ステージ実習コメント
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【新入ステージ実習】
【ステージ実習①】
【ステージ実習④】
【京都ステージ実習】
【ステージ実習①】
【ライブ実習③】
【ステージ実習④】
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【新入ステージ実習】
要はやったあとから何を学ぶかというのが大切なのです。コメントも結果をもとにして、次の可能性に対していうわけです。可能性というのは、まず2年からです。それ次にをつなげられる人は少ないものです。
皆さんの場合はまだ問うところにいってないので何ともいえないのですが、2年たったあとにつながるように今は1回1回きちんとそのプロセスをふんでください。
今日の前半に関しては最低のできでした。他の人がどうできているということではなく、その人の何パーセントの力が出ていたかで問うています。結果としてはステージが一番大切なのです。ステージというのはそれまでやってきたこと全部がでます。当人はごまかしているつもりはなくとも、単にその日やればよいという気持ちでくれば、誰にもそうみえるわけです。
仲間うちでも、2年3年いるとお客さんとしても厳しくなります。それはここの一番よいところです。大切なことはそこまでいかなくとも、いつも「それでよいの」といわれないようにやることです。今の力はなくともよいのです。他の人に比べてどうでもよいのです。自分に対して精一杯やったのかを問うてください。自分に対して、ということをきちんとみないとよくありません。
入ったときのレベルはどうでもよいので1回目はある程度しかたないとみています。本当のことでいうと1ヶ月目の発表までにも1ヶ月もあるわけです。それでどのぐらいのことがやれたかということが、これから決めていくのです。充分にやれなかったと思う人は、2ヶ月目から死にものぐるいでやらないといけません。
たった2年です。この1日の送り方が一生の送り方です。だからいつか全力をだそうというのでは無理です。毎日、全力で生きている人、あるいはやっている人がいる世界にはでていけないでしょう。
最初にここでやることです。多くの人にはここでも厳しい場だと思います。これはラプロとしてイブにでている人たちが実際にここでやってみても、同じことでしょう。これだけお客さんが近くにいて、目の前にみえる。形や音もなく、助けるものは何もない、ごまかせるものは何もないからです。
客も上のクラスになれば、音がみえている人がいるのに対し、自分で音を牛耳ってやっていかないといけません。この場の時間とか空間を変えようとか、それをつかもうとすることは大変です。
何人かその感覚を今日もだした人がいますが、そこがスタートラインなのです。そこから何をそこにオンしていくかということをみないといけないわけです。
ステージは楽しみにきてもらうのが一番よいと思うのです。あまりこの場だからできないとか、ここは特殊な場と考えないことです。誰もがそういう場からやっています。そこを楽しめるためにどれだけのことをしないといけないかということを、楽しめなかった人は考えてください。できるできないということはまた別の問題です。
特に最初の年目に関してはトレーニングをやっていり、一所懸命になればなるほどできなくなってくるのが、あたりまえです。トレーニングの方に目がいってしまうからです。だからといってよいということではないのです。何よりもそのときに自分が意図してやったことができたかということも、意図してこないと、これはどうしようもないです。
新しく入った人は気をひきしめて、このなりここのトレーナーの人たちなり出演者から学びましょう。それで通じると思わない人からも、そこから学びましょう。人から学ぶというのはその人のよいところをとり、自分には厳しくすることです。
場も同じです。ここは世界一の場ぐらいに考えておけばよいでしょう。
やれていないうちは、まずは、それにすべてかけていくという姿勢が必要です。課題曲も場も特殊だと思ってしまうとさけてしまいがちですが、トレーニングは正面にとりくむ場でしか成り立ちません。自分でどまん中で受けとめてみることです。
課題曲は聞いたとおりに歌っていても、面白くも何ともならないわけです。朗読でもモノトーク同じです。人様の言葉を使ってみたり、受け売りみたいなことをいくらいっていても、人に伝わらないのです。そのことから考えてみることです。自分でわからなければ他の人のを全部、考えてみましょう。
何でこんなにたくさんの人がいるのに、何もできていなくてつまらないだろう。そしたらやれている人たち、たとえば劇団でも見にいけばよいです。そうするとたいしたことはなくても面白いところもあれば、なんか場が働いているとかわかる。それはお客さんがたくさんいるからではないわけです。誰かがが動かしているわけです。そこで人の心を動かすから、また次回も、見にこようとして動くのです。心よりも足を動かすことは難しいのです。しかし、心を動かさないと足も動きません。
同じ劇団のなかでもうまい人とへたな人いろんな人がいます。全部がうまい人ばかりのなかでみていると、わかりにくいかもしれません。ここではそんなことはないのでわかるでしょう。その違いを自分に引き受けてやってください。
歌に対して好きというのは、海が好きといっているぐらいなもので、その歌を表現していく、あるいは音声を表現していくというのは、まったくレベルが違います。海が好きというのと漁師になることをまったく違うわけです。その違いをまずきちんとわかておくことです。好きというのであれば、チケトを買ってプロの人のを聞いていればよいわけです。
それは原点ですが、ただそれをどうにかしたいのなら、海に入ってみないとわかりません。そのまま入るとすぐにおぼれる感じになってしまいます。
たとえば舞台で何もできなくても、歌詞忘れても真っ白になってもよい。こんなことが起こっても、そこまでの準備を自分ができる限りのところでやってきたら、それでも伝わるものがあるということです。声とか技術がついたら歌が相手に伝わるということはなくて、そこまでにどのぐらいの気構え、心構えでやってきたかが伝わるのです。
それを自分の部屋をきれいに飾りつけて、こんな世界はどうですかとつくってきてもよくありません。それを伝えるというところにこないといけません。
あまり群れないようにしてほしいものです。自分をつくる時間が大切なのにそれをとらずに流されていたら、多分ここにいらなくなるでしょう。本当にやっていきたいのであれば、どこにいようと今、何が問題なのかということを自分できちんと考えることです。目的があいまいになるから達成できないのです。
まず、テンションがまったくないということ。音大の受験生よりもなくて、どうやっていくのでしょう。
たまたまあなたがひろったタクシーがここであったとしても絶対にそこにいきたいと、行き先をつげなかればどこにもいけません。動きようがない。酔っぱらって入ってきたのではお断りするしかないわけです。
24時間一緒に生活するのか、そうでなければ5、6年たたないと、本当の意味では、その車の違いさえもわからないものです。今、あなたはたまたまとおりかかったタクシーを拾っただけです。逆にいうとここでなくてもよかった、あるいはここではない方がよかったかもしれません。誰がひっぱっていくということではないです。自分が動くことです。
平穏無事なのは一般の人にはよいのでしょうが、あなたたちは自ら何かことを起こさなければ困ります。
表現をしていこうとしている人というより、表現がまだみえていない人だというイメージです。こういうのは、その人の発する言葉を聞けばわかるのです。そのことを2年間勉強していかないといけません。そのためにここは使えるところがあると思います。ノウハウなどは、本とか新聞とかテレビからみたようなもので、それを頭を働かせて考えてもよくありません。
言葉というのは区切っていくものであり、音というのはつないでいくものです。音楽の方が言葉より抽象度が高い分、普遍的です。そういう表現の問題も徹底してつきつめるべきです。
やれていく人というのは、大体一目でわかるのです。まず、やれていく人になることです。
そういう人は絶対にどこかにスペシャリティ、人がかなわないと思う分野があって、その分野を勉強している。その深さが、自分の表現を正すのです。
そこから実際にやっているものは人様にわからないといけないから、もう少し面白くおかしいことをやっているようなものです。
私にとっては、本で判断されるというのは不本意ですが、その100分の1ぐらいにその奥が100倍くらいあるように感じてもらえたら、よいと思っています。そういう人は何かをだせるようになるでしょう。それを歌のなかなり、表現なり舞台でやっていくわけでしょう。
今はこうして人前に出る場として、30人ほどの前でやっていますが、それをもっと活かしてほしいと思います。いろんな場でやっている人にとってみたら少ない人数ですが、少なくとも半年1年と成長していくようなお客さんをもっているわけなのです。1回2回ときちんと大事にして、活かすことです。
2年後になれば相当厳しいお客さんが自分の前にいるわけです。2年前から自分をみてきているお客さんですから、甘ったれた関係ではなく、厳しい関係を結んでほしいということです。
「あいつは一所懸命やっていたのに最近の表現は浮いているみたい」といえる人にいてほしいわけです。そうなればよいと思っているのです。
いろんな価値観も必要です。とにかく、「あいつは、ものになる奴だ」と自他ともに認められないのに先はありません。
残念なのはいつも入口でうろうろしていて入ってこない人です。入ってくるとがつんとやられたり、何か刺激を受けたりするので、いやなのでしょう。そんなのはよいも悪いもなく、やっぱり何か起こるから、いる意味があるわけです。それをお互いだまって何にもいわないで起こさないで仲よしコミュニケーションとりましょうとやっていたら、何にも生じてこないのです。だから早くこういう文句ではなく、具体的なコメントにおちるようにして欲しいと思います。
音声と言葉と歌が場からでてこなければいけないわけです。ここにくるとあがるのもわかります。「ナポリは恋人」など、にこやかに歌うしかないような歌ですが、それをぐっともってこれないのはなぜでしょう。他の人たちが悪いとかこの場が悪いということではなくて、自分の責任です。今の自分ではもっていきにくい場があることがありがたいことです。ほとんどの人は入りきれないからよくありません。
あのときにはなりきれたのに、ここではできなかったという人は、今日、ここで起きたことを問題として考えてみればよいでしょう。そしてなりきったあとにつきはなさいといけないことを知るのです。それはあなたの気分でなく作品を問うところだからです。
結局、歌はイベントです。何か起こさないといけないわけです。いろんなことでは起こせても、歌のなかでは起こすというのは約束事がたくさんあるので、とても難しいわけです。その前に自分が煮つめてこないといけないでしょう。それでどうなるかをみたいのです。
だから今日の歌のなかでもところ「せいぜいこのくらいか」と見切られないで、これはわからないぞ、というものは残してほしいと思います。それは、自分の課題になっていきます。
舞台は、半年、1年ぐらい、たったあとにでも「その人をまた見たい」と思えるかどうかということで決まってくるわけです。ここでもよい舞台たくさんありました。
皆さんにも他の人のステージを開放していこうと思います。ただそれを海をみているように、今日の海は何色だと評価していてもだめなのです。自分がそこに立った相手の立場になってみて、そこでやっていくことを覚えることです。体の動き、息の動き曲をかけたときにその人の体のなかに入り、それで感じてみるのです。
その人が何で体を動かしているのか、手を叩いいるのか。そんなことでみると、音というより、メロディのラインぐらいしか動いていないです。
上半身ぐらいが動くくらいでは歌 はおさまりきらず、必ず全身が動いてくる何かがあるわけです。
それは2、3年たたないと全身が動かないのではなくて、全身を動かした練習をしていないから全身が動かないわけです。それが体に練り込むということです。
楽譜がふっとんでも音がつけ変わってでてしまおうとも、音楽がとまっていてもまだ体が動いているとか、そういう内なるものが外に出ようとするときに一つの説得力になってくるわけです。それを練り込んでいかないと勉強にならないです。
お客さんの心がわかるとかわからないとか、そんな複雑なことではありません。考えるまえに、自分から何かが伝わっているときというのが、わからなくてはなりません。自分の雰囲気をもつということです。歌の世界は自分が入って、皆をこちらへつれていくというのを提示しないともっていけません。
今日みたいな歌を固い表情で歌っては、その音も音色もでてきません。きちんとここに立って舞台をみるということです。これから自分がこういうことをやるのだということを、歌うまえにきちんと伝えようとイメージするということです。お客さんの眼の色をつかむというのは、難しいと思いますが、ここはいつも練習の場であり舞台の場と考えてほしい。
というのは、こういうところに出ないと、いろんな人がやっているのをみても、他人事のようにしか感じられないからです。ここでやった人は、ここに立てばどんなことが起きるかということで何かがわかるはずです。
呼吸を深くしたり呼吸を声にすることが何となくわかってきます。それも体でわかってくるのです。それから出る前までの雰囲気があります。だらっとしていたり、まったく盛り上がっていなかったり、暗かったり、それを自らが壊しにいくのです。
皆さんで何かをやるわけではない。1人で何かをやる。ただ、順番があって待っていないといけない。自分がでたところからはじまるわけです。当然、他の人が盛り上げてくれたら、やりやすいし、のりやすいということはあります。しかし、そんなものを期待するのではなく、自分の歌のなかで盛りあげを期待していかないといけないと思います。
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「ナポリは恋人」に関してはイマジネーションが難しい歌だと思います。ナポリは私もいったことありますが、だからといって、歌うというとは別の問題です。とにかくイメージの世界で、そこにいかないことには歌ははじまらないのです。別にナポリのことを歌うわけではなく、自分に置き換えていけばよいでしょう。そのときに音をどうとるか、リズムをどうとるかを問わなければいけません。オールディーズそのままにやっていてもしかたがない。そこが課題です。
音楽っぽい嘘があまり聞こえてこなかったのは、よいことです。少なくとも自分というものを与えられた詞や曲を使って表現することが大切だからです。スタンダード・ナンバーがよいからといって、いくらそれっぽく歌っても、オリジナルで歌っている人に勝てっこないわけです。そこで自分が何かで勝負することです。
「トレーニングが目的のトレーニングをするな」といってまず、常に表現ということを考えましょう。毎回毎回いろんな課題が与えられます。それに対してどこまで応用できるかを問います。応用できる力があるということは、基本があるということです。基本がない人というのは、自分の好きな歌は適当に歌えても、少し違うのを与えたらくずれます。
そこでオリジナルのフレーズをやっています。まず、体と心が動いているというのは、音楽の前提です。それを自分のなかでくんでくることです。これはトレーナーも苦労しているところだと思います。結局、水のなかに入っていない人にどう教えても無理だからです。
とにかくそこで浮くことから始めないとよくありません。力を抜くとおぼれるというところからはじめても助けられません。当人が強い意志をもつということが大変です。意欲の強さが絶対必要です。
その次に見せ方がきます。たとえば今日のテーマで狙いをもった人はほとんどいなかったでしょう。逆に他の人が何ももっていないから、ちょっとした狙いをもっているだけでも、この人は方向性、こうやりたいというのが、ひきたちます。それがあってはじめて、その人の方向性は間違っているみたいだとか、あるいはその見せ方は音楽性から、もっと大切なものを邪魔しているからとか、そういう評価の台にのるということです。
そここそがは本当は自分で、やらなくてはいけないものです。一番、自分のよいものを取り出して組みあげたものというのが、その人の世界なのです。
準備というのはそこまでの音楽の世界を知ることです。準備にそこまでの思いが入っていたら、変わります。そこまで考えたことが全部が、仮にここで働きがとまったとしても、それを破ってとびでてくるぐらいやっていることです。今はそこの準備の勝負をきちんとしていくということです。
こういうところでうまくできなかったということを24回繰り返してもしかたがない。です。どこかで思いっきりとりくまないその自分のセールスポイントというのがロかせません。全ての条件がかなえられたら歌がでてくるみたいに思っているのかもしれませんが、一流の歌い手でも全ての歌が一流に歌えるわけではありません。
何かの材料に対して自分が一番出せるためにどうすればどうみえてくるかということをその場でわかっていること、それに自分にある音楽は何かというものをわかっていることが必要です。
だからまったく違うようなものをぶつけてみたり、たまに日本の演歌でも歌ってみるとよいのです。そこでまったくだめになる人と、逆に味がでてくる人がいます。そういうことをいろいろと知るとよいのです。知ってそれを補うように勉強していけばよいのです。
自分の分野だけでもっと煮つめていきたければそうすれば、いずれよいのです。でも勉強のプロセスとしてはなるだけ幅広くやっていた方がよいです。専門に偏っていくと、それにくせがついて袋小路に入っていく場合があります。違う面でいろんな音楽をもっていると、バランスがとれたり基本に戻ったりできます。
今、皆さんが元気よく歌っているのが、過去の財産でやっているみたいなところがあるのです。くせがついた声でカラオケっぼく聞こえてしまいます。カラオケっぽく聞こえているのは一番よくないと思ってください。それをやると2年たっても何も変わらないからです。それはカラオケ的なテ自分のクニックで直すしかないからです。
自分でない可能性を限定してしまいます。
ものに負ってしまうのです。作品を歌っても自分を歌わないと聞いている人にとってみたら、伝わりません。
スタンダードや流行の曲を使っている人は気をつけてください。
そのときのそのときの自分のもっている全てを絞り出して、アピールしなければいけません。誰でも自分をもっているということはいえます。今まで生きてきている。何か表現しようと思っている。でもそれがアピールできないとしたら、当日のでいが悪いのか、そこまでの練りこみが悪いのか考えましょう。
音楽の世界とか音楽性というのは、まだ問うてはいないのです。このようにやっていったあとによいものがでてくればそれでよいのです。
だから「ナポリ」を伝えたいというような形で歌うのだったら、そういう方向があってもよいというごとです。
私自身としては今の時代にいるのですから、今のものを生きていて呼吸していて、新しいがでてこないと嘘だと思っています。ただ練習のプロセスとしてどこかにひたりこんで、今は何々風の絵を研究しているということをみせてもらうのも悪くはないと思います。
しかし、あまりそればっかりやっていると、器用貧乏で何もできなくなりかねないのです。ただ、その人その人の望む段階なのですから、大きくみています。そやってつかんだその人ののりがひっぱっていく世界です。
舞台に対する責任を早く考えてください。反省ばかりしてもしかたがないのです。そこで決意して覚悟を決めてそこで生きてください。それがこなせない人にすごいチャンスがくるということは、ないわけです。
次につないだということのくり返しでよいのです。負けなければいつか何かできるのに、その場しのぎでこなしていて、見切られてしまったらしかたないでしょう。こなすのだったら、でてみたというだけです。その段階はそろそろこえないとなりません。
最初はでているだけでも立派だといえますが、舞台としてはしかたがないわけです。そこが最大のチャンスなのです。20人、30人も聞く人はいれば、立派なお客さんです。皆さんの場合は、自ら聞かせる権利をつかんだわけです。
それを逆転しないとよくありません。それは感じていくべきだと思うのです。いろんな考え方があります。私は全部聞いているわけですが、皆さんが私の人生の何分かの1を買っているわけです。そのことにきちんと賞任をかえしてこそ、先があるわけです。
そこでいつも借金を増やしていたらよくありません。今は千円で聞くとしても、このままで何年がたったら1万円もらっても聞きたくないというでしょう。いえ、いわないで去るでしょう。それが逆にならないといけないのです。
その人がきてくれるのだったら、他の予定をすべてキャンセルしてきたいと思うようになる。わかりやすくいうと、こういうことです。
だから早く表現する側の立場になって、表現する側にとって何が必要だということをみてください。毎日のレッスンでも、ここにいろんな材料が講師、トレーナー、仲間のなかにたくさんおいてあると思います。
そこで考えないといけないことは、今の日本の音楽の場合はたくさんあると思います。メディアのことも、場のことも考えないといけない。何か大きなウェーブがあって、動きがでているのを期待するのでなく、そういうものを自らつくっていくのが、こういう世界です。
1回1回の場を、毎回のレッスンも、1つの区切りとして、つけていくのです。そのときに何に気づいて、次の1ヶ月にどういうふうにするのだという課題をしっかりと設定してください。でてみては、フィードバックしていくということです。同じようにやっているようで伸びている人は、伸びるようにやっているし、まったく成長していない人は、やっていないかわかっていないといえます。やっている人しか残っていけない世界です。しかしどんなにスロースターターでもよいと思うのです。続けることです。
最初の3ヶ月とか半年わからなくてもよいから、それにくいついてやっているうちに何かわかってくることがあります。それは第一に自分ということです。表現するときの自分ということを捉えなくてはなりません。
もう一つ歌で大変なのは心とか体が音楽で動いてこないとだめだということです。
好きな音楽をかければ心が動くのかもしれないのですが、そこを好きとか嫌いではなくて、すぐれたものに対してもっと敏感に反応できるようにしてください。ラップでも歌いながらボクシングをしてみてください。体のキレやバネというのを高めてほしいのです。
テンションがないというのは、皆さん自体にテンションがないということよりもここにでたときの集中力が決め手です。何も24時間そのテンションで生きているわけではないのです。ただ、そこにでた瞬間変わらないといけないのです。でた瞬間一番よい自分にならないといけない、それが力がないときのしのぎ方です。一番ベストのものをだせるようにしないといけません。
最初は日頃の練習で何もできていなくてもよい。練習もしていないときは、もっと何もできない人であってもよい。ただ、ここに立てば自分のなかで一番のことができるという方向にもっていかないと始まりません。
練習のときにはまわりから認められても、ここにいたときには何もでてこなければよくありません。
私の場合、練習も含めてみていますから、練習も1つのステージということではやっています。一番自分を楽しんだり、面白がるためにステージがあったり、舞台があって、それを歌あるいは音楽として使う人間になりたいということで、きているのでしょう。
世の中はいろいろと面白いことがたくさんあると思うのです。テレビも雑誌も本も。いろんなものに接しても、それは他人のもので、あなたはそこで流されているだけです。それは、私ではないと知ったところから、結局自分が一番面白いことに気づいていくのです。その面白い自分を楽しめるようになればよいと思うのです。
他の人の作品で我慢できるのなら、他の人の作品を聞いていればよいわけです。すぐれた作品がたくさんあります。一生かかって聞けないぐらい音楽もある。それを自分のなかでもっと面白いものをつくるために栄にしていかないといけない。それをどこかで逆転させないといけません。
歌はうまい人もいるし、ステージでなくとも面白い人がいる。そういうのをずっと聞いていたいと思っても、それでは本当の勉強にはなりません。たった一分間でも自分でやってみることです。よいお客さんになることをめざすことです。日本にはそのお客さんも必要だからよいお客さんにもなってほしいのです。
でも、やる立場としたら、そのことよりも、「おまえは、引っ込め、おれがやるのだ」といえるようにならないといけない。そうしたらそこに立っている人たちよりも、まずは量をこなしていかないといけないし、質も必要です。
あるいは誰よりも熱窟なり意欲なり、もっていかないとだめだということです。時間をきちんとキャリアに変えていってください。
舞台はそういう中でやらないといけません。それで伝えられるだけのことを精一杯やる。それは技術とか歌がうまいとかへたではなくて、まずは、その人がそれだけのことをかけてきて誰にも負けていないということをやっていたら、胸を張ってやれると思うのです。
その人のギリギリのことをそこでベストをつくすしかない。それで勝っていかないといつまでたっても上達しない。いや、勝つか負けるかよりも、そこでどうあるかでしょう。また、そこにどうあがっていくかです。そこで生きる覚悟がないとそのうち舞台にあがれなくなってしまう。
人前にでることが楽しいことが素質だとは思いません。力がないときはずうずうしくでていってもしかたがない。ただ、ここはトレーニングの場です。自分のことを他人から見る勉強になります。自分に厳しい人ほど楽しめなくてあたりまえだと思います。でもそれもかかえていかないといけません。その上でみせ方を考えましょう。自分のなかで燃焼していてもしかたないわけです。外にそのエネルギーをだしていかないといけません。自分のパワーをあげるのです。
このなかでも「自分でわかった」とか、「自分の世界はこうだ」という人はいるのですが、間違えたくなければ常に人前で問うていくことです。やれているということが正しいのです。人が理解しなくともそれが間違いということではないのです。ただ、自分のなかのその感覚を育てていって、誰も理解できなくとも、正しいことを、部屋のなかでなく、人のいる場でやってみることです。
自分の方がすぐれているから、客が理解できない場合もでてきます。それから自分のやっていることがあまりにマイナーで深すぎて、他の人には毛嫌いされることがあるかもしれない。そこから全ては始まりました。そのことと価値とは違います。
人に受けようとしたら変えていくやり方というのは、いくらでもあるわけです。ここはそのやり方はとりたくないのです。その人の世界がきちんと提示できて、そばに一流のヴォーカリストがきても、誰も侵すことができない世界ができたらよいと思います。ぐちゃぐちゃであろうが、真っ暗であろうが、そこにたった一つあなたの深い色があればよいということです。
一人になったときも、それは、エネルギーになります。自分を救わずして客を教えはしないでしょう。
ただ、1人でやっているとそれがくせとか、自分の思い込みになりやすく、必ずそれてしまうのです。そういう場にでて問いつづけないと偏っていく。これは不思議なところです。いくら独学でも、そうである人ほどどこかで徹底してすぐれた人や先人に学んでいます。学びつづけています。
自分を知れば画家とか小説家は山奥にこもってやれなくはないのでしょうが音声というのは舞台と働きかけてこそ、音色となります。そこで、人前でやる感覚をつんでおかなくてはいけません。トレーニングして、人前へ出ていくためにあります。人前でやっていきたければ、人を求めないといけないということです。
仲間を求めるのではなく、他の人を求めるのです。人を求めないとあなた方も人から求められないということです。そのために音楽がある、歌がある。歌がどんなに歌えても、うまい歌を聞きたいとは誰も集まってこないわけです。そこにある責任感とか思いとかその人の世界観が人を支えます。
その人のなかで歌が完結していたら面白くもありません。それなのに、自分を少し広げたくらいの仲間うちで群れてやっているのは、広い意味での自己流にすぎません。これは先に述べた、やれているというのと違います。
自分の力だけでトレーニングは成り立つわけがないのです。だからレッスンのなかでもやってみてください。体を動かすという意味は、体を動いている人たちをみるのが一番早いと思います。歌を耳で聞くのではなくて、レッスンでも鑑賞でも、自分の体の動きとか心の動きを声に同時に入れていくのです。それを媒介するのが音声であるというだけです。
スポーツとか武道とかダンスとかから得られるノウハウというのは大きいと思います。
日本人の歌は何となく直立不動で、じっとしていてきちんと歌うのだというのはあります。最初はそこから入らない方がよいと思います。
いろんなヴォーカリストをみてそのなかで共通の要素をきちんととっていってほしいということです。テンション、集中力、体力は、共通です。ただ、そういうのが全部、声の条件とか、音声とかが伴っていないからできないということではありません。それがあればできるのではないが、そういう技術があればよりよくみせられるのです。だから早くそこにいくことです。
今日の8割の人にいいたいのは、テンションだけの舞台をとにかくやってみたらどうかということです。こういう場でなくてもよいです。自分1人のところでもよいし、スタジオを借りてもよい。思いっきり3分間で汗かいてみるようなことを、体からの表現でやってみる。そうしたら問題がクリアになります。音がまったくでない、言葉はまったくいえない、音楽がまったく、流れない。そこから入っていく。
役者は、いきなり前にでて、いろんなことをいいあい、ケンカ腰でやります。歌い手の場合はそれを自分のなかでやり音に置き換えていきます。そんな練習をしてみてください。
わけのわからない人はわからなくてよいから、なるだけ続けてください。どんなに音楽を画面でみたり、耳で聞くよりも、自分がでる場にいるとき何がわかるのかが大切です。友達のライブに行くぐらいなら、ステージ実習にでていた方がよいというのも、そのためです。
自分がやると、聞き方とか体の感覚が変わります。その日のその責任を自分に引き受けるわけです。今日は最後にやろうなんて思ったら、最後までずっとそういう感覚があるでしょう。
自分がやったとたんに抜けてしまう人もいますが、それは最後にもう1回歌わないといけないというぐらいで聞いていると、体に入ってくるのです。何でも、トリをとる人は、トリをとるつもりでいても、トリの人を聞いているのです。
そういう高い緊迫感とか、テンションのなかで、音を入れていかないとよくありません。体が固くなって恐怖感があるというようなことと、これはまったく違うわけです。緊張のなかでのテンションの高さです。それをつかんだ上でそれをはなさないといけません。つかめないのははなしてしまってもよくありません。1回、自分を忘れてなりきってみるのがよいのではないかと思います。
今は皆さん、どういうふうに歌を解釈して、「ナポリ」をだしてみたら、もつだろうかというレベルで、試みているくらいのところでしょう、楽しいことをだしてみようとかそういうことでもよいと思います。それが1つでればこれを次のフレーズではこう展開させてみようとか進みます。
ただ、頭の計算では、なかなか体が働いてくれないのです。そうすると自分の体と相談して決めていくようになり、頭が働かなくなってしまいます。体が考え、体がやるようにやるということで叩き込んでいく。それには自分に叩き込んで自分の正解を決めていかないといけない。それが日頃やっているレッスンです。
たくさんのレッスンがあるように思えますが、本当に1つのことをやっているのです。自分がタクシーの行き先を告げていないから、1つの方向に凝縮していかないから、あれもやらないといけない、これもやらないといけないとなっているわけです。1つのことを考えたら全部がそれにとりこまれてくるはずです。そこからがレッスンのスタートです。
そこから2年間をカウントしてもらえば有りがたいと思います。そこまでいくのに2年かかっても遅くはありません。そのときにもっと体がついているとか、もっと音楽を聞いているとか、今より絶対によい条件でスタートできるようにしておくということです。ここにだらだらといて適当に場を甘くみてしのいでたら、2年たつともっと悪くなります。年齢がいく、体動かなくなる、固くなる、音に対して鈍感になる。本とかをいろいろ読んでいて、ロ先だけでは、いろいろな理屈だけはこねられるようになる。こうなってきたらもう何にもできなくなってしまいます。これはよくないパターンです。ほとんどの人がこうして、大人になって言い訳をよすがに生きています。そういうのは、ボリシーとまったく違います。
自分の考えが自分の成長を妨げることがほとんどなのです。何かやれた人というのは共通の言葉、共通のルールの上でやっているわけです。皆さんそういう人たちの話を開くと納得するけれど、それを自分の今の尺度ではかってしまうと学べないのです。
柔軟性というのは、そのときに自分を全部、無にして、むこうのやり方で考えてみようと投げ出せることです。それまでの自分を投げ出すというのは、とても勇気のいることです。今までやってきたこと、今まで歌ってきた歌い方も全部なげだすわけです。でもそうしないと新しいことは身につかないのです。
全部をもったままオンするほどの容量は、やってきた人ほど、年齢をいった人ほどないのです。だからこわすということは大切なのです。これはどんなレベルの高い段階になってもそうです。毎回新しいことができるように、面白いことができるように、自分を再発見して生きていくことです。昨日の自分より明日の自分を楽しみましょう過去でなく未来に生きましょう。
PS.いつまでもリハーサルリハーサルで本番のできぬ人は本番がリハになる。
本番はいつまでもこない―。今、いつも本番に。
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【ステージ実習①】
プレBV座など。上のクラスのステージを見る機会があった方もいると思います。ステージ実習は、他の人のステージを見て、自分も同じ場でやってみて、どう違うのかということの勉強です。
課題曲への完成度は期待していません。どう取り組んできたかを見ています。
歌や音楽のレベルでいうことはありません。とりあえず、自分を見せにきたという感じの人しか印象に残らないほど、他に何もできていませんでした。多くはステージに立つスタンスの問題です。
今回は、先に行った新入ステージの方がまだましでした。うまくできないのはよいのです。ここに入ったときの状態には個人差があるし、人によってプロセスも違います。だから基本のところがどれくらい見えるかと、こちらから読み込んで見ているわけです。すぐれているかどうかではありません。許せる間違いと許せない間違いがあるということです。許せるのは、次につながるもの、可能性の感じられるものです。
ここも今までにかなりレベルの低いステージもありましたが、今日のようなものはこちらでもお手上げです。少しは恥じてください。まったく別の方向を向いています。歌胸をなぜているだけ、ただ覚えてきただけのもので、人前でやることではありません。
自分で心底、改めていかないとどうにもならないと思います。日常その辺でしゃべっている状態ほどの魅力も出せないならやらないほうがよいでしょう。それでも自分がやってきたのでしょうが、普通の人の通の状態で出せる魅力も感じられないなら、それは精一杯やっているのではなく、ただの逃げだと考えてください。
スピード、リズム、ノリ、テンポ、そういうことがスキだらけです。これらをきちんととるのは確かに難しいことですが、それ以前に今日はほとんどが日頃やっていることの態度を問われるレベルでの問題です。そんなに簡単に終わっていいのかということです。何も聞こえてこない。皆さんで示し合わせてサボったのかと思ったほどです。
曲をどうとらえたかを今の自分の力のなかで、最低限自分と接点をつけることをやってこなければいけません。自分でVTRを見てください。自分に入っているものはきちんと出すべきです。力があろうがなかろうが、できることさえやらないのではどうしようもありません。
これが仕事だったらあなたたちには絶対にまかせられません。あと2年経って力がついたらやりますという言い訳はしないことです。そういう人は、20年たっても何もできません。
同じものを与えたとき、上のクラスが出るのはあたりまえですからその差にのですが、取り組みに差があってはいけないはずです。みなさんは上のクラス以上にやってきて当然です。そこでやれないなら、それ以上のことは生涯できてこないのです。これまでの年月やキャリアの差ではありません。これからの差も、ここに扱われるのです。
曲の展開、Aメロ、Bメロがあり、調まで変わっているのにそれさえ、なにも伝わってきませんでした。こういうものを聞くなかで繊細に自分のなかで感じてください。なぜそんなふうにブツブツ切れたり、変にスタッカートになったりするのかわかりません。
感じられないならもっと聞かなければいけないのに、聞かないうちに決めつけているからでしょう。500回聞いてもわからないものはわからないのですが、そこまでやっていない、取り組んできていない。それではわかるはずありません。
曲を聞いて、こう歌えばよい、この程度で通じると思うのは大きな間違いです。消化不良なのです。消化できただけでは意味がないですが、それでも消化する気があるのか、本当に歌を歌っていく気があるのかと思わせてしまうようなものではいけません。
印象に残るように、叩きつけただけではだめなのですが、それは最低限の要素です。からだも心もまったく動いていないことがわかりますか。
明日からレッスンに出るならもっとその場を大事にすることです。この場も、です。
それくらい覚悟があれば誰にでもできることなのですから。
数名は歌らしく聞こえた人がいましたが、それも外側をなぜているだけです。リズムだけとって急ぎすぎています。この曲のどこに何をど感じたのか見えません。この曲はこんなにもつまらないものだと思ってしまいます。しかし仮にそうでも、それを素晴らしくするのが、ヴォーカリストでしょう。
課題曲は変な曲を選んではいないはずです。すぐれた曲をつまらないものにしてどうするのかということです。
出来不出来はどうでもいいことです。トレーニング中ですからこちらもそこは広げて見ています。でもやっていることが自分の課題に落ちないと意味がありません。その人の世界が出ていれば、このくらいのステージはもつのです。
「冷たい言葉」は、受けとめ方から間違っています。「あなたに恋をして」どんな恋でもいいのですが、そこになにも感じていないでしょう。何を伝えたいのでしょうか。
今のみなさんのレベルで声でねじ伏せようとするのは無理です。きちんとやっていたらプロセスにおいて声、音楽と自分がぶつかるはずです。そこに苦しんでうまくいかないのはともかく、それさえみえません。そのなかで自分をみせることです。
それから演奏の部分を勉強してください。声のことに一所懸命なのが目立つのはしかたないことですが、目的をきちんと設定してください。まず、スピードとメリハリ、そして1オクターブのなかでの感覚の展開です。音程、リズムはとれるようになってきますが、音感、リズム感が宿っていないのは困ります。歌詞をただ読んでくるのではなく、自分で感じて再構成することです。調が変わったら気持ちも変わるし、目線もしぜんと動きます。
がんばって声を出すのはよいのですが、音程もリズムも言葉もひとつも決まらない。それらが狂う発声というのは、コントロールできない状態ですからまったくの間違いだと思ってください。フォームを整えずに全力を使えばパワーは増したように思いがちですが、それは体の原理とは反します。力を働かすにはコントロールが必要なのです。
本当に心を入れて入りきり、集中したら、たとえ1番だけでもくたくたになり汗もかくはずです。こだわっている部分があればこんなにさっさと終われないはずです。どうしたらこんなにつまらなくなるのか不思議なくらいです。
その辺のサラリーマンを30人呼んできても、もっと面白くするでしょう。
もし一所懸命やっていてそれがまったく見えないなら、その一所懸命は方向が間違っているということです。やっていて、できるできないというなら評価できますが、やっていないから評価もできません。なぜこういわれるのか考えてください。
今は1月ですが、このまま気づかなけれ12月になっても変わりません。プロとしての仕事だったら、そんな表情、そんな身振り、そんな顔して来るのかということです。がんばっていた人も、空回りしていました。それは、伝えるということからずれているからです。今何をしたのというベルです。どこかに徹底してこだわったら、人はもっと繊細になります。大雑把に受けとめ、どこにもこだわらず、なんとなく練習してきたら、それが全部出るのです。
好きな曲を好きなようにやるより、好きではない課題曲の方を真剣にやってみてください。好きでないなら好きになるまで聞き込んでくることです。自分に言い訳をつくらないことです。何が悪いのかわからないのが、最大の問題です。
何人かが自分を力づくで見せることのできた人は、形に押し込めないようにしてください。
形を踏まえて自分になればよいです。そのなかで自由にしていくことを考えてみてください。
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【ステージ実習④】
この④クラスは、さらに4つに分けなければいけないほど、力や感覚に差があります。その差はなかなか縮まらないものです。私は本日はあまり体調がよくないのですが、元気なときは、ばかていねいに、聞こえてこないところまで聞きにいってしまいます。体調が悪いと、こちらに飛び込んでくるもの以外は聞こえてこないので、感覚を鈍くして聞いている方がわかりやすいこともあります。一般のお客の気持ちになれます。
しかし、一般の人の純さとは違います。
入門クラスには今のところ、音楽は期待していません。その人のものを100%出せるかどうかだけ見ています。でもこのクラスならもっと音を感じてくることができるはずです。レッスンにきちんと出ていたら、そうなるのです。
そういうことがわからないから、伸びないどころか悪くなるのです。
今日、聞いていて歌が飛び込んできたのは、真ん中からあとだけです。それまでは歌もなにも届いてきていないのです。誰がみても明らかでしょう。
一流のヴォーカリストの目盛りで見れば大差ないことでも、感覚に50から800くらいの差があります。50に満たない人もいます。感覚の鋭さ、鈍さというのは、まっすぐに入ってくるものを聞けばはっきりわかります。
たとえば「あなたに恋をして」で音楽が変わっているのを自覚しているのかということです。感覚が鋭い人はそこで速度も音色も、つまり感覚をチェンジしています。表情、視線、動作、感覚が働いていればしぜんに動いてきます。
課題曲は2曲とも大曲が、アカペラは伴もなにもなく歌い手が自分で作っていく世界ですから、歌い手が提示してくれなければ音楽の展開は見えません。1番勉強するべきなのはこういうところです。みなさんが思っている以上に差があります。わかっている人にはわかるでしょう。足りない部分を埋めていくことです。
自分と音楽の隙間を埋めていく作業をていねいにすることです。単純にいうと音楽のルールと自分のルールの両方で客を説得するということです。それは好き嫌いを超えて評価できるものです。①クラスあたりまででは皆、他人のルールを使っているからだめなのです。それが自覚できていないのです。
だから2番に展開がありません。1番の出だしと同じだとわかった上でそれをどう変化させるかであって、形をまねてはいけないのです。こういうことを感知できているかいないかが今日ははっきりとわかります。そこで予想以上の差になっています。
大きな流れ、揺れのなかで動かすために全身を使うのです。だらだらと流してはいけません。助かしていくのが、曲です。のど声の回避を、上の方のくせをつけているところでやらないことです。ひびかすのでなく、ひびいてくるようにしていくのです。
単に表面の波しぶきをコピーしていてもよくありません。波の動きの元を捉えてください。大切なのは、声量でなくスピードです。エネルギー源のところとその感覚です。
止まっているものをつなげてみるだけでは音楽ではありません。そんなことをしているからすべて遅れていくのです。それは鈍いということです。音への感覚があったられません。遅れているようでも、殻があってそれに沿っていれば狂わないはずです。
Non so maiのところも形、口先だけになっています。体のどこかで止めてしまっているのは、ふしぜんなことです。また、押してはいけないところで押さないことです。音楽が走っていないとテンポがおちてしまいます。テンポをおとすのはよいのですが、その代わり次で元に戻せなければなりません。
テンションの高さというのは、音色もスピードもつきますが、それは音量の大きさとは違います。練習してくるのはよいのですが、絞り込み方が計算だらけで、そのうち媚びてくるだろうというのが見えます。もっと心とか気力で勝負してください。
立体的というのは前に出ることですが、それは声量ではないのです。感覚を声にのせて伝えることです。その人の生命力、心の動きが見えることです。もたついたり、不用意に揺れる、急に大きくなったり小さくなったりする、これはコントロールできないというより音楽そのものの流れからはみ出しているからです。
声も歌もつくりすぎです。素直であるべきです。顔色や顔つきに生命感が表れていません。半病人みたいに見えます。ふしぜんに明るいのは健全ではありませんが、もっと、はつらつとして元気さ、健康さみたいなものが見えてよいはずだと思います。
音、声、フレーズにもっと執着してください。必死さやひたすらさだけで勝負しないほうがよいと思います。ステージ実習に余裕をもって来るのも、考えものですが、もっとステージ、見せる、ということを考えてください。歌の原則はシンプルであることです。
歌のなかの変化をいかに乗り越えて生かすか考えるべきです。生かせない変化は変化させないことです。変化とはそこで客を惹きつけ動かすためのものですから、生かせないなら無駄に動かさないほうがよいのです。
これでテンポが狂ったりしていることが多いのです。変化のところを見せようとしないことです。見せようとすると変化に自分が漏れてしまう。冒険は変化するところではあまりやらないこと、そういう変化は目一杯自分が楽しんで、いざとなれば抜くという非常線を張っておくということです。
前半の人にいえることは、自分が見えていないということです。自分のものだけでも出せば、ある程度通じるはずなのに、歌を間にはさんでそれが障害になっています。本当は歌にのせて伝えるべきでしょう。自分で自分のことがわからないというのは、プロであればやめてもらうしかない、そういうものです。
音楽の知識が入っているかいないかで勝負するのではありません。自分の世界で勝負してください。どうして、そういう出だし、そういう計算になるのかといつも思います。それは1、2年目の人がする冒険とは違います。自分で作ったルールの間違いは正さなければいけません。声量も声城もあるのに、なぜそのように使う歌うのかと不思議になります。そこにもっと敏感になってください。
音域がとれなくて強く出てしまうのはしかたありませんが、だから飛び込んでこないのです。それは、力の差ではなくイメージの差です。Non so maiがそのまま強すぎるしつくりすぎです。感覚というのは音色でつかめばわかりやすいはずです。そこでパッと引き寄せたり戻したりできないものはよくありません。
動けない声は死んでいるのです。なにも動いていないところで口だけしゃべっているように聞えます。それでは伝わりません。音楽をきちんと読み込んでくださいを見て解釈し、練り込むには、もっと感じてこなければよくありません。
曲を何回も聞いてください。1回目に聞いたときがとても大事です。好きではない課題曲でも、最初に聞いて少しでも惹かれるところがあれば救いがあります。少なくとも感じたり惹かれたところは生かして伝えるようにしてください。まずきちんと感じることです。そして、感じたことを邪魔しないことです。
歌は流れをつくれば助けられます。
せっかくアカペラで同じ場に立つのですから、すぐれた人を見てどう自分と違ったのかを勉強してください。その人のなかで回っていたりバタバタしているのは音楽を邪魔しているだけです。音楽をつくるのは大切ですが、まずきちんと自分をのせていくことをやってきてください。もっともっとおもしろくしてください。
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【京都ステージ実習】
今月から京都でステージ実習を再開しました。以前にもステージ実習はやっていたのですが、く来る人も少なく場ができなかったので中止しました。だらだらと集まってやるのでは却って場が腐っていくからです。精神をたるませるなら、やらない方がよいでしょう。
ステージ実習でのコメントは、なるべく自分で気づいてもらうように総合的にしていました。個人的には、トレーナーもどうしても遠慮がちなコメントになります。しかし、自分で気づけといってもなかなか難しいようです。そこで基準をはっきりさせるためにも今後は直接的コメントを返していこうと思っています。
今日聞いていても、その必要性を感じました。まずベテラン勢がおかしくなっています。
課題曲もこれだけの人が歌ったのに、結局どういう曲だったのかが残らないのです。こちらが歌詞を見なければわからないのでは困ります。途中で誰かが1ヶ所、張り上げるところがあったというくらいしか印象しかありません。
このようにひとりでやっていては気づけないことがたくさんありますから、ステージ実習をいう場を生かすようにしてください。
出席したということは最低限、評価します。何事も第一にそこにいることが大切です。どんなことをいわれようと、出るということでチャンスを生かす可能性が出てくるのです。次につづけることが大切です。たとえだめでも次に生かせばよい。ライブ経験のまえに、場の経験が必要です。
サッカーでも、仲間内で楽しんでやるのと観客に試合を見せて喜んでもらうプロとではまったく違います。単にサッカーが好きな人が、プロに混じって試合に出ても、楽しいどころかボールにも触れられず、試合に入ることもできないでしょう。ステージ実習はまだ観客からお金を取るのではありません。
みなさんが経験を積む場ですから、たくさん.出ていろんな試みをして欲しいと思います。自分ではわからないことを、人のステージを見て気づいてください。出つづけること、そこで常に何かを出し続けることが信用になっていきます。
前半の人は、アカペラに慣れていないのでしかたないと思いますが、まず声のなかになにもないということです。リズム、グルーヴ、そういう基本的なものが入っていません。歌わされているといった受け身の状態です。一所懸命なのはわかるのですが、スピード、メリハリ、テンポといったすべてが散漫で集約されていません。声の問題ではなく、態度、舞台の作り方の問題です。
リズムでもグルーヴでも、体に入っていないものは出てきません。
ほとんどの人がくせで歌っていて、本人が動いていませんでした。本人ではないものはまがいものですから、これは通用しないのです。もっといろんな人の舞台をたくさん見てください。人を見て、なぜあの人はこうするのか、から、自分だったらどうするか、を考えることです。
ただ曲をコピーしてきてもよくありません。自分の呼吸に置き換えなければいけません。そうしたら間の取り方からもっと違ってくるはずです。単にカウントして数えて入っているだけですから、間が全部死んでいます。
自分が働いてつかんでいたら間奏が聞こえてくるのですが、すべて止まっています。声を出しているところしか歌っていないからです。それっぽいことをいくらしてみても、それはその人ではない。退屈なだけです。
オリジナルで勝負しろというのはこういうことです。なにかのまねやくせというのは、その元の本物を知っている人が見たらマイナスしか目立ちません。本人だけが気づかないから幸せなのです。ものまねでも、本人がびっくりするほどそっくりにまねる人がいくらでもいます。でもどんなにまねても本物を超えることはできません。No.2はいらない世界です。どこまでまねられるかということをやってみるのはよいですが、それを競うわけではないのです。
全体的にいえることですが、引き込んでいく力が感じられないまま終わってしまいました。ライブらしく熱くなった箇所はいくつか見られましたが1曲の半分もそれを保った人はいませんでした。そういう箇所があれば相乗効果があってどんどんとライブがよくなるのですが、それがありませんでした。
ステージ、音楽、君葉、リズムなど、感じたことを握って普段からトレーニングしているのかということです。ウソのものは課題が突きつけられてこないからわかります。いつも結果をはっきり出していかなければよくありません。そこで逃げると結果があいまいなまま、単に歌ったということで終わってしまいます。
一つひとつのフレーズを何度も歌ってみることです。感じてそこをつかむことです。皆さん口のなかで歌っています。体に声の芯があってそれがしぜんと響いてくるのはよいのですが、なにもないところに響かそうとするのはおかしなことです。歌のフレーズも同じで、なにもないのにつくるのは変です。自分の内部の感覚をもっと勉強してください。
形をまねるとはどういうことか知ることです。その心やその感じがないのに、どんなやってもただの器用さ、こけおどしにしかすぎません。自分がつかんでいないのにまねることは、その辺の人にはそれっぽく聞こえるでしょうが、耳のある人が聞いたらとてもかっこわるいのです。
本物は腹で歌っています。そんなふうに見えなくても腹で歌っているのです。それがわからないのはボケているか鈍いということです。変化したり崩れたりというのは他の部分がきちんとできていたらかっこいいのですが、それを形だけとってくることは、柔道で崩れながらも決まった技がかこいいからといって、崩れた技の型をトレーニングするようなものでしょう。
やってはいけないことなのです。そんなことより基本をきちんと固めていくことです。基本ができているから、崩れても決めることができるのです。そこを間違わないでください。
ステージ実習には課題曲がありますが、たいてい自由曲よりは、よいできです。自由曲は好きな曲を選ぶためにのまれてしまうからです。自分の好きな曲は、歌うとそれでは、り立っていると思ってしまうのでしょ本人とその曲の間には成り立っているのでしょうが、観客と歌い手の間ではなにも成り立っていません。本来、自由曲はより自分らしさが出るべきなのですが、これも場を経験していく中で考えてください。
力とはより生かすために使うものです。目一杯使われているとコントロール不能になり限界が見えてしまいます。本当に調子の悪いときは力を使っても、本来、力はゆだねるものです。初心者は目一杯でもよいでしょう。体を使うことを覚える時期にはそれも大切なことだからです。
あとは自分が鈍くなっていることに対して鈍感にならないようにすること。第一に2番まで歌う必要があるのかということです。1番でもたないものを、さらにだらだら2番を続けるのは鈍いということです。場の感覚、雰囲気を感じ、もっと勘を働かせてください。
アカペラで歌って間奏の間がもたなければ縮めればよいだけのことなのに、単にカウントだけとっているのです。なにも感じないで歌を音に当ててきたことが見えてしまっています。出した音でなく、音が何を出すかの勝負でしょう。
感情表現とは内部の感覚の表れです。もっと感じていたら、動いてくるはずです。自分の感覚にもってこなければよくありません。その点ではヴォイストレーニングも歌 も同じです。自分の感覚、イメージを音色にどうやって表すか徹底的に突き詰めることでしょう。
きちんと感じていたら1番2番と流すのではなくもっと構成できるはずです。変に感情表現に媚びる必要ありません。毅然として表現すれば通じます。歌がよくないのは、感じていることがよくないのです。そのようにしか歌えないのは、そのようにしか感じられないからです。私はその感覚をみています。
ここでは自分の歌に専念してください。ドキドキしすぎるのも、なめすぎるのもどちらもよくありません。観客は最初は冷ややかなものですが、これがスタートラインです。これを動かすために始めるのが、歌うことです。
いろんなものを聞き、音とたわむれているうちに、ちょっとした入れ方でまったく違うことがわかってきます。心にそういうものが落ちてくるのを待つのです。ジャズや器楽を聞くとよいでしょう。音色をどう出しているのかを勉強してください。うまい人を聞いて、へたな人を聞く、そうするとわかってきます。
音の世界がまったく見えないのは困りますが、見えても当てることをねらってはいけません。音が体に宿り、表現したらその音におちていくのがよいのです。いかにも○○風、というのをやめることです。そこでごまかさないことです。自分でわかっていればよいのです。声が出ないからつくりでしのぐというときもあるでしょう。それは、その距誰が自覚できていればよいことです。しかし、そこで一工夫欲しい、まずはパワーでしょう。
最大に相手に伝えるためにはどうすればいいのかを考えてください。観客は歌というより、その人の世界が見たいのです。ステージ実習は基本の振りの部分ですから、そこから出てくるものを大切にするべきです。出てくるまでやってもいないのに、つくりやまねに逃げないことです。
音楽のなかには音の構成、リズム感、言葉、それぞれに力があります。それをどう生かすか。自分がそこですべて殺してしまって、自分の力だけでもっていこうというのは無茶です。最終的にはしぜんであること。しぜんにポツンと歌い、なにが出てくるかです。その前にできるかぎりのことを詰めていなくてはなりません。
自由曲でははまってしまい、やれているような錯覚を起こしますから、自分が好きではないようなものをどんどんやることです。そうしたら、どこをどうすれば伝わるかもっと考えられるでしょう。もっと試みてください。自分の声と感覚のなかでしか勝負できないもの、しっかり声を掘りそれをどう動かすか、どう変化していくかというところにじっくり取り組むべきです。
1曲を長く練習していくと曲の方が成長します。すると感覚が変わります。捉え方が変わったことを気づくことで自分も変わります。同じ曲をいろんなヴォーカリストで聞いてみましょう。人間は感覚も感性もすべて一人ひとり違うのですから、全部聞いて自分でもやってみて戻していくと、自分のことが見えてくるはずです。
サラ・ヴォーンが「枯葉」を歌っているのですが、なぜ、何万曲ものなかから、この曲を選び、しかもこのように歌い変えたのかでしょう。わからないと感じたら、自分でやってみるのです。ヴォーカリストも作詞家、作曲家と同じプロセスを経るべきだと思います。音の構成、言葉、そこにどういうものが入っているのかを当然、歌い手もつかんでいなければならないはずです。曲に対する解釈は絶対に必要です。
海外ではこういうことのために、ポップス史や作詞作曲を勉強しています。日本人は即興に弱いのですが、それを楽しめるようになることです。声に対し音をぶつけていって自分の感覚を見つけていってください。初心者は特に、今のうちにたくさん聞いてください。ここにいるうちにしか聞けないと思うからです。
たまたま今まで聞いてきたものをステージ実習に合わせてもってきても無理です。好きなだけで体に入っていないものは出てきません。自分の内部の感覚に通じていないからです。
プロは自分の可能性を探ることを常にしています。歌は自分で築くものです。それがあたりまえになるまでやってください。それが歌い手の仕事です。全身を使って練習すること、もっているものを出しきること、その実験の場としてステージ実習を生かしてください。
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【ステージ実習①】
前回かなり厳しくコメントしたので、それと比べながら聞いていました。ひとつはステージの位置づけということです。ステージは虚構のなかのリアリティであり現実とはまったく違います。計算通りにはいかなくとも、舞台のスタンスをきちんと考えないとよくありません。
自分がどんなに悲しくて、そういう想いを抱いていても、観客にとってはまったく関係ないことで、あくまでもそれがリアリティをもってこちらに迫ってくるかどうかが問題なのです。こちらが救ってあげなければとか、助けてあげなければいけなくなるような舞台では、観客にしてみればどちらがお金を払って見に来ているのかということになってしまいます。雰囲気や情感だけで歌うなといっていますが、その辺はやはり分けるべきです。
感情移入するのはよいのですが、入っていっても自分で出てこなければならない。出てきたところでしか伝わりません。突き放した歌い方というのは歌の場合いくらでもあります。伝わればよいということです。台詞でも言葉でもよいのです。歌であれば本当は音楽であってほしいですが、そういう中にリアリティが感じられるかどうかです。
リアリティというのは真実味です。真実味とは具体的に泣いたり、悲しい表情をしたりすれば伝わるのかというものではありません。モノトークのような話の場合なら、より具体的に話すことです。
「8歳のときにマイケル・ジャクソンのこの曲のこの部分を聞いて感動した」というふうなことをいえば、それとまったく同じ体験をしたという人はほとんどいないでしょうから、大抵は「自分はそう思わない、わからない」というような反応がきます。そこからが勝負で、そこにどう説得性をもたせるかなのです。
いくら自分は違うと思っても、その人が絶対的な理由をもってそこに立っていたら「ああそうなのか」と納得させられてしまうわけです。「この人にとってのこの歌のこの部分というのは、私にとってのここの部分なんだ」ということで、具体化したことは普遍化される。舞台というのはそれを、台詞とか言葉、音楽でやる場であるということです。
間違ってはいけないのは、自分の解釈とか思い込みだけでは伝わらないということです。極端なこともやらなければいけないし、冒険も必要ですが、それに対してはバランス感覚が必要です。他の人たちが感じていること、考えていることを知ることも必要です。今の時代を生きている人たちはどういうものに遭遇して、どういう事件をどのように捉えているのかというようなことについて、ある程度のバランス感覚がないとだめでしょう。
人々に働きかけていくものなのですから、そこでの深さの勝負みたいになってきます。深さとか本質とかいうと、そこに逃げているようでいやなのですが、少なくとも自分が音楽に関してこれしか知らないという曲だけ聞いて、それしか知らないという歌い方をして通じるものではないということです。
単純な構成、同じような繰り返しの仕方、感情の入れ方、これを3分やられると困ってしまうのです。そこは10秒で終わらなければいけない。その効果を踏んで、ああまた同じところに戻ってきたという計算が、歌い手の方が上の場合は聞けますが、観客の方が上の場合は全部見えてしまい退屈するだけです。
それができたかできないかを、ここでは問いませんが、そのことに気づいて調整してきたかを見ています。調整してきた結果うまくできなかったとしてもそれはそれでよいのですから、気づいていくプロセスをきちんととっていってください。
プロの人がライブなどの活動がやれているというのも、50の力でやっているとしたら49までは与えられたものです。50のなかで他の人にもできることを全部とっていったら、自分だけにできることとしてそこに残るのは1か2でしょう。たまたまうまいギターがいるとかよい曲を与えられたとかで、そのことでやれてしまうと、本人が問題意識を持たない限りその人はずっと1か2のままなのです。
自分が歌ってきたということを一度全部壊してゼロにして、ゼロからになるということが、実はとても難しいことです。ゼ口から音や言葉にきちんと触れてみる、そのプロセスを踏んでほしいのです。声ひとつでもよいです。声と声があってそこにつながりができて1になる。そうやって、23と積み上げて10まできたら、次に20までいくためにどうしたらよいかがわかってきます。それが大切なのです。
そうしたらいずれ40とか50になっていきます。それが80になり100になる。歌がうまくなるかどうかよりも、どういう環境を自分で整えたらよいのか、どういう習慣をつけていくべきか、まずそれがベースです。
それがないと普通の人にはなにも入ってこないと思います。世の中には死に損なったりいろんな目に遭っても歌に賭けているような人がたくさんいるのです。
音大や専門学校で1日何時間も勉強して、それを2年、4年とやってきたという人がここにも入ってきます。でもそれはやってきたのではない、与えられてきただけです。自分でやれているつもりになっていても、考えて創り出していないから、結局1人ではなにもできない。同じようなことをここで2年繰り返してもしかたないでしょう。
今回の課題曲に関しては難しい曲ですから、題材として与えるだけで歌えるかどうかは考えていません。題材に対して感覚をどれくらい入れてこれるかということ、それからテンションです。自分に負けてしまわないことです。自分のテンションを3分間、120%出すということは、人間にとって難しいというよりも、日本人にとってとても難しいのです。ここまででよいやと自分でどこかに線を引いてしまう。これは絶対に通用しませんから早くやめるべきです。まわりと比べているわけではないからです。ここで歌っていて、誰か他の人に「ちょっとどいて」といわれてしまったらおしまいでしょう。そういう歌い方をしているのが見えてしまうのはよくないです。
上のクラスやプレBV座などはそれで判断しています。途中で入って、その人をどけられるかどうか、そこをどけといえない存在感や輝きがあるかどうかです。
今回の課題曲は男性には合わないでしょうし、女性でも合う人と合わない人がいるでしょう。でもそういうことではなく、このなかでどのくらい自由になれるかです。そこから何をくみ取ってきたかが問われます。自分のことはわかりにくいと思いますが、こういう観点で他の人のを見たら、やはり自分の思い込みで進みすぎていて、イメージや解釈上の誤りであることがわかるはずです。
その辺は自由ですからその人なりのものでよいのですが、一体どこを擦ってきてどこを音楽にしてきたんだろうというのが見えないのです。それ以前に、曲を聞いて音楽的に体にいれてきたのかどうかもです。
まあ、ミルバもどきにならなかったのはよかったと思いますが、聞いてみて「すごい声量だ」とか「イタリア語でわけがわからない」というレベルでしか判断しておらず、これでは歌えないからといってまったく違うものを作ってきたように見えます。
ミルバは楽器の通りにきっちり歌う歌い手です。でもそのなかで音楽的展開、進行の仕方、言葉の使い方、情感の出し方などかなり質の高いものが入っています。それをまねできないとか追いつけないのはあたりまえですからよいのですが、一度でも入れようと試してきたかどうかということです。勉強ならそれをしないと意味がありません。
今日のでは、みなさんがそれぞれ自分の曲を歌ったというだけで、それでは課題曲を題材とする意味がないのです。超えていたらそれでもかまわないでしょう。ただ、そんなに早く課題曲をあきらめないで、そのなかからよいものを取り出すだけ取り出さないと、実際練習になりません。
先ほどいったように、すぐれた作品の99を入れてみて、残りの1に自分を入れて、作品に乗っ取られないように自分の1でなんとか対抗するというようなところを見せてもらわないと、こういうことがプロセスになっていかない。ゼロにならないということです。
自由に変えてよいのですが、その条件は、すぐれた作品としてこの音楽が音楽になっている、歌が歌になっている部分をくむことです。サンバとかタンゴとかなじみのないリズムだからといって全部ロックに変えてしまうのでは、みなさん自信が勉強できる余地が少なくなってしまうからです。
ロックを歌うのならロックにしてもよいのですが、そのロックを深めるために材料を投げ込んでいるのですから。中には「こういう変え方もできるのか」という場合もあります。でもやはり自分のくせや思い込みの部分だけが出てしまいます。その作品のよさが消えて、音楽や歌のよさがうまくすくい取れていない。つまり歌がこわれている批判したいのはそこです。もう少しナチュラルに、ベースの部分に戻す必要があると思います。
それから、やはり正確な音程、リズム、テンポなしには成り立たないということがあります。変えるのはよいのですが、それはあくまで正確に取れていることが前提です。音程が取れない人がずいぶんいました。リズムも、このリズムを踏んだ上で自分のなかで創造したリズムではなく、完全に自分のなかだけでやってしまっています。音程にしても、ここまで狂うとサッカーをラグビーにしたように、まったく違う歌になってしまいます。
それがすごくなるのなら違ってもいいのですが、音楽のルールがあるのに、音楽の展開、進行がほとんど無視されています。その人がこの曲を聞いてどう変えてきたのか、力がついたら音楽になる余地があるのか、それとも本当はもっとガタガタなのに、その人のセンスのよさでここまでになっているのか、といろいろ考えて聞いていました。
否定するのは簡単ですから、なるべくみなさんの側から見ようとするのですが、やっぱりこれではガタガタになってしまうのです。この曲をまったく知らない観客が、みなさんの作品として聞いたときに、歌、音葉、音程・リズムに配慮がない、大切にしていないということが伝わってしまうのはよくないです。声とか歌という問題以前です。歌や音楽のなかで、自分のパターンには持っていったので、くせをつけてきたのだろうけど、少なくとも創唱者、作曲者、作詞者との駆け引きがあったのかどうかです。
同じパターンが続いたとき、それを裏切るために何か工夫をしたのか。細かい工夫をしている人もいましたが、それは逆にこの歌自体を壊していたり、この曲のどこがピークでどう降ろしたのかがわからなくなってしまっています。これだけはっきりしている曲が、曖昧でごちゃごちゃして聞えるというのは、やはり整理できていないということになります。音楽の線を、感じたところから出してくるということをきちんとやっていってください。
一度レッスンでも徹底的にやろうと思いますが、「うつろな時」という部分も「うーつーろーなー」「うつーろなー」と勝手なことが起きているのではなくて、そこに音楽の最低限のルールがありそれを使って最高の部分にもっていっている、そのなかに何があるのかということです。
ミルバの歌い方をまねればよいということではありません。自分なりに考えてきてがんばっているのもわかるのですが、まだ自分の思い込みのなかで空回りしていて、がんばる方向が違っている感じがします。より深いところから捉えているものを聞くと、その捉え方ではとても浅くなってしまいます。
舞台と現実の違いというのは、その気になったらべたついてはいけないし、入っても出てこれなくてはいけないし、それができないなら入り込まずに突き放して歌えといっています。よく裸になって歌うといいますが、それを実際にやられたら聞く方はたまりません。それと同じで踊り方も働き方もあり、それを音のなかでやっていくことです。
今は課題がはっきりすればよいと思います。くせや思い込みだけでやっていると課題が見えないままになってしまうのです。それで歌えたと思ってしまい、足りないのはテンションとががんばりといった部分的なことだと思ってしまいやすい。声が声たる要素、歌が歌たる要素があります。
どんな声もどんな歌も声であり歌であるかもしれませんが、それが伝わる伝わらないというところでいうと、音楽というのは本当にいろんな工夫がされているものなのです。その点でまだ、基本のことをやらずにサインプレーに憧れてそういうことをやっている感じです。
踏みにじっているわけではありませんが、そこで感じてきたものを活かそうというところの時間のかけかたがが違うような気がします。出だしの「ミファミファミレド」これがなぜ音楽になるのか、なぜ君葉になるのか、人の心に働きかけてくるのか、そこをとらないと勉強になりません。
説明しにくいのですが、たとえば、ピカソの絵があってそういうのを描けというとき、そのままそういう雰囲気だと思ってそれ描いてくる人のものがすぐれているというとは絶対にないでしょう。それをもとに基本の勉強をする人は、ピカソの全作品を列べてみて、どうしてこういう変化をしていったのかということや、1枚の絵をもとにデッサンからたどってどう描かれているか、なぜこれ以上を描かないのか、ということを勉強するでしょう。もっと基本からやる人は更に、もともと絵とはなぜ始まったのかを考えるはずです。
洞窟画、宗教画、肖像画からいろいろなものに分かれ、自然を描いたり農夫を描いたりしているなかで印象派というものができていく、その位置づけで他の画家がわかってピカソをみたら、なぜこうでなければならなかったのか、そのなかでもこう変わってきたのはなぜかなどがいろいろわかってきます。
すると1本の線が違ってくるということなのです。1本の線で神様や天使が描けるというのはどういうことかをわかるために、何度もデッサンを描いたり線を練習したりする。フレーズ練習もそれと同じです。そこを見ないで表面だけとっていくと、アメリカ人が佐渡おけさを踊ったら日本人に受けた、本場でで通用した、といっているのと同じことなりかねないのです。
本質そのものというのは歌のなかにもあるし、声のなかにも音のなかにもあるのです。それをどう組み合わせるかはみなさんの才能だし、皆さんのなかにも本質的なものもあるしこだわれるものもある。ステージになると今度は観客との関係における本質ですから、私が認めようが認めまいが、観客がよいといえばそれはそこではよいわけです。そういうズレはあまりないと思いますが、それがまったく何も起こらなければ、それはやはり学ぶことをもっと考えなければいけないでしょう。
デッサンをきちんとやることです。自分になにもないのではなく、すぐれたものからその要素をできるだけ取り出して自分に入れていき、その結果自分についている余計なものがなくなっていき、より純化したものが出てくるためにやるのです。
今日の舞台も、音楽とか歌ということを考えなければ、いろいろ工夫していて面白いと見れる部分もあるのです。でもそこのレベルで認めてしまったらここを使えていないことになりますから、やはりそれ以上のことをみなさんに求めたいのです。私の価値観ではなく、みなさんがよりみなさんであるためにです。
上のクラスでもプレBV座でステージをやって、もし3人が少しでも似ていたらもう価値がないと思っています。10人も歌って似ていたら、どこか影響されていておかしいと思えといっています。違っていてあたりまえです。違っていても本質があればそれが伝わっていきます。そういうものを自分のなかで勉強してほしいということです。
トレーナーのステージも同じですが、うまいとかへたではなく、あんなに楽にやっていてそれが音楽に聞えてくる部分とはなにかを見てほしい。それが完ぺきな音楽がどうかはよりも、音楽へのきっかけみたいなものを少しでもつかんでもらえばよいと思います。あなたにない部分を、です。
でもそれも結局、自分ポリシーとかスタンスを定めない限り、あなたのものというなにかも出てきません。ないものに憧れてもしかたがないですから、自分にあるものをまずきちんと捉えていくことです。変化していくことを恐れる必要はありません。
「カントリーロード」は楽しめる人は楽しめる曲かもしれません。2クラスになると2曲から選択できます。余裕はないでしょうが、できたら12月くらいまでの課題曲を今から勉強しておいてください。
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【ライブ実習③】
ピアノの音がずいぶん飛んでくるようになってびっくりしました。ライブ実習とステージ実習ではかなり条件が違いますが、当人たちの心構えとピアニストのテンションが違っていることを除けば、一応マイクをはずして聞いているつもりです。昨日新入懇とステージ実習1がありましたが、音とか声では説明できないので、絵の話をしていました。
普通の人でもこれくらい音楽が入っていて普通だと、今基準を直しているのですが、やはりそうではないんだというのが本音です。普通に生きて二十歳になれば声も音も、対人コミュニケーションにおける基本的なことも、ステージのレベルとまでいいませんが、そういうものが入ってくるので、人と人が関わり合っていろんなものができてくるわけです。
ここ2～3年、見る力、感じる力、聞く力、五感に関する力すべてにおいて情報が多くなった分、とても弱くなっているということを、認めざるを得ない。長くひとつのことをやっていれば、まわりはみな初心者になってくるのですが、そういう意味ではないと思います。
今日確認したいのは、普通の人でもこのくらいの音楽は入っているのだし、音楽をやっていくということはここがスタートラインでなければいけないということです。考えてみるとここのなかでも、普通の人世間的にではなく私の世代にしたら普通のことが入っている人というのは普通ではなく、すごい人だというふうに思わざるを得ないところまでギャップができています。だから話しにくいしコメントをつけにくい気がしています。
課題曲は難しいですが、2曲とも曲の理解度がそのまま出ていたらもつのだろうと感じました。やはり名曲だと思います。その名曲が名曲たる部分を入1クラスではまだまったく読み込めません。それに比べたら、みなさんの場合はやはり2年で深まってきているのだろうじました。
ステージカ、構成力、技術、実力ということでいうと、どの段階でいえばよいのかわからないのですが、きらきらしているところが出ている人には出ていましたし、そういうものをきちんと伝えていったらもたせられるようになるなということです。
最初から順番に酔っていきます。心とか感覚の問題があります。次に表現、ステージの感覚があります。それから曲が曲であること、その理由も感覚です。この辺が、トレーナーのいっているアティテュードで、人前に立つ前提です。その次に自分との接点ですね。生理的なものがあって、この辺からが今日のLの課題になってきます。その接点をどう捉えているかということ、自分の生理にあっているかいないかということです。これをこちらが合っている合っていないというのはあくまで深読みですから、本当は自分で感じなければいけないことです。
その次にイメージ構築があります。これはかなりできる人はいたと思いました。歌が大きかったことと、歌い手があまりに偉大すぎるのでそれにかなり助けられたとは思います。自由曲になったときに、やっぱりカラオケになってしまったというのもありました。でも助けられてはいても、イメージの構築はできるものではないので、よかったと思います。
次に技術がきます。今日はそういうコメントが多くなると思いますが、技術的な問頭に入れるというのはよいことです。本来、ここはそこをやるためにあり、それまでのところは自分でやっておくべきことです。
その次が効果です。最初にいったステージの感覚と少し違います。技術的な部分の延長上にある効果のことです。この辺が今日の課題になると思います。何が難しいかというと、声を出すということではなくて、出された声が相手に届いているかというところで問わなければいけないことです。
最初から3番目くらいまでだいたいその日の基準が決まります。相互に影響を受けたり、まんなかや最後で盛り上がったりもしますが、そういう点では今日は面白く聞けました。
練り込み、話し方をミルバやバーブラ・ストライサンドをそのままとろうとしても逆にうまくいかなくなってしまうでしょう。本当はそこで練り込まなければいけない、離してはいけないというところを、どうしても声が飛んでくるので離していたり響かせているように聞えてしまうためです。これはとても高度な課題ですから、それをそのまま実現しろとはいいません。
練り込めないから離すとかは、歌をもたせることを考えたら必ずそうなりますし、体から離せなくて押しつけていってもよくありませんからそれはよいのですが、基本的に、その部分の解釈が逆だと思われる表現がありました。これはレッスンのなかでやりましょう。
それからスピードと息の問題です。これもいつもいっている通りです。コピー能力というのは確かに基本です。コピーができるということは力があるということです。まねるなとはいっていますがコピーするなということではありません。コピーを完全にできる能力がある上でそれをしない、それを捨てろということです。コピーの能力で1曲もつということもありますし、いくつかの曲を複数でやるときにはそれに頼った方がよい場合もあります。当然、まったく曲を聞かないで自分で全部作ってもよくありません。
1フレーズ目でもっていても、次の2フレーズ目で甘さが出てしまう、甘さが出ると見限られてしまいます。でも、1フレーズ目、これは出だしでなく、自分のなかの決めのフレーズという意味ですが、それがはっきりしているということはとてもすっきりしますね。細かいことで育うとことばの位置づけ、置き方、言葉、呼吸、それが余らないようにすることでしょう。これは難しいことなのです。
特に今回のミルバの曲のようなものでの言葉やフレーズのたたみかけは、相当テンションが高くなければバラバラになってしまいます。バラバラならバラバラになったでよいと思っています。それが将来くみ上げられて結びつけられれば作品になることでしょう。今はそれでよいと思います。
それから本調子にならないこと。流れているところはいらないところです。流れてしまった、というのはしかたないですが、自分の意厳上でなるべく流さないようにしてください。今回このテンションで最後までいくのかということではとても面白く見ました。ここまでは時間も短かったです。
次の人からは、個人的にどうこうではありませんが、形と力だけではもたないということです。伝えるべき心が声で殺されてしまいます。形ということについては、他にもそういう人が多くいますのでその分と合わせていいます。直線的なフレーズではもたないということです。
歌というものを音楽の進行、ピアニストの進行で捉えたら、そこでもう音楽の土台はできています。その土台作りのところをやらないでヴォーカリストが省いてのせてもよくありません。自分でフレーズを流しているというより、きちんと聞かずにこういうものだといって自分で先に線を引いてしまっているのです。それをやって歌が全部進行していると思って何かやろうとしてもやはりだめなのです。
歌のなかではその土台も崩れているところもあるので、声を出すところからの土台、言葉にするところから土台を、歌のなかでつくるべきです。最初からこういうフレーズだということで直線的にもっていってしまうとメロディに縛られることにもなります。そこから自由になるために歌うわけですから、たったひとつの表現を出すところから、体と心にきちんと戻してやらなければいけないでしょう。
技術について具体的にいうと言葉、発音、メッサデヴォーチェ、このあたりが決め手でした。クレッシェンドをかけてデクレッシェンドしていくとか、響きのこと、抜き方入れ方、これもうまくできた人とできなかった人がいます。普段こういうところまでは普及しないのですが、細かいところが見れるということは逆にそれだけ進化していて動きが出ているということですからよいことです。
すぐれているものがどういうものかということは知ってきていると感じました。もっと大切なのはそのすぐれているものを再度きちんと知るということです。曲の理解と歌い手の理解はまた別なのです。これを一緒にしてしまうとよくありません。ミルバを通じて知ってもらうのはよいのですが、曲は曲で自分で解釈してください。曲としてのすぐれた部分を生かすのです。
実際やらなければいけないのはすぐれるためにどうするかということです。だいたいはここで終わってしまいます。どうするか、というところで形をとって終わってしまう。結果としてどうなっているかということがでてこない。そこに身を入れることがなかなか伴わないのです。課題曲はとくにそうです。自由曲も10年くらい聞いていてそれが自然に出るとよいのですが、これをどうするかと考えてしまうと、また形に流れてしまうのです。またそこに身を入れるのに時間がかかります。ですからこのことは常にやっていかなければならないと思います。
今日も、うまく歌っているように見えて*いる人がどうして人をまったく惹きつけないのかということを感じました。もっと純粋なものとか真実味のあるものがあって、そういうものを感じてきてくれたわりにはそれが取り出せないのでしょう。パワーがないと嘘とか退屈になってしまいます。そこまでするのはたいへんですから、それはそれでよいのでしょうが、妥協してしまうときている意味もありません。
それから音楽の動きに声が伴っていない。これはいつもの問題です。声量が出ていないとか音域がとれないという話ではありません。スピード、テンポ感、ピアニストが刻んでいくリズムの動きに対して歌い手のほうがまだまだついていっていません。音楽を初めて間もない人はそれでもしかたがないでしょうが。
センスとは、しっかり握ってから離すことから出てくるしぜんな変化を生かすことです。バッと握ってパッと離すことではありません。しっかり握っておいて、そうしたら離したくなるから離す。飛び上がってもきちんと戻してから次の動作に入る。この辺は相変わらず雑です。
まだ歌のテンポを入れられなくて、この曲でさえ速く感じているのがわかります。とてもゆっくりした歌なのですが、そこまで中を読み込めないままになっているのでしょう。すると、とても難しくなってしまうのです。サビで速くなるような錯覚を起こします。自分の体と心で動いていたらかなりゆっくりに感じられなければ動かせません。
曲を理解したというところから今度はそれを伝えるものにしていってください。今日は課題曲について伝わったのはみなさんのどこまでの力なのかわかりませんが、ピアニストや曲の力とは別に、名曲に対してどれくらい名演奏者なのかということに基準をおいて見ていました。
越路吹雪が日本でトップになってからパリに行ってピアフを聞き、「自分にはなにもない、ゼロだ」と思ったといっています。それは、さきほどった形みたいなもの、あるいは歌というものは捉えてきた、でもピアフの一声のところに対してはそのことをいくらかけてみてもゼロにしかならないということに気づいたということでしょう。
まず1というのを持たなければいけない。ここがあまり細かいことをいわないのも、その1を壊さないように、1をきちんと捉えていくためです。そういうことでいうと、もっともっとひとつの言葉や音に対して濃厚な時間を感じられなければいけないのです。その辺は自分のなかできちんと汲み取っていってほしいと思います。
力とか声は点です。音楽の世界は線ですから円を描くようなものです。でもそういってしまうと今度はふらふらした円を描いてしまう人が多くなるのです。だからデッサンをしっかりとやらなければいけない。
1本の線ですべて決まってしまうのです。
①クラスでピカソのデッサン話をしていたのですが、ジャンセンのようにふらふらした線もあります。ただそれにはそれだけの理由が見えなければいけない。ふらふらしてしまう線の人はやはり音楽に翻弄されている。中心線をもたなければいけません。ひとつの核みたいなものです。歌は部分をつなげているのではないからです。それがいくらつながっていても意味はありません。
ひとつのことを伝えるために、必要なものがあって構成されているのです。一つひとつが完成であるとともに部分です。ただそこに時間の進行があるから、ひとつの完成にこだわるのではなく、それが次につながっていくのです。
楽譜を見てわかるとおり、歌もきれいに音符がならんでいて筋が通っています。気持ちがよいからと声だけ出していても音楽になるのではないということです。もう一度、曲の解釈をきちんとすべきだと思います。
思い入れとか見せ方は、みなさんの歌に対する、この曲に対する、あるいはステージに対する執着心の問題ですから。そこでもっと粘れ、こだわれ、突き放せ、抱き締めろということです。マイクとは10cmの関係だけでよいのか、20Cm離してみろ、30cm離せ、投げ捨てろ、ということですね。なにもマイクにかぶりつけとはいいませんが、停滞を客に感じさせてしまってはだめだということなのです。音楽が大きかったり演奏が素晴らしければ、歌い手に対する不満というのはそこに出ます。
先月の④のコメントでいいましたが、流のプロに混じって自分が出てきたというように、映像で見たら、プロとしてはどこか調子が悪い、と感じる、それは何が欠けているのか、という見方をせよということです。そういう基準で見てもらうとよいと思います。
今日のピアニストの演奏は左手が強く深くもぐっていました。それとおなじくらいに感じてほしいものです。まあ、客観的に見るのと楽で、いざ前に立つと難しくなるのはわかりますが、ここでもぐっているべきところをさっさと上がってしまい、次の動きが遅れているというようなことが見えてしまっているのではよくありません。
それができるためにはいろいろなパターン、いろんな曲のよい部分がその人のなかに入っていなければならないし、いろんな解釈がその箇所その箇所で起きていることが必要です。
いろんな歌い方があり、それが生まれる。それを生み出すことが才能ですし、産みの楽しみを感じることが作品づくりですから、その意味ではまだまだ一つひとつの言葉とか作品に対して甘いように思います。それができたとかやってきたではなくて、そんなことは考えないでやれていたら、私にこういうことはいわれないはずです。やれていたらよいことです。
たくさんのことを考えて絞り込むのはよいのですが、たくさんのことを伝えようとしてもそれは無理です。バッターも全てに力は尽くすでしょうが、結局勝負できるのは1球だけです。捨てなければいけないものも、見逃さなければいけないものもあります。全部やっていくのではなく、決め手のところがあるのです。そのポイントを歌のなかで感じて、その1ヶ所で勝てばよいわけです。全部に力を費やすために力を平均に分散されてしまうと音とか歌の世界では弱くなります。声量だの盛り上げ方だのいってみても、たとえばピアノの音量を2倍にしたら感動的な演奏になるのかというとそんなことはないでしょう。却ってうるさいだけです。そのなかのスピードとかその人の切り込み方とか粘りの問題です。
後半について述べます。感じたままに歌えるというのはよいことです。でもそれは10代だからよいのです。感じたまま表現できるというのはひとつの形になりますから、それなりに若ければそれでうまいといわれるし、音楽的にもそれほどケチはつけられないです。でも大人の歌というのは、言葉も音もその人の味つけでもっとシェイされていなければおかしいと思います。
二十歳を過ぎたら歌の世界では大人です。言葉も音も揺さぶられてそこからはみ出したり足りなかったりしている部分が味になってくるのですから、もっとズレをつくることです。音程リズムがとれるかどうかではなく、そこに何をつくるかがポップスの本質です。これが一人ひとり違うところにポップスの本質があるわけで、なにか似てくるというのはよくないことです。それが許されるのが10代までです。1曲目はそれでもよいでしょう。でも2曲目もそれだと、残りません。人々の心に残らない。絶対的なものがこないからです。そこでコトが起きない。
単にステージ慣れしていたり、商売でやっているんだと思われたり、優等生的歌い方であったりして、つまらないでしょう。日本の場合そういう歌い方が評価されるのでしかたありません。教えている人たちもみなそうです。歌は犯罪者であろうが浮浪者であろうが、その人の味が出ていればそれでよいのです。
人生でその人の闘いのあとがそこに見えないというのはとても退屈です。塗り絵みたいなもので、それは絵ではありません。法律でも神でも歌でも音でも、疑って闘ってきたものでないとだめだろうと思います。それを避けてきているのかそういう問いとか闘いがあることさえ気づかずに平和に歌ってきたのかといいたくなります。
現実は決してそうではないはずなのにそこを見ない。この曲いいよ、というのはよいのですが、もうひとつどういいのか、何かを感じさせるためにはそのままではよくありません。自分で全部作ってしまうと音楽の神様は降りるところがなくなってしまいます。それだけで終わってしまうのです。結果的にはそれはその人のものにもならないと思います。それはその人より技術的にすぐれた人がきたら完全にコピーされてしまうからです。もっとよい歌い方をされてしまうでしょう。もっと自分の感覚のなかで具体化させるということです。
仮定を作ってこなければいけない。それが見えない歌い手は自分だけで回っていて、観客とも音楽の神様とも掛け合えません。とてもクローズされたイメージになります。うまい人ほど、勝手に歌ってろということになります。日本の劇団とかミュージカルはみんなそうなっています。ブルーノートなどに行けば口から声が出てくるだけで感したりするのですから、むこうのものを歌うのならやはりそうなっていってほしいのです。
課題曲で自分のよさをみつけた人は自由曲でそれを見失わないことです。自由曲がよいのも好きなのもわかりますが、それだけでは歌う理由になりません。それだけで歌っているならカラオケです。課題曲以上に自由で、2曲どころか何万曲のなかから選んで持ってこれるわけですから、もっと自分の勝負できるところに変えられるはずです。ところが自分で選んでいるのでなく、まわりのものに選ばされているから、あなたのものになりません。スタンダードを勉強しなさいというのもそういうことがあるからです。
久しぶりにコメントのしがいがありました。それ以上のことをやるにはどうしたらよいか考えてみてください。要は、できてきたなと思うことはできていないということです。できてきたと思うのは、それは自分が強くなっていい加減になっているということです。歌の世界に入ってくればくるほど、できていないことがわかるのです。
深さとか広がりを知るほど、できてきたとかわかってきたなどとはいえなくなっていきます。
それが安易に替えるとしたら本物を聞いていないか、聞いてもわからないかのどちらかです。
それなりに顔つきが定まってきたので、そろそろ、歌とか声、技術に広がりを感じて深めていくということにようやく入れるのではないかと思います。とてもよいことです。
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【ステージ実習④】
依然としてアティテュードの問題です。まったくラスがこれでは情けないです。そこまで守りに入ってしまうなら歌わない方がよいくらいです。多分、新しく入った人たちが見てもまったくわからないと思うし、かなり説明してあげもなぜそんなことをしなければいけないのかという話になってしまうでしょうね。
自分では感じていないかもしれませんが、そのパターンに対してのびが見えるのです。甘いレベルでの媚びとは速いますが、言葉がもっていく力、メロディがもっていくカ、リズムがもっていく力、それをどう解釈してどこをどうとってきたのかという選択と決定がなにもありません。
自分のパターンやくせにもっていったらなんとなく歌として成り立つと思っている。それはもうあなたの過去の財産です。ここでは通用しません。呼吸は命ですからその呼吸が聞えてこなければいけないはずです。のど声がいけないわけではありませんが、なぜトレーニングや発声練習でのど声やひずみをとっていくのかというと、そういうものが呼吸を邪魔して雑になってしまうからです。
真実というのはみなさんのなかにもあるし歌のなかにもあります。これはそれぞれのレベルがあっていいと思うのですが、ただ、これだけ完全に作られた音楽の世界をきちんと畏敬して、素直にその世界の1/100でも取り出したら、もっとよくなるはずです。
自分と音楽との間に真実を作らなければならない。観客との真実も作らなければいけないのですが、ステージ実習に関してはあまりそのことは見ていません。音の世界として、その人がどんな表情をしても後ろを向いて歌っても、それが飛んでくればよいからです。でもやはりそれが出てしまいます。
トレーニングしているとか昔やっていたということで表に出てこない、それが疲れに見えたり年を感じさせたり、もう峠なんだなと思わせるくらいなら、トレーニングをしない方がよい。
声は出すのではなく、出てくるものです。歌も同じです。そういう感覚にならなければよくありません。体の条件は確かにありますが、そうやらないと歌も心も宿らないです。発声でも当てるのでなく当たってくる、歌も歌うのでなく結果として歌になる、心を出・そうといっても無理で、表れてくるといっています。
そこに自分で限界を引いて追求せず、勝手につくりあげてしまうというのは、黙っていたら宿ってくることを、そういう一人よがりの声や感覚を使って宿したくないことをしているようにしか見えません。ほとんどのヴォイストレーニングとしてやられていることがそうなっているのは今さらいいません。
みなさんに係わらず2年3年経つとそれなりにその人のベストの状態を見ていますから、それが深まっていかないというのはどういうことなのかと思います。勉強のレベルがまったく上がっていないということ、精神的なことや切迫感に関してはむしろ甘くなっている。歌は10代でも歌えてしまいます。他の世界と比較して、キャリアがなくても、自分の感覚とか切迫感であるところまではできてしまう。
人から人へ伝えるものですから。逆にいうと歌い手はヴァイオリンとかピアノみたいに徹底してやらなくてもできてしまうということは、それだパッと出ますがパッと崩れてしまうというあやふやな世界です。これ以上、守るようになったらこのステージの意味はなくなりますよ。身にならない。そうしたらスタンスを変えて、1年に1回のステージとかでやった方がいいでしょう。
全員が全員そうではなく、意外なところが飛び込んできたりところどころでは感じるところもありましたし、1曲近くきちんと出していた人もいましたが、私が考えているこのクラスとしては、それもせいぜい1.5人くらいです。
ミュージシャンとしてピアニストのレベルで問うなら、10年分の課題があります。
基本をやるというのはどういうことなのか考えてください。今まで応用をやってきたのは基本がより深まるためでしょう。基本というのは絵の世界でいったら、たった1本の線をどう引くかということです。ピカソは人物でも静物でも何でも描けるし線1本でそこに神様も出せる。そういう力があって抽象画の世界に入っているのを、なにもわからない人が抽象画らしいものをまねしてこういうものだと描いて通じるほど甘い世界ではありません。見る人が見ればすぐわかることです。人間に働きかける力の差とはどういうことなのかを考えてください。
音楽の世界も同じことです。読み込めるようになってきて、自分のパターンを持てるようになったときに、それを壊してしまわなければいけないのです。ミルバもバーバラも基本に忠実に歌っていながらなぜ飛び込んでくるのか。それをつまらないと思う人は、そういうことが体に働きかけてこないのでしょう。
真面目に歌っているよりもっと派手なものの方が楽しいのかもしれない。それはそのお客さんの価値観ですからいいのですが、歌い手の価値観になったときにミルバもバーバラも歌い手の原理がうまく使われている。きっと彼女たちの感覚になったら自分の体とか歌う感覚もそれに近付いてくるはずでしょう。それがべースです。どの部分も1ヶ所も崩れていません。
今の日本の歌い手はかなり適当もよいところで、歌のなかであまりにも雑な置き方をしています。自分の頭だけで考えてパッと切ってしまったりするのは殆ど誰かの影響を受けているだけです。そうではなく、切るにも根本的理由があるのです。彼女たちはそれをそれを1秒どころか0.1秒、0.01秒くらいでやっている。そこで読み込んで判断しているのです。
そういうものに接しているだけでも、黙っていてもていねいな感覚になってくるし、音ひとつ言葉ひとつ絶対無駄にしないと思うようになります。作曲者だって音符一つに何時間かけているかわからないのに、それを適当に飛ばされたら怒るでしょう。
そういう意味で、歌い手や作詞作曲者も尊敬してみて、それをまねるのではなく自分で創造してくることをやってほしいと思います。それをしないとどんどんステージも流れていってしまう気がします。学べているのなら、もっと自由であるべきですし、もっと新しいことが起こるはずです。同じ体制で同じレッスンが続いてくるから、難しいのだと思いますが、それを卒業できているわけではないのですから、そのなかで感じられなくなっていることが気になりました。まったく成り立っていないということは知ってください。それは正していかなければならないと思います。
いろいろな要素は見えるのですがそれは入ったばかりの何もわからない人からみてみえるということにすぎません。こういう表現活動では、新しくない、立体的でない、生命感がない、前に出てこないというものは全部よくありません。単純なことですが徹底したものとして、基準があるのです。
自分でそこを固めてしまわないことです。確かに逃れようというのはだんだんわかってくることで、それが自分の歌だと思わないことです。今日の何名かの何カ所かを除けば、そこは決して自分の歌ではないはずです。
まず自信を持つこと。その自信とは今以上にパターン化しろというのではなく、そのパターンを壊せということです。それができないのは守りでよくないです。そうなったら負けます。いろんなものがわかってきても、それに一つひとつこだわらなかったら、ただの情感、雰囲気で終わってしまいます。それが少し見えています。
汚れてしまっているというか、その汚れが見えるのがものすごく気になります。歌えてしまうこと、歌いすぎてしまうということを用心してください。2曲とも音楽性の高い曲ですから10年くらい歌っていくつもりでもう一度勉強してみてください。
