることです。わけがわからない人は、大きく出す、と考えてみましょう。
(「はなびらの色あせ/ともしびもきえる」)
声を出すといろいろなことが起きてくると思います。歌というのを誤解して、音符にのせて歌えば伝わると思っているのかもしれませんが、それはタレントのような有名人だけです。そのレベルでやれる人は、何人もいます。しかし、練習というものはそんなものではありません。最初大きくつくっておかないと感性など入ってきません。リズムも入れなくなります。リズムをとろうとしたら、相当な体の感覚、反射神経、呼吸系、筋肉系の動きを必要とします。体が止まっていたらダメです。いい切って終わってしまったら、それは単に大きな声を出しただけです。大切なのは、やり終えた後に何が飛んでいくかということです。
最終的にいうと声量でもインパクトでもないのです。一つのきっかけとして、声を一つでとってみて、これが煮詰まり、歌として放射される感覚を自分のなかでくり返し問うていく、そのことでフィードバックしていくのがレッスンです。声が出る人は有利ですが、そこでのど声になったりすると、伝えられなくなってくる部分が出てきます。そこでよりしっかりとつかまなければいけません。声も整理しなければいけません。それが自分のなかで節回しにできなければいけません。長さでフレーズをもたせるのは逃げになる場合があります。
（「日は過ぎて なやみに心は沈む」)
仲間内できいて受けたら、技術的に正しく伝わっているわけではありません。そこで人の耳をひくものがあれば、そこに何かあるわけです。まず、音の技術そのものがもつ力です。これは必要です。繊細な表現をしたくても強く出せないことには不可能です。体を鍛え、コントロールできるようにすることです。
間違える、間違えないの問題ではなく、そこから何が出てくるのかということです自分で正しく創るのです。読めること、体からしっかりと出せることはあたりまえです。それがいえたときに、ことばが何らかのニュアンスを帯びて伝わって、なにか残るわけです。残るものでなければ、その人間が表現したことにならない。
それから伝えようとする意志の力です。フレーズでは難しくなります。日本人は、よく一つひとつに意味を込めたり、ことばの力で流してしまうのですが、そうではなく、それを体のなかに一回入れて、消化してしまって、それがどのように化けるかということをやってみてください。自分の呼吸と合わせるということです。意志をもち、意図は込めなければいけませんが、価値は他人がつけるので、その両方を自分の感性に合わせていかないといけません。自分で練習した結果をここで応用して出してください。そのとき、思いがけないことが起きてくるとよい課題になります。
(「かぜのおとわびしく、思いでのすべては再びかえらぬ」)
このくらいの空間でやって伝わらないものはマイクをつけてもダメです。伝えられる音がしっかりと捉えているところの深さがないと感性が、応用できるものには値しない。音程やリズムをとるだけではなく、そこに何かつくりだそうとしたら体からしっかりと出ていないと伝わりません。無理に体から出そうとしたら、音やリズムがとれないというのはあたりまえです。しかし、近道をいかないことです。今、けっこう声が出ている人は完全にコントロールしていくことを考えてください。今「大変だ」と思っているようであれば少し土俵にのれたということです。困るのは大変にならない人です。
声量はなくてもポップスではカバーできますが、体で捉えなければならないという原則は変わらないのです。大きく出した方がわかりやすいのは、基本の勉強方法です。そうでないと感覚が大きく動かなくなってしまいます。練習のときはなるだけ大きくつくって、フレーズや色つやや呼吸を覚えって、実際、歌になったらその寸法を縮めるということです。そのなかで盛り込んだり、動きをつくっておかないと、単に小さくしただけでは何も伝わりません。ある程度、体と呼吸を一致させておくことが必要です。
「は・な・び・ら・の・い・ろ・あ・せー」と捉えないで「ターラー ララー」(レ♯ーファー ファレ#ー)と捉え、2音の世界を読み込んでください。音だけを聞かないで、体で聞いて欲しいのです。強弱を自分の体の呼吸や全身のなかで捉える。それができた後に、自由に小さくしたりいろいろなことができます。そうしないとテンションが歌のなかに出ないので嘘臭い歌になってしまいます。
(「はなびらのーいろあせー」
(レ♯レ#レ♯レ♯ファー ファファファレ♯ー))
体を使っているものとそうでないものは、体の感覚と音色の部分でわかります。日本の歌い手はかなりクセをもった歌い方をしています。クセがあってもうまく伸びていける人はよいのですが、クセがついたままでは常に限界で完成した形とみておくことです。こういうものとはまったく違う要素をもっています。次のところをやってみましょう。最初にことばで入ってみてください。
(「なやみにー」
(ドドドドー))
「に」のところにアクセントがあり、日本語がまったく通用しません。ここではアクセントがついているところを重点的にやってください。そうしないと音が進んでいきません。日本語と音のつけ方が違ってくるとき、どちらをとるかというのは難しい問題です。今は音の方をとってください。
ことばで「なやみに」というのと「な・や・み・にー」と歌うのは違うとわかってください。ことばでいうようにフレーズをつくろうとしたら、どこかが伸びたり、リズムがぶつかったりしてきます。最初は、自分の呼吸を優先してください。自分でやりたいようなフレーズをつくった後にもとのリズムに合わせていきましょう。リズムが体に入っていたら、そういうふうになります。
「なやみにー」で体に入っていたら、「こころは、しずむ」で戻るわけです。「なやみにー」で入ろうと思ったらその前のフレーズは「日・は・すぎーてー」とはならないのです。構成がしぜんにできてきます。それを体の感覚と、音の感覚と一致させていくのです。
今ふうの音楽をやった方が、恰好よいのですが、原点で捉えられている歌の方がしっかりと声のことが学べます。原通り歌わなくてもよいのですが、それがもっているニュアンスを大切にしてください。
時間で刻んでフレーズをつくると、すぐに終わってしまう、そうではなくて、そこにある時間の感覚のなかで自分のイメージをらませる。それを盛り込まないと、フレーズにしてみても平坦なものになります。それを聞くのは最初はとても難しいです。時計の時間とは違うということです。
曲を最初につくったときは、歌い手の呼吸に合わせてピアノが遅くなったり、速まったりしているので、感性で働いている部分が見えやすいです。歌い手は音の世界に対して疎かなので、それは自分のなかで何度もくり返してください。皆さんには、大きい声の歌手ばかり使っているように思えるかもしれませんが、それくらい大きくつくっておいてから、こういった曲にも対応できるように考えてください。
ことばは疎かにされがちですが、1オクターブを3分のなかで聞かせるというときには、これくらいの感覚は問われます。役者以上にセリフがよめるようでないとしっかりと音を動かしたり、音色やリズムをつくれません。すぐれた役者もテンポ感をもっています。どこで落とすのか、というのはやはりその人の呼吸によるもので、そこに客が呼吸を合わせるからうならされるわけです。そこからみてやらない限り、呼吸もできなくなってしまいます。皆さんが聞いている音楽からもいろいろ勉強してください。
基本のことをやりながら、ここで応用的なことを入れてくださいピアノやギターでリズムをとりながら歌をのせるというだけでは、そこから出られなくなってしまいます。呼吸の方にギターをのせていかないとダメです。日本ではギターの上に歌がのっかいていて、それでよしとされますが、もちろん歌に厚い音を付け加えたくてバンドが入っているのです。基本を学ぶときは自分の体に近いものから勉強していくことです。体から離れてしまったものは伝わらなくなります。
(「はなびらのいろあせ」)
基本的なところでいうと、音としての部分が声にもありますが、ことばとしてのニュアンスとして伝える前の部分を捉えるのです。音楽と同じで体で一つに捉えておかなければいけない。「はなびらのいろあせ」というふうに、バラバラになると、表現できなくなります。歌というのはことばよりも、ある種のパワーが必要になります。ことば読みに終わってしまうと、体が動かなくなります。
音だけが伝えられる強さというのがあります。まず大声でいえば伝わるというシンプルな力をつけることです。力を抜いて体からしっかりと出せる声を取り出すということは、日本で失われていることです。その次には、胸を思い浮かべたりするのではなく、音のつながりのなかから出てくる感覚というのを意識します。そこまでのつながりが、バラバラになってはダメです。つまらない歌と思ったら、いつも自分のものを詰め込んで生き返らせる作業をトレーニングのなかからやっていきます。本来、音が取り出せるのなら、音で吹き込めるはずです。
「ハイ」といえるところで、「花びらの色あせ」というのは、ことばの問題です。音の部分は技術として伝わるということもあります。それだけではダメですが、意志があったり、ことばをしっかりとつなげることを知っていたら、何か伝わるものは出てきます。結局「花びらの色あせ」といったときに、自分の呼吸をしっかりと読み込んでおかなければいけません。次は4つのフレーズでやってみましょう。長くやるより、自分の聞かせどころを絞った方がよいでしょう。
(「はなびらの色あせ、ともしびもきえる」)
それがいい終わった後に何が飛んでいくかということが大切なのです。人のフレーズをきいて、伝わったフレーズにはどういう要素があるのかということを考えてください。それから、大きな声というのは伝わることとは別の問題です。ただ一つにして動かすということに関しては、後々のために大きな器をつくっておくという意味で大切です。大きな声をつかった方がやりやすいというより、わかりやすいです。小さな声でやっていると問題自体が明らかにならないからです。自分のなかで日本語でいう前に音の世界として感覚としてわかることです。
音が生まれるということは、「花びらの」といっている中で、どう動き出してくるかどうかということです。音程はその結果のようなもので、いろいろなパターンがありますが、動きの方から捉えていくことです。音を追うだけでは、そこから出るものがなくなってしまいます。だから、それを原点に戻してやります。作詞や作曲がどう生じてきたかを自分の体でもう一度味わってください。そうすれば、動かしてよいところ、悪いところがわかるはずです。
次は「日はすぎて、なやみにこころは沈む」というところをやってみます。表現が前に出てこなければ伝わりません。感情を移入するのはその次の段階です。
(「日は過ぎて悩みに心は沈む」)
音楽の前にことばだけで空間を動かせたり、時間を変えられたりするという感覚は勉強できると思います。「花びらの/色あせ/ともしびも/きえる」で起承転結がしっかりとできているのです。強弱で体に読み込むというのは、音程を上下しているだけでは歌になりません。なるべくこういうものを拡大していってください。いつも音色とリズムを重点的におきなさいといっています。
(「花びらの色あせ」
(レ♯レ♯レ♯ファファファファファレ♯))
今は「ターアー ターアー(レ♯ーファー ファーレ♯ー)という一つの線でプレーズをしっかりとつくってください。ポッブスの場合はことばを音に変換する選択肢がたくさんあります。その組み合わせ方が個性でありスタイルです。音色というのは大切です。一音のなかに、体や息を詰め込むことで音色が出てきます。
次のフレーズをやります。「なやみにー」のところは「に」にアクセントがつくので難しいです。
(「悩みに」(ことば)
/「悩みに」(ドドドドー))
ことばでつかんだポジションでフレーズをもっていくことです。それから均等にせず、フレーズのどこかでアクセントをつけないといけません。「なやみにー」で体をつかったら、次の「こころは」のときは、体はおちています。また、「こころはしずむ」の「む」で入れるか、おとすか。そういうことから構成ができてくるのです。感覚のなかで腹らましや、練り込みがはいるのです。それができてから、テンポをつけるようにした方がよいと思います。生字テンポを守ると、空間が変わらなくなります。
(「日は過ぎて 悩みにこころは沈む」
(ファ#ファ#ファ#ファ♯ファ ドドドドーラ♯ラ♯ラ♯ラ♯ー ソ♯ドラ♯ー)
半オクターブあります。半オクターブで4フレーズというのは基本です。昔の人はバンドが歌い手の呼吸に合わせてくれましたから、歌のテンポ感が呼吸を使いました。最初は音楽の可能性を自分で規制しないで、ふくらませて、いろいろな実験をしてください。うまいへた、きれいきたないではなくて、練り込んでいるかいないかということが大切です。自分のなかでこれが一番のものだというものを選んで出せることです。
ここでは知らない曲を与えられて、好きなように動かせといわれます。厳しい場だと思います。だから自分のもので勝負するしかないのです。リズムや音の感覚など、足りないものを補ってください。特に音色は声が落ちついてこないと出ないものですから、待ちます。変につくるとのどを壊したりします。
楽譜や人の歌い方をまねるより、自分も原点からつくって、原点からつくった人と比べてみて、どこがどう変わっているのかを学ばなければ、同じようなコード進行で同じような歌い方をしていたら、そのなかですぐれようとする方がよほど難しいのです。日本人は特に狭くて、浅いところしか学んでいないので、世界の歴史的な作品をいれていくとよいかもしれません。そこから違うものが出てきます。いろいろな曲をきいて、自分で判断していってください。
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【「百年の孤独」】
(「紺碧のそらには鳥が歌うしなやかなかいほうに抱かれて今飛び立つ
(ソーラードラドレミbレドー ミbーレードシbドドー ソソラドーラドレミbーレードー シ♭シ♭シ♭ドソー シ♭ドソファソドー)」)
長いフレーズなので切りかえていくことです。
(「かさついた指で たどる唇は ことばをなくしても 荒れはてた原野に
(ドドドレミミーレードーレー ドドドレミミーレドドドレミミーレードーレー ソーラードラドレミーレード)」)
生理的に時代の感覚についていけないところがあるかもしれませんが、だからこそ慣れてくれば自分のスタイルが出てくると思います。呼吸から、はみ出してしまう部分やスピードを変えるときと同じように呼吸を変えるとよいでしょう。それは技術的に覚えていくことではないと思います。
カルメン・マキさんはつみ重ねてリピートする感じに仕上げています。
(「たおやかな手をひろげ さすらいのまどいもなく 紺碧の空には 鳥が歌う
(ソーラドーラドレミbーレードー シbシbドソーシ♭シ♭ソレードーラ ソードラドレミ♭ーレードー ミbーレードシ♭ドドー)」)
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【「私の孤独」】
音を体で捉え、イメージをつくっていきましょう。それを声で出していくときに体が必要になってきます。結果として音楽になるには音楽性が入っていなくてはいけないのです。
音楽の世界というのは楽譜、音符、ことば、音程、リズムと分解すればできますが、ここで勉強したいのは、そういうことではありません。聞いたものに対して、自分がもっているものでどう置き換えるかということが大切です。それを支えるのが、テンションやパワーです。それがないところには何も出てこないのです。
テンションが比較的低そうですが、年齢相応の深みが出ています。だからあなた方は、まずつくり出さなくてはいけません。何がやりたいのかまったく見ない、どういう声を出したいのか、どういう音楽にしたいのか、考えていないところには出てきません。ことばや音をとるだけで精一杯になっているのです。
合宿やいつものレッスンでも、一時、何かをつかんでもすぐにテンションをなくし表現を見失っています。私のレクチャーでさえ、テンションに支配されている。そこに皆が入ってきても、小学生が15人入ってくるよりもテンションが下がっているなら、何もできません。
ものまねをするのではなく、与えられたものを組みかえて、自分で出していかないとなりません。できることとできないことがあります。でも、いつも大事にいろいろなものを抱え、価値のないものを抱え厚着をして、いろいろ考えたら結果、普通の人がもっているものまで失っていくのはよくないことです。
最低限のものがないから、表現が乗らないのです。2回目のフレーズ回しで、工夫したした人はいますが、それは工夫にしかすぎません。もっと根本的な問題として吸収できる素地というものを自分で守りすぎて入らなくしてしまっているようです。
常に自分が何ができるかを問うていくと、きつい分、そのしっぺ返しも体でわかってくるのです。思い切り、体をかけてやっているから、本当に危いことは本能的にさけられるのです。
この曲を聞いて、この曲のテンション以下に下がっていってしまっているところでは何もできません。創り出さずまねていくとテンションは下がっていきますから。
音を扱う以上、外側に出ていかないことには問えないのです。また出たものでしかフィードバックできないのです。その試みがないのが一番、困ります。今は言語処理に終わっています。そこに入っていしまうフレーズが動かないと思います。メロディ処理が必要です、仮に声がなくても、音楽性やイメージがなくても、パワーさえあれば案外と伝わるものです。
ここで必要なことは、日常の伝達のために必要なものが前提として入っていることです。自分のイメージや感覚ということです。それが課題によってコロコロかわるようではだめです。歌の雰囲気を出そうとするのはわかりますが、強さがないと、表現というものは伝わりません。雰囲気は出てくるもので、それを出そうとしたら形になってしまいます。
この歌はある一つの世界のために、他のものを全部投げ出しています。ムスタキは力を抜いて歌っていますが、テンションやパワーは心の方に集中させている。そこが皆との違いです。
失敗するのは構いませんが、スタンスはもう入っていないと困ります。3なら、合宿3日目くらいのテンションからはじめないといけませんが、これは、人にあおられてやる問題ではないのです。変に恵まれて甘えてしまっているのではないのか、と思います。プロだったら、ステージで一回失敗したら一年間出場停止、もしくは来年は首です。
ステージで出なかったものが練習で克服できても、練習でできないものはステージに出るはずはありません。1フレーズをとても疎かにしていると思います。合宿などで気づいても、そのテンションを持続できないからです。
一番心配しているのは、皆にひきつける力がないと、先生がくさってしまう、ということです。その逆を求める人、よいレッスン、よい先生を求める人は自らがそれを引き出せていないことに気づいてください。
プロでなくても、成り切ってそのテンションを使って出していかなくてはなりません。音そのものを、いい加減にして、自分の体も眠らせてしまっています。練習も、いい加減にやるなら、やらないほうがよいのです。今日のようなことが習慣になってしまうと抜けだせないと思います。
数をこなすより、たった一つのものを精一杯やって、うまくいかないことを次のときに修正をかけていくようにするのがレッスンです。課題が与えられたら、そこにすべてを投入しなくてはいけない。そこを直さないとマズイのに、空気としてのテンションが落ちてしまっているのはよくありません。
いろいろなことを考えすぎて、複雑にしないことです。それで通じるようものではないのです。もっと体のものを深く出そうというところでパワーを使ってください。器をつくるところでは、もっと真っ白にして、裸になってやっていかなくてはいけない。それは舞台とともに、生き方の問題であるのです。
レッスンの1時間のなかで何かできればいいやくらいでやっていると、1曲歌うことさえできないのです。だらだらとやっても何もなりません。1フレーズ、回ってきたときに、何かの可能性を相手に感じさせることができないとやっていけません。その根本にあるのが、その人の存在感であり、パワーです。
何か変えなければわかりません。それは他人ではなく、あなたのなかで変えることです。それを感じないまま練習を何時間やっても身につきません。人前に出るなら何かを問わなくてはいけません。そういう意でやった方がよいと思います。できるところまで目一杯出していくことです。そうしないと器が広がりません。
まだイメージのつくり方や、リズムや音程などの問題がありますが、それさえ忘れさせるくらいのものを出していかないとダメです。自分でやってもおもしろくないのでしょう。創り出すというスタートラインに立たないとダメです。
(「ながい間
(レレレレレレー)」)
(「ハイ、ながい(ことばで)」)
ことばでやると、表現がつかめてくると思います。それはどういうことなのか、それが展開するということはどういうことなのかを知り、音楽にのっていきそうな音とそうでない音というのは、瞬間的にわかるようにしていくことです。
それはいろいろな歌や楽器のフレーズを聞いて、磨いていくしかないのです。
それを自分のなかで不自然にならないようにまとめていくことです。
無理に息を送ろうとすると不自然なものがついてしまいます。鏡を見ておかしいと思うようなときはよくないように、音の鏡が必要です。
よくないということを知ってやってしまうのはトレーニングではよいのです。そういう勘は一緒に磨いていかないといけない。わからないうちはわかるまで待つしかありません。息吐きだけしていても歌にはなりません。
本人が深い感覚できちんと正していかない限り、役に立ちません。
基本のところをきちんと正しながら、他のものを巻き込んでやることが大切です。正しているつもりでも行き着くところまでいって、本当に気づいて直すしかないのです。正しいものは外にあるわけではなく、自分のなかにあります。後で大きく可能性が出てくるものを自分の感覚で選んでいってください。今出やすい声がしっかりとした音になることを妨げてはいけません。
音に何かを入れていくかというのが音楽の世界です。なるだけ、フレーズをまとまりでとってください。次に動きをとるのもまず体を使い、流れをつくるのです。音楽というのは、もう一つ上のレベルの加工が必要です。
まず自分の感覚を点でなく線にしていくのです。それができなければ「ハイ」にもどってみて、それでまたフレーズにもどってみる。できなかったらまた「ハイ」にもどる。
声を大きくすることが目的ではなく、自分の声を完全にコントロールすることが目的です。ヴォイストレーニングは単純にいうとそれだけです。
シンプルに捉えるということは難しいことです。私のレッスンで重視されるのは、何より音の可能性です。音をきちんとつかみ音程やリズムを一時、犠牲にしてもよいから安定させることです。
(「ハイ・ハイ・ハイ
(シドレ)」)
音を三つに考えないでください。また、高い音はそれだけ体を使うと考えてください。大きな流れのなかで、次のフレーズを踏まえて、このフレーズをどう出すのがよいか考えることです。
大きな声でやるというのではなく、体をきちんと使うことです。わかりにくいときは、大きく出してもよいと思います。大きく出せないと小さく出ません。音量ということでやる必要はないのですが、体を入れていかないとビートも出てきません。
それから、フレーズの一つひとつが完結してしまうと、そこで音が働いてきません。
自分の体がきちんと使えたら、何かが起きるはずです。声のコントロールという一番の目的に鈍感になってしまったらどうしようもありません。今は息が流れて、体が使えて芯のある声が出ることを優先させたいから、音楽的表現や歌はあまり期待していません。自分が思ったところがパッと声になることが大切です。体と音楽表現をきちんと結びつけていくことがトレーニングですから。いつも基本に戻って欲しいということです。
歌はヴォイストレーニングより、ごまかしがききます。ステージもそうです。だから、基本を身につけておかなくてはならないのです。基本いうものの上に音楽があるし、すぐれた音楽は、そのベースの部分をもっています。
体のことに関しては、とにかく息を吐くことです。そして柔軟をして、歌えるようにケアしておくことです。そして自分の状態を把握していってください。音の部分に関しては音を素直に聞き、自分の感覚と実際に出ている音とを比べて判断していくことです。どこまで厳しく問うのかということを、年ごとにやってください。
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ライブに関しては、私情を入れず、そこで出た作品だけで見ていこうと思います。点数での評価では、七人ともあまり遠いはないです。意見が分かれるところは、まとまりとしての完成度とるのか、表現の強さ、インパクト、存在感、印象をとるのかということです。オーディションのなかで、あるレベルでのまな板の上に乗ったのが、2、3人で、あとは不調に終わったという感じます。
オーディションの場をいつも念頭においてトレーニングをして欲しいと思います。自分のなかで、一番高い基準を持つべきです。敬でアタフタしているように思えました。ある意味でそれをつき放すような姿勢で歌っていかないと、通用しません。日頃から、そういうレッスンができているかどうかということが問われます。行き詰まったときこそ、視野を広げて、自分の弱点を見ていくことです。
ここでは自分の長所を伸ばすことを優先させていますが、歌である以上、最低レベルでふまえておかなくてはいけないところがあります。短所に目をつぶってよいとできている人達と自分は何がちがうのか。できるというまえに基準の明確さが問われます。
一方で、たかだか歌一曲ですから、誰にでもできることなんだ、という開き直りも必要になります。その人に力があってもなくても、当日、出されたものがすべてですから、レッスンのなかでも、本番でいかに出すか、ということを考えて欲しいと思います。
歌い手である以上、与えられた歌をどう創造するかということを第一に考えて欲しいものです。創造するためには、材料も、イメージも必要です。同じ歌でもリメイクしだいでよくも悪くもなります。練習にはなっても、人にみせるものではありません。そのままのコピーでは古いからだめです。
トレーニングというのはいろいろと考えて、意識的にやらなくてはいけないのですが、ある部分では、考えても仕方なくてやっている中でつかんでいくことが必要です。他の人の問題を自分で引き受けることが上達のコツです。すると、早めに多くのことがわかります。自分の客観的評価というのは、本当に難しいのです。
トレーナーコメント
ほとんどの人が実力を出せていないし、レッスンのときより悪い人がほとんどだったと思います。表現として伝えようという気持ちをもっと前に出してほしいと思います。もっと声も出るし、リズムもよいはずです。もっとできそうな気がします。総評としてはガツンとこないし、体がみえない。音楽が聞こえてこないです。よかった人はあまりいない。出せるものを出すことだと思います。
自由曲は、聞いたものに影響されすぎて失敗している場合が多いようです。
舞台の基本的なこと、視線や働き、姿勢、表情などが人前に出て、そこから何かやるというようにはみえないのです。声がとんできても、歌や音楽はとんでこない、練り込んできたというより、表面をなでただけ、という感じがします。いつもはもっと存在感があるのに歌でそれを壊してしまっている人もいました。
解放感や、気持ちのよさ、強烈なメッセージもなく終わってしまったという感じがします。
幅の狭さが見えてしまいます。
マイクをつけてやるというのも一つの方法なのですが、それをやると体がつかなくなって口先に逃げてしまいかねないので、使いませんでした。
評価した紙を出してください。
このレッスンは、クラスに関係なく、いろいろな人の声の出し方をきいて勉強しようというものです。
特別セミナーの補足のようなものです。
ーー
【愛の真実】
(「愛の真実」)
簡単なようですがこれで2オクターブほど、あります。
(「この愛が
(ミファ ミドラ)」)
なるだけ、体と呼吸を入れる方向でやってください。発音を明確にするより、前にきちんと出せていることが大切です。少し長いフレーズからいきましょう。
最初に曲を聞いたとき、自分の感覚でどこまで捉えられたかということ、そこで捉えたものを忘れないで練り込んでいってください。
「ミミミミファミドラー」というフレーズがあったら、次も、「ミミミミファミドラー」ときそうな気がします。でも、「ミミミミソー」という展開になりますね。ここが一つの出会いなのです。
これで1オクターブですから、これが完全にできたら、ほとんどの歌が歌えます。このなかで何ができて、何ができないのかを見つめてやっていかないと練習になりません。
音楽というものは3分間あるようで、実際は1コーラス、1分間くらいで成り立っています。そしてそのなかの10秒くらいが決め手になっていることがほとんどです。その短い間に何が見えるのかということをきちんと勉強していってください。
サビは伴奏も盛り上がりますから、誰にでも歌えます。出だしのところで気をつけないともちません。
今まで問題がないと思っていたところにいろいろな問題があることに気づいてください。
マラソンと同じで早い人で一年半くらいからが勝負です。それまでは競技場のなかにいるようなものですから、ちんにと自分のペースや学ぶ習慣をつくっていくことです。
ーー
(「愛は君のよう」
「トワ 君に会った そこは光の中
(ソ シラソレーシー レミミミミーレレー)」)
((「バナナボート」)
「ハイ ハイ ハイ(ソーシーレー)」)
(「ケ 荷揚げすめば
(ラ♭ ミトラbソフアミ♭ド)
荷揚げがすんだらね
(ラ♭ラbラ♭ドドーラ♭シトシトラ♭)
ケ とんでいきます
(ラb ミbラ♭ソミ♭ソフアレ♭ファミ♭)
荷揚げがすんだらね
(ラトラトラドドーラ♭シ♭シラ♭)
ラムでものんで待っていてね
(ミ♭ミ♭ドトミ♭ミ♭ド ミ♭ミ♭ドラ♭ラbラ♭)
あしたの朝までね
(ラトラトラ♭ドドーラbシ♭シ♭ラb)
気が気じゃないけれど
(ドミ♭ドミドミ♭ラ♭ラ♭ラ♭ー)
気が気じゃないけれど
(ラ♭ラトラ♭ドドーラ♭シ♭シ♭ラ♭)」)
ー
(ジョルジアとバスティニーニの曲)
こういう人たちの曲を聞いて、彼らの体のなかで何が起きているか聞いてみてください。
(「オー・ソ・レミオ」)
本人と違うフレーズの部分と、ベースの部分、息が声になっているところを聞いてください。
日本人は、声からつくりながら、歌うようですが、自分のなかにある声と、その使い方を勉強してください。
歌というのでも、使い方の一種です。体から勝負なのだということを、どこかで思っておいてください。
(「愛は君のよう」
「トワ 君に会った そこは光の中
(ソ シラソレーシー レミミミミーレレー)」)
ー
