レクチャー
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【レクチャー①】
【オリエンテーリング①】
【レクチャー②】
【オリエンテーション②】
レクチャーのレジュメ 札幌
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【レクチャー①】
レクチャーでは、研究所に入るように勧めているわけではありません。
ここでしかやれないことを知ってもらうためです。
ここではどのように学んでいるかということを、体験とまではいかないのですが、
踏まえて話していきたいと思います。
いろいろな目的、そして分野の方が来られているので、
全てに当てはまる話をするのは難しいです。
本を差し上げます。読んですむことは本に書いてあるので省きます。
本で読んでも伝わらないことを中心に進めていきたいと思います。
最初に、声や歌のことを中心に感想を書いてください。
そのあと、１人30秒くらいで質問など受けつけたいと思います。
それから本に書いたことを実際に私が実演したいと思います。
曲を大きな音で聞きたいのは、歌い手の呼吸を知るためです。
質問
Ｑ１．“息を流す”というのは、どうやるのですか。
Ｑ２．ヴォイストレーニングを半年くらいやって効果がみられないような気がしているのですが。
Ｑ３．声を支えるということがよくわからないです。
Ｑ４．子供のころからファルセットぎみに歌ってしまうので直したい。
Ｑ５．声域が狭い。
Ｑ６．ヴォイストレーニングは本当に効くのか。
Ｑ７．大きい声を出すとマイクがひろってくれない。
Ｑ８．正しいという声がよくわからない。
ヴォーカリスト以外の人もいるので、一般的な声の話もするのですが、基本的には同じことです。
ただ、目的ややり方は、音楽スクールなどとは、まったく違うと思います。
ここでやること、やれることを研究し続けています。
中心は、声づくり、声そのものの養成です。
いらっしゃる人の要望は、そことは限らないので、教えることとしては、
音声で表現する舞台に対して、必要なことをすべてやっています。
舞台というのは生ということです。
そこで一声で通じるようにしていきます。
すべてのことは、同時にできません。
ですから、要望にできるだけ応じたうえで、基本の習得をめざしています。
目的によっては、即、効果的な場合もあるし、基本が身につくまで、無効な場合もあります。
来れば何とかなるわけではありません。どう学ぶかで異なります。
ですから、学び方から述べます。
音楽としてみるなら、日本人のプロは世界のプロレベルには通用しません。
世界には実力のある人がゴロゴロといます。
ここでの根本的な考え方は、どこが日本人には欠けているのか、という部分からはじめました。
トレーニングになるのかどうかということについては、自分の位置づけが問題です。
自分がどこにいるのかがわからないとトレーニングは成り立たないのです。
日本のヴォーカリストはその人自身が価値をつけたところ、つまり＋αの部分があまり問われていないようです。
それは時間だけで解決できるものではないのです。
でも、それこそが最後まで問われるところです。
トレーニングでどれくらいの効果が上がるのかというのも、正直にいうとその人次第なのです。
そのうち、研究生は私が選ぶことにしようかと思っています。
自分探しとかカウンセリングのためにここに来る人も出てきたからです。
そこまでをフォローできるレッスンは、ありませんが、自分の可能性は試せます。
ここは、ここでできるところをアピールしています。
養成所である限り、全員が同じように育つ場所ではありません。
人の集まる場があるという考え方をしています。
そこからどれだけ得られるかは当人の力によります。
たとえば、ここでは、どんな有名な人とつきあっているかとかコレクションをみせても関係はないです。
ここでどれだけのものが出せるかが問われます。
こういうトレーニングはなかに入って出さなければいけないのです。
なんのためにここへ来るのかということを考えてください。
クラシックのような美しい発声ができても、それだけではやれません。
めざすものが違うのです。
ここは音声で表現するという基準でみているところです。
そういう力をつける場です。
他のところと違うのは、その他の分野ですぐれていても、
音声表現によってのみ、認めるのです。
ヴォーカリストになることの勉強に、音声に基本をおいているのです。
役者、声優、アナウンサーなども声の技術をもっています。
でも、もっと表現の可能性として大きなものがあるということで、ここにおいています。
それをきちんとわかっていかないと、トレーニングそのものが成り立たないのです。
トレーニングに効果があるのかというのは、そういう軸をとればどうなるかということです。
効果を出すことに目的をおいたトレーニングが効果を出さないことはないのです。それは特別なものでなく、人間のもつ能力の基本をしっかりと正していく、歩いたり、話したり、走ったり、泳いだりするのと同じことだからです。でも、やらなければ、どれも身につきません。
歌い手もやれていればよいという世界です。自分がうまくなればよいと思っているところまでしか、伸びません。こういうところで学びに来るのは、１人でやっていると、自分なりのところで終わってしまうからです。
違う場で気づくことが大切なことだからです。
先生が教えてくれるのではなく、自分を放り出して、客観視できるための場があるのです。
ですから、ここでは教えるという形はとっていません。
はじめは優秀ではなくとも、やる気のある人が残っていきます。
たとえば発声だけをやって終わったら帰っていく、
というヴォイスジムもおいています。
場が人を育てるわけです。
感覚と楽器である体を変えていかないと何も解決しません。
ストレスを解消したりカラオケがうまくなりたいという人には、それは必要のないことです。
音がほとんどの人には入っていないから、最近聞く耳をつくるレッスンがふえています。
会報もレッスンも、すべて学び方のヒントなのです。学べている人はこう学べているというプロセスをみるのです。
たとえば「２年間、８時間、やるメニューをつくりなさい」といっても、最初は「毎日30分、体を動かして声を出す」ということ以外に書けないと思います。のこりは７時間半も埋めるべきことがあります。
しかし、８時間で２年間くらいやっても、充分ではない世界です。
あること以上をやろうとしたら、それは厳しいというのではなくあたりまえです。
ここでゼロからやろうとしたら、そういうことも必要なのです。
２年で８時間かけてもゼロからだとまだまだです。
伸びている人は、その前に相当のものが入っています。
一応、２年制をとっていますが、その間は、ある意味で体験レッスンに近いようなものです。
２年たって自分がどこにいて何が問題でどういうギャップがあって、それを克服するためにどういうメニューをくんでいけばいいのかということがわかればよいのです。
基本がないうちは、自分を知っていくしかないのです。個性と癖とがどう違うのかというところからみましょう。癖というのは自分で思いこんで固めていったものです。だから、やがて自分のなかから出られなくなってしまいます。しかし、これに頼らないで、歌おうとすると大変なのです。そのために基本があります。
半年くらいでうまくなりたいという人は、カラオケスクールなどよりも、ここのトレーナーは、ていねいに形から教えています。
ここでは、原則は、実が出てくるまで形はやりません。そういうことを教えられなければやれない人は、プロという目的には、達しません。他人の癖をまねているだけでは、あとで進歩しません。
最初にそれをしてはいけないということをしてしまいがちです。
最初にやらなければいけないのは、音の世界を知ることと、そのなかに入ることです。
ただリズムを刻むことだけを覚えても、それ以上のものにはなりません。
ヴォーカリストの刻むリズムというのは、そんなに単純なものではないのです。
もし上達したいと思ったら一流のものから問うしかないのです。
歌のうまい人に教えてもらったくらいでは、最高に吸収できても、その人以下にしかなりません。
自己流をさらに他人の自己流にするプロセスをとるからです。
ここでは２年間で基本ができたら、かなり早いという考え方をしています。
普通の学校なら１年ですぐ歌いこなせるレベルをめざさせます。
分けておいて欲しいのは自分がどちらのタイプかということです。
何もない人は自分の力でやるしかないのです。
作曲の才能もあるとか、ビジュアルの演出もできるとかいう人は、オーディションを受けまくればよいと思います。それで通用するには、それなりの別の才能が必要になります。
トランペッターやサックスの奏者などにくらべて、ヴォーカリストというのは音声以外にかなり総合的な要素が入ってきます。いえ、日本のヴォーカリストで声をしっかりと出している人はどれくらいいますか。
外国へ行ったらヴォーカリストと呼べないような人たちも多いです。
でも、それはステージングができているから、やれているわけで、発声の問題ではないのです。
それはそれでプロなのです。
つまり、プロとしてやれている人はどこかがプロなのです。だから、自分でその部分を研究するしかありません。
ヴォーカリストというのは定義できません。
その人が、５年、10年、20年と歌っていかないと、わからないものです。
歌うことにあこがれているようでも、歌もまったく聞いていない、すぐれたアーティストの舞台もみていない。そういう人が世界的な歌い手になろうというのは無理です。
そういうことをみつめる期間として２年間、一所懸命やってください。
向いていないとわかれば、それはそれでよいのです。
本当に向いている人はとても少ないと思います。
それを知った上でどうするかということが、ここでのレッスンといえます。
ここはゼロから力をつけていくところです。
なにか今やれると思う人は、もうやってみたらよいのではないかと思います。
ここに来たらなんとかなるとかいうことではないのです。
あとで大きくなる人のために、私もよい材料をたくさん与えたいと思っています。
この材料からきちんと学んでいくことを勉強することが大切なのです。
普通の人は、ヴォーカリストとは、違います。ある意味ではヴォーカルは特殊技術です。
その特殊なことを勉強するためには、そのやり方というのを知らなければいけません。
ヴォーカリストに関しては、１カ月トレーニングをやったらこうなる、２カ月やったらこうなるというのはいえません。やり始める時点でも人によって、大きな差があります。
ただ、これはそのままでは、そんなに大きな差ではありません。
私が初対面で上のクラスへ入れてもよいと思ったのは、この10年で２人だけでした。
ヴォーカリストではなく、劇団で主役をやってきた人たちでした。
アイドルやタレント志望の場合、ここはあまり向いていません。ここでは仕事の紹介はしません。
声優がうちに来るのは、他の学校は、現場で通用することしか教えないからです。
現場で問われるものというのはケースバイケースです。
ディレクター、プロデューサーの考え方によってすべて違ってくるのです。
そんなことを一、二例で学んでも、付け焼き刃なのです。
そこでどういじられても、ベテランの人と張り合って、何か出せるような声を学んでおかなければいけません。
ヴォーカリストでいうと、楽器づくりです。
人に伝えるために音の世界を磨いていかなくてはいけません。文章や話し方と同じです。
できることできないことはハッキリしています。
他の音楽スクールのヴォイストレーニングとの違いというより、日本の今の業界に問題があります。
一昔前は、もう少しは体と声と歌の世界が一緒になっていたはずです。
今はそれがずい分と離れてきています。それは日本の音楽業界が、あまりに偏りすぎているのです。
もっと多彩でなくてはいけません。
やれている人はそれでよいのです。ただ、歌や声の力が伸びない、そういう方向なのです。
外国をまわってみると、日本の音楽、歌って何なのだろうかと思います。
根本的に何かが違うからです。
まず普通の人たちの音声への感覚と身体が違う。彼らは自分の声を知っています。
そして音に対してとても鋭敏に反応します。日本にはそういう風土がありません。
日本の言語の問題と日本の風土の問題が、音声表現に対してマイナスに働いているということです。
日本人は自分の声を聞くといやだ、と思ったりしますが、向こうの人たちは自分の顔のように自分の声を自覚しているようです。大人になるまでにしぜんとヴォイストレーニングがなされているのです。
それに比べると、日本人は20歳なら20歳まで悪いヴォイストレーニングをしてきている、ということです。
悪いヴォイストレーニングをしているというのは、どういうことかというと、悪い声をつくり、悪い声を出して、無自覚でいるということです。
声楽家が二十代に必ずイタリアあたりに留学するのは、１回、日本を切るためです。
向こうで友人と会話すると、パブリックな対話の声の出し方と変わらないのです。
私は日本人ですから日本語で歌うということを中心に考えます。
でも、日本人が音から英語で歌ってきた曲には、よい日本詞がついていません。
カンツォーネ、シャンソンになると、原語で歌って誰もわからないから、よい日本語がついています。
原語で歌ったあと、日本語で歌ってみると、その差が明白になってきます。☆
ほとんどの人たちが１～１オクターブ半、声をもっているつもりで歌っています。否定はしませんが、マイクなどをはずして歌うと、通用しなくなります。それをここではヴォーカリストとは認めていないのです。
それを認めたら、声としてのトレーニングの基準が成り立たないわけです。
音響技術に左右されるようでは困ります。
トレーニングというのは、しっかりと目標をもってステップアップしていかなくてはいけません。
トレーニングというのは、よい悪いではなく、自分が学べるもので学んでいかなくてはいけないのです。
カラオケのうまい人と、プロのヴォーカリストの違いはなんなのでしょうか。プロは生で歌っても通用する何かをもっています。そこに大きなギャップがあります。
それをきちんとみつめていかないと、トレーニングそのものが成り立たないのです。
トレーニングで伸びるように方向づけしないと伸びないということです。
今まではまったくここに入るのには、オーディションをしませんでした。クラスで一番声の小さい人でも声を大きく出したいとき、そのようになれないなら、研究所の意味がないだろうと思ったからです。
誰でも効果があるからトレーニングとして成り立つわけです。
他の分野で考えてみたらわかると思いますが、半年でプロになれる分野などありません。
続けていって効果が上がらないトレーニングというのはありません。
プロのトレーナーがきちんと指導したら確実によくなるはずです。
トレーニングが成り立たないなら、間違ったセッティングでトレーニングをしているからです。
だから本当に、トレーニングになっているかが問われるのです。
日本の音楽スクールでなされている多くのことは、特にヴォーカルに関しては、付け焼き刃でしかないと私は思っています。人が育たないということよりも、そこのテンション、雰囲気が人を育てるようになっていないのです。
専門学校と同じです。通っていることで満足して、曲を正しく覚えることくらいでその目的も終わっているわけです。
その人が一芸で生きていかなければいけない以上、それは人々の前に出たら、感動させなければいけないのだから、やはりそれなりのものが必要なのです。差がわかるだけのものを身につけなくてはならないのです。
それだけのものを必要としているトレーニングというのは、その習得プロセスでどんどんと感覚が鋭くなっていかなければいけません。退屈させることを練習でやっていたら、本番ですごいことができるはずありません。
“場”というのはそういう意味で大切なのです。
場とかテンションというものをきちんとキープすることです。ノウハウというものは知らないうちに、そこで身にしみてくるものです。
ここがグループレッスン中心なのは、グループというのは学ぶための材料がたくさんあるからです。
同じ世代でも他の人をみるといろいろな声の出し方があります。
誰かの声は伝わるし、誰かの声は気持ち悪く感じたりします。
それが原点なのです。その原点のことに関して耳や感覚が働いていないのに、リズムや音程練習をしても意味がないのです。
20歳をすぎたら形から入っても難しいです。むしろ、これまでの経験や心や自分の体を知ることや感情といったことから入っていかないと間に合わないです。
声を出すということだけが宿ってもしかたないからです。
声が出るようになったから歌えるということではありません。
歌においては、表現意欲、表現したいものがあることから、声が使えるようになるのです。☆
歌、音楽というものがわかったときに声が宿っていたらよいのです。
日本人は声がないから、トレーニングするほどふしぜんなつくりが入ってきます。
日本のポップス自体、声楽の人がつくってきたからということもあります。
外国人があたりまえにできることは人間であればできるだろうということが、ここの根本の考え方です。
それ以外の他の国でも、日本とは日常生活から違うのです。
日々、相当多くの量を、大きな声できちんと意図をもってしゃべっています。
また、総じて、日本語よりもずっと音数も組み合わせも多いです。
日本で音声の勉強をしている人はほとんどいないわけです。
だから、ここでは赤ちゃんのところまで戻らないといけません。
外国人は何回も何回も発音させられて聞かされて、それをまねして音声で言語を覚えるのです。
そこで強弱アクセントが入ってきます。日本は高低アクセントです。
だから音程の方に頭がいってしまう。
私は日本と外国というふうに分けて説明していますが、昔の日本人、たとえば美空ひばりなどは、相当ハイレベルなことをやっているわけです。
でも何か足りないと感じたとしたら、それは日本人の天才的な人であっても、日本の限界です。
日本人だったからこそ越えられない壁があったのです。まあ、これは欧米の感覚からみると、ではあります。
日本語は、母音で終わります。母音というのはひびかせていきます。ノンアタック音です。
英語は、前に３つ、うしろに４つまで子音がつくことが許されます。子音というのは、息のことばです。
日本人は音になったところしか聞けていないのです。俳句は五・七・五と音になるところだけで数えるわけです。それに対して外国人は休符のところもリズムとして数えていきます。6・8・6、いや、8ビートです。
これらはブレスヴォイストレーニングを補強する理論です。
「ふるいけや」ということばは「ふ・る・い・け・や」というふうに均等に分けられます。長さが同じになってしまうのです。（日本語の等時性）そしてどこで切ろうがかまわないのです。
でも欧米のことばというのは「ハーッ」という呼吸のなかにことばをのせていきます。
短くつまってもリズムを打つところだけが全部同じになっていくのです。（欧米語の等時性）
ポップスというのは、そこから出てきました。
自分のなかに入っていこないものは出てきません。または自分のなかに入っているものにおきかえられて出てしまうのです。もともと日本人のなかにないようなリズムにことばをおいている外国の音楽は、なじみにくいものです。だからこそ、そういうものに対して感覚を研ぎ澄ませていくという必要があるのです。
日本語も楽譜も全部、点で分かれているものです。でも音楽というものは音の連なりで、線です。
それをどう動かして伝えていくかということです。
こういう感覚を養っていくということが、ブレスヴォイスのトレーニングのなかに入っています。
そういうことが身をもってわかるまでに２年くらいはかかるのです。
全部が一体になっていたら、体もしぜんに使われていきます。
頭で勉強すればするほど、声が出なくなったり、うまくいかなくなっているのはあたりまえです。
トレーニングというのは強化するもの、早くそのことをやろうとするのですから、ふしぜん極まりないわけです。
トレーニングをして歌がすぐうまくなった、というのはトレーニングではなく、調整しただけです。
それでは、2年くらいで伸びも止まります。
本来は２年から後の伸びのために2年くらいかける基礎があるのです。
そうでなければ、その先、見ていられないということです。考え方が最初から違うのです。
ここでめざしていることは、ステージに出てマイクなしで歌うときの基本的な条件をもつことです。
日本人は音声の世界をなかなか理解できないのです。しかし、そういう世界があるのです。
好きな音楽を聞いて入れていくことが必要不可欠です。
しかし、入れこんだ上で、そこからこうやりたい、というのをくみ出してこなければ何もできてきません。
音楽の世界で表現になるというのは、よい音楽を聞いたらわかるのでなく「ここがいいなあ」と、まずわからせることです。それは、一つのフレーズでも問えます。
これには音楽的な勉強を相当しなければいけません。ポップスを１曲も聞いていないでポップスを歌える人はいないのです。また、自分で歌ってみないで、歌える人もいません。
ここでは世界中の音楽を学びます。相当、聞いてきた人でも、ここでははじめての聞きたくないような音楽もたくさん扱います。しかし、どれも時代、人の心を動かしてきた音楽ですから、大切です。
学ぶということは自分を白紙にしなくてはいけません。
自分でできたところまでは、自分の力でできた、だからこそ限定がかかっているのです。
それを投げ出す勇気が必要です。
世界で最高のヴォーカリストといわれた人を一通り、聞いてみてください。
ここでは、その1フレーズを表現していくというやり方をとっています。
歌まねではありません。そのためにシャンソンやカンツォーネを使うのではないのです。
そこに入っているリズムや音色というものが、自分にどう働きかけて、自分の心がどう動いて、それを自分はどうくみかえたいか、ということです。
そういうものを音楽として受けていって、まねをするわけではない、自分の出したいものを出すのです。
そのために声が足りないとか、息が伸びない、リズムが読み込めないということが明らかになれば、トレーニングになります。☆
ヴォイストレーニングが根本的な理由になるわけです。☆
その前提がないのにトレーニングをしても何も結びつきません。
それが日本の場合、多すぎるのです。
ステージ、歌を前提にしていないヴォイストレーニングは、ただの趣味です。
アーティストは自分が楽しいからやるのではなく、自分がやることによって他の人を楽しませられるから成り立つわけです。
プロをめざしていなくては、ここにいてはいけないということではありません。
よいものをみて、そこの共通しているところを勉強しなければいけないのは、アマチュアでも同じです。
その辺の人の歌をそのレベルに歌っているだけでは、自己中、そのなかからでられないのです。
ここで育った人たちにはそれだけの理由があります。「そんなにやったの」とか、「そんなところまでやってたの」と「そんなに時間を使ったの」とかいうことです。
すごい理由がないと、すごいものは出ません。人前に立って期待されるようにはなりません。
ステージがよくなっているとしたら、その裏でそれだけのことをしているということです。
ここはトレーニングでやっていくところですから、トレーニングをやった人は伸びますが、やらない人は伸びません。これが、なかなかわからないのです。
ヴォイストレーニングというのは、耳で聞き声を発する、これだけです。
しっかりと聞けていないと発せられません。日本人としての耳より世界共通の耳をもち、しっかりと聞いた方がよいと思います。
それに対して、反応する声、つまり体での反射神経、運動神経が必要になってきます。
ここにきたら、最初に体力づくりから入ってください。
３時間くらい平気で立てるくらいではないと、人前でわずか５分のこともできません。
観客のテンションに負けてしまうでしょう。
運動ができるというのと同じように、別の頭のよさが必要です。
日本の教育での頭のよさとはまったく違います。最終的には声をコントロール（統一）する、ということです。
特に体を使って声を出すとか、全身でやっていくということは動きが一つになっていないとできません。
呼吸法や、腹式呼吸ということをいうのも、説明するともっともらしくはなります。
でも、これもどれが正解ということはないのです。
結果として、出る声を完全に統一できるようになればよいのです。
声がかすれていても、舞台はできます。その声で完全に自分が思うように表現が出せればよいのです。
何かをいうのにも百回、確実に完全に同じことができればよいのです。そしたら歌えます。
それが技術です。あるトレーニングをやったから、そのことが身についたわけではないのですが、そのこととのレベルでできている人たちは、どのトレーニングをやらせてもそれが完全にできているのです。
感覚も同じです。調子が悪かろうが朝おきてすぐであろうが、声が扱えるようになって、ようやく一つのキャリアになっていきます。たまにできたところから確実にだせるようにしていきます。
それは、ことにオリジナルという問題ともからんできます。
オリジナルというのは、自分のなかにあるものを出せることです。
それをその人間がマスターしたら、他の人間は、かなわないのです。競争にならないからです。
太っていないとダメなのか、という質問もありましたが、関係ないです。
自分がある条件をもっていたら、それを引き受けて活かしていくしかないのです。
何であれ、一つの条件くらいで、ステージに立てないとしたら、何にもなれません。
クラシックというのはかなり限定された条件の下に行われています。
テノールだったら、テノールの声質を期待されています。声域も同様です。
声というのは必要に応じてしか身につきません。
結果として、必要になった人は身についています。その点、声楽は目標が明瞭です。☆
皆、必要だと思ってくるのですが、本当の意味でいうと声や歌とそこまでの関係を結べていないから身につかないのです。それを助けてくれるのが年月です。それをキャリアに変えていく努力をしていく人たちしか残れないと思います。
ステージ受けすることをやって、やれてしまうと、それでいいということになりがちです。
不器用で、本当の力をつけるしかない、という人は、ここがよいのではないかと思います。
いろいろな可能性が皆さんにあるので、それぞれ伸ばすために利用してもらえばよいと思います。
まず、ことばをコントロールすることです。1〜２年目では役者や外国人の声の程度をめざしなさいといっています。マイクを使わないで遠くまで声をとばせることです。それからどんな動きをしていても、きちんと声をとり出せることです。
ことばを統一するのです。「こ・と・ば」というと、３つに分かれてしまいます。
外国人にこれを読ませたら、どこかに強いアクセントをつけます。
アクセントをつけるということは、息が流れて、体を使っているということです。アタック音というのは体にアタックする音のことです。だから体を使うことばなのです。
日本語は体を使わないことばであるだけでなく、日本人が音声のなかで何かを強く表現することはタブーとされてきました。口でいわないで、以心伝心、あるいは文書などに頼ります。
外国人は思っていることをことばでいえないと人間、大人とみなされません。無視されたり、敵意、反感をもたれたりするのです。そういう面で、全身と音声の感覚が結びついてきます。子供の頃から詩を読ませ、音声をチェックするのです。
日本では、英語のレッスンでちょっとやるくらいです。だから耳ができてこないのです。日本人の声に一番欠けているのは音色です。音色とリズムがあれば、歌は、成り立ちます。
ことばを一つで捉えるためのメニューをつくってください。
こういうものを体の一つのブレスのなかできちんとまとめていくのが、発声トレーニングです。
私のしゃべっているところは、腰が中心です。しかし同時に顔などにひびいているのです。
ですから、声を小さくしていっても遠くまで聞こえます。そのかわり、それだけ体を使いコントロールしなくてはいけません。遠くまで聞こえる声がマイクに入りやすいのです。共鳴させるためには、のど声ではいけないし、口のなかでいろいろな邪魔をつくってはいけない。
それから音の高さについてです。このあたりから、声量、声域の問題が入ってきます。それから、メロデイ処理、そして、フレージングです。
ヴォーカリストには、オリジナルのフレーズをつくる力がいります。
声をうまく出すための体の原理というものがあり、この辺は日本では活かされていないのです。そういうことは、直接には、音楽とは関係がないのですが、音声の世界のなかに入っています。
オリジナルのフレーズというのは、どんな声であろうと、それがつくられたら音楽になります。２～３年目の人になると、こういう練習が中心です。
どんなに考えても、自分の呼吸にあっていないとよくないです。
ここに入って最初にやることは、まず体をプロとして耐えられるようにしていくことです。
息を吐くのもよいのですが、それは何のためにやっているのか。それがわかれば体が変わってきます。
トレーニングでできることは、感覚を変えるということと、体自体がきちんとつくられていくこと、その二つです。楽器づくりと調律、これがヴォイストレーニングです。
それをしっかりとつくっていくのが、その人の器です。
多くの人は、すぐ歌い方に入ってしまって、これをやらないから伸びないのです。
大体は、一番の基本をやらないのです。他のところが１日で済ませることをここは2年くらいかけています。求めているレベルが違うからです。
ここはアカペラで歌えるということが最低限の条件です。ヴォーカリストは人前で歌って感動させることのできる人のことです。これもあたりまえのことです。
音の高さは音の太さと捉えてよいと思います。私の声は日本人が聞くと低く聞こえるはずです。でも太いのです。今はしゃべるのも、ヴォイストレーニングになっています。しゃべっているだけで体が使われ、調整され、日々強くなります。のどが使われると、のどというのは負担でやられます。それを切り換えていく感覚を得ていかなくてはなりません。
声が出なくて音楽が失敗するということはないのです。声が出すぎて失敗することの方が多いです。
ほとんどの日本のヴォーカルやヴォイストレーナーは、高いところを弱く響かせています。でもロックやジャズの歌い手はそうではありません。同じ感覚でとっています。求められる体の使い方と、集中力が違うのです。
どちらが高音をみせたり声量をつけるのに有利なのかというのは、わかりますね。
それは伝えるための努力のなかに含まれてくるのです。表現を忘れてやっていると人前には出られないのです。
外国人の高音は体の強さに支えているのです。
声区のチェンジやのどをひらくことに、最初から頼ってはいけません。欧米の感覚というより世界の感覚をベースにしましょう。アジアできちんと歌えている人もそうです。私は日本のなかでは、珍しいのですが、一声区という考え方です。裏声は別に考えています。
上のひびきと下のひびきで使い分けることはあっても、それは歌の表現から決めていくのであって、発声においては統一してコントロールすることで覚えていくようにします。
高音の発声があるから高音の歌い方があるのではありません。それは声楽の分野では成り立ちますが、ポップスの分野では関係ないのです。
低音と中間音が完全にコントロールできたときに、さらに歌いたいときに出てくる声が高音です。
プロのヴォーカリストは、高さに関係なくメリハリつけて強く出したり、シャウトしたり、いろいろな使い分けをしています。
日本のヴォーカリストは長く伸ばすことを優先し、点だけでとっていきます。音には届かせられるのですが、そこで何もできないので、音の響きや情感に頼るのです。
音楽であることの最初の条件というのは、一つの音、そして、それを次の音にどうつなぐかということです。
ピアニストでいうと、一つの音のタッチ、そこから次の音への移行をどうするかということです。
そこを１時間も２時間も練習できないと、プロになれないということです。
それだけきびしい基準をもつということです。それは弾くことが目的ではなく、伝えることが目的だからです。
ここに音楽がわからないという人もいますが、感動できる音をたくさん聞いていないとわからないということです。聞き込んだ量が違います。聞いたことに対し、自分がつくるように挑戦していないのです。つまり、練り込みをまったくやっていないのです。それをしないと、プロの練習にはなりません。声も同じことです。
「メロデイ処理」について触れます。
「つめたい」というとき、日本人はいろいろとつくり、ことばのフレーズをバラバラに分けてしまうか、鼻先でまとめてしまいます。これだけのことでもパッといえる人は少ないのです。日本人の感覚では頭のところでパッと入れないし、語尾を伸ばしてしまいます。それが音楽や発声に影響しているのです。
それがよいか悪いとかいうことではなく、日本人が向こうから入ってきた音楽をまねて曲をつくっているかぎり、向こうの感覚をもってやることが大切になってくるのです。こういうことは難しいことではありません。
しかし、本当に人が人に対してコミュニケーションしたいとき、どういうふうに体と声が使われるのでしょうか。それと反することをステージでしてはいけないのです。
そのときに体が使われているし、一つでつかめているはずです。強弱アクセントもついています。
歌においてそういうことが無視されているのは、おかしなことです。それさえ出せない歌が表現といえるでしょうか。表現とは、人の心を動かすものです。
それを問うていくと、いろいろな意味で厳しいものでしょう。メロデイ処理については、音楽を学んできた人ほど、音程でしかとれません。日本語というのは高低アクセントで、「つめたい」ということばに音（レミファミ）がついたら、そこで音をとりにいくことになってしまうからです。
外国人は、２拍目か３拍目に強いアクセントをつけます。そのときに体も使われます。
彼らは語尾をあまり伸ばしません。子音でおわるのでことば自体を体で切らないと言い切れないからです。
日本語は全部、母音で終わるから伸ばしてしまいがちでです。
最近、英語の学習でこのような感覚や息、リズムでの違いがとりあげられるようになってきました。感覚を直すというのは音楽の場合、もっと難しいです。
体を使うのは、シンプルにするためです。シンプルでないと体も使えないからです。体を使わないやり方でそれっぽく歌っていたら、体も発展していきません。ここまでのことは、メロデイ処理について音をそろえるということです。
歌というのは、歌ったあとに何かが残らないといけません。
それを心に残し、人は感動します。歌というジャンルがあって、出てきたのではなく、しゃべっていることをもっと大きな力で伝えたいと思ったときに、音色やリズムにメロディがついてきたものです。日本人は形をまねて細工をしたり、他のものを入れていくからおかしくなるのです。それがおかしいこともわからなくなっています。
次にフレージングについて話します。
ことばを均等に分けたものはフレーズとはいえないのです。ことばで統一され、一つに捉えられていないとできないものです。
メロディでも日本の場合はエコーをかけたりしてごまかします。だから昔のヴォーカリストの、声だけでもっていた時代の歌を聞くことです。それをやるのではなく、そこから学ぶ方が体と息についてわかりやすいからです。
最近の歌い手のＣＤは、音楽プロデュサーがいろいろと加工しすぎています。つまりごまかしている部分が多すぎます。カラオケも、日本人の声や歌がひどいままにカバーしてわからなくしているから、流行しているのです。フォローしたものを聞いているから、音響との力も加わっています。声や歌の力を知るにはわかりにくいのです。
ほかの芸事より大変なのは、日本人というギャップと感覚の違いがあるからです。
この曲は楽譜では「レ♯ファソ♯ファファレ♯レ♯ド♯ド♯シシー（つめたいことばきいても）」となります。これを練習するとき、この人がどう捉えたかを聞いていきます。
息が聞けるようになると音楽が少しはみえるようになるはずです。こういうことを２年間くらいやらないと勉強できません。多くの人は単に何か伝えようと思っていっているだけでしょう。音の感覚がすでに体に入っていて、それをどう表現するかをやっていくのが、ヴォーカリストなのです。
こういうものが入っていないと、音をたどるだけの練習になって、感覚も鈍くなります。音に瞬時に反応できないといけません。音程や音感の練習をやるということではなく、そういう体や耳になっていない限り、音楽というのは体現できないのです。よいものをたくさん聞き込んで、自分に合わないリズムも全部自分の体にたたきこんでいったら、何かやりたいときに、そういうものが出てくるということです。
だから時間がかかるのです。 ダンスなども２年やって、それなりに振りつけをやれば発表会くらいはできます。でもそこで５～10年やっている人が踊ったらまったく、違うでしょう。
ヴォーカリストの場合は特に目に見えない音の世界だからより難しいのです。だからこういうものから学んでいくことが唯一の解決方法だと思います。
部分的に直すのは、本来トレーニングの仕事ではありません。その直したはずの部分は他のところで出てきて、何年たっても解決しないわけです。そういうことでうまくなっても、それ以上伸びなくなる人が大半です。耳や声の世界が見えないからです。上達すればするほど、その上に何があるかということがみえてくるのです。それを勉強していかないといけません。
シャンソンの女王といわれているエディット・ピアフなどの歌は最初はまったくわからないでしょう。でも、自分がトレーニングしていくうちに、すごさがわかってきます。私が海外にもっていける、日本の歌は美空ひばりさんくらいでした。今のは、人間の生理に合わないようです。
それはそれでよいのですが、そればかりが売れているというのは皆さんにとっても正しく勉強しにくいことだと思います。音響技術の力で聞いているということは、そういう感覚になるしかありません。声の本質にはアプローチできません。
東京ドームなどで歌う歌手の声のには、トレーナーではなく、音響技師の役割だからです。それがよい悪いというよりも、ここやここにくる人でできることからいうと、そんなところに手を出していっても意味もないのです。そういうのを求める人は直接、プロデューサーの元にいくべきだと思います。
ここでのやり方というのは、あくまでも音声で表現する舞台ということです。
生の舞台ですから１回でも間違えてはいけません。それだけの体の感覚や統一性をもたないと人前では使えません。そういうことをベースにすると自分の力がないのがわかるから上達するのです。
すぐに教えないというのは、その人の今の体で決めつけてはいけないというのがあるからです。
決めつけて、単一のメニューでやると所詮、教えている人間以上にはならないものです。私の声をまねても、骨も筋肉もまったく違うし、表現したいことも異なるでしょう。それを絶対にこうしなさいということはいえないのです。だから、たくさんの材料のなかから自ら気づき学んで欲しいです。やり方は、自分でつくっていきます。それを正す材料を得るためにためにトレーナーを使うのです。そこで気づく力をつけることこそ、レッスンの目的なのです。☆
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【オリエンテーリング①】
研究所でのレッスンは１～２カ月ですぐに効果が上がるような体制で組まれていません。もちろん効果ということは、最大限、重視すべきことです。しかし、なぜ２年制にしているかは、2年たったらもっと学べるようになるためです。2年で上達し完成する、つまり、限界になるためではありません☆。
そこで、カリキュラムもなるべく自分で選択できるようにしています。個々の目標も今の持っている条件も違うからです。声優や俳優など、いろいろな分野の人がくるので、分けずに、いろいろな人から勉強もできると思っています。しかし、音声を学ぶためにあるということを忘れてはなりません。
ただ、声というのは日常も使うものであり、それほど特殊なものではありません。
私の本に関しては、覚えるほど徹底して読んでおき、やるときには忘れてください。
自分のものをつくるために一度入れて出てくるのを待つのです。基本的には毎日、息、体などを強化しつつ、その結びつきを強化していくようなトレーニングが必要になります。声は息で、息は体で支えられているからです。
強化トレーニングは、部分的に意識的にやっていきます。歌というのは声のある部分をきちんと聞く人に与える音声効果を踏んでとり出していくことです。できなくなったら、また基本に戻り、トレーナーの体や感覚を読みこんでイメージしていくのです。それもすぐにできないから少しずつ入れていきます。
ステージというのは一番の目的であるべきだと思います。ステージに立つと、音声だけではなく、すべての問題が出てきます。そこで歌うときに、体を意識したり、声を見せようとするのは間違いです。歌った後にこういう条件が正しく伴っていくように意識なしにできるところまでやっておくのが日常のトレーニングです。
一番よい学び方は、一流の人から感覚を勉強して、自分に移しかえていくことです。それに体がついてきたら、同じことができるのはあたりまえですね。しかし、同じことができてもしかたないから、もっと考えなくてはいけないことが出てきます。そこからがおもしろいのです。なかなかそこまで土俵をもっていけません。それは単に間違いなく歌えたらおもしろいと思っているからです。自分しかできない表現だから、おもしろいというのでなくてはいけません。
この頃は、ヴォイストレーニングそのものより、精神的なことや心構えについて話さなくてはいけなくなりました。学び方がわかっていないと、狭い範囲でしか学べず動けなくなってしまいます。
そこから何か学べるものがあったら、すべて吸収しなければどこへ行っても学べないと思います。しかし学ぶということはとても難しいことです。
まず人前に立つために必要な条件を身につけていくことです。ステージに関しては研究所のなかだけでなく、外でやれている人の方のいろいろなノウハウを、一流の舞台から見ることです。
このところ、ＮＨＫのプロデュサーに演出術などを講義に来てもらっています。人前に立つための条件というのがあるのです。その上で、音声で表現するのが歌です。それを根本におくことです。
音声で勝負するということは、ここにいる間にわかっていけばよいと思います。そのなかで判断して欲しいのです。本当は２年どころか、５年、10年かかることです。
人前に立てる条件というのは、続けることと、そして、一つひとつの場できちんとした結果を出していくことです。そのために一つの場で続けることが大切になります。やればやるほど、道というのは拓けるようになっています。
ここでは一般的にプロとか、アマチュアとかいう分け方をしていません。こういうことに時間をかけていく以上、ものにして欲しいし、ものにすべきだ、と思うから、時間は無制限です。覚悟を持ってやっていかないと、モノにならないのです。そのために高い志や目標がある方がよいのです。
上達のためには人間のことがわかっていくとか、いろいろなことが必要になっていくのです。それは、歌や舞台として切り離された世界ではありません。まず、自分でここを使い切って欲しいと思います。
レッスンに出続けるというのも一つの信用になるし、アテンダンスシートもコミュニケーションになります。
ここでは、機会やチャンスを与えています。あなたを化けさせる場としてこの場があるのですから、あなたが信用に足るものを出してください。
衣裳をまとって格好のよいことをやるというより、素っ裸になってさらけだすのが、この世界です。人前に出ることを恐れていては、遠まわりになります。厳しい条件に自分をおいて表現することです。
人前に出続けること、そして人のまねをしないことです。他の人から学ぶのはよいのですが、その通りにしてもしかたがありません。最初にキラキラしたものが出る人は何人もいますが、しかしそれだけではもちません。音の世界でステージを通じて表現しなくてはいけないのです。誰かのまねをしていても、あるときに脱し、それに代わる何かをつくらなければいけないのです。
個ということと、自立ということは、人前に出るための条件になると思います。研究所はあくまで場であり、トレーニング法は材料としてあるだけで、そのままでは使えません。これに代わるものを自分でつくることです。手間ひまをかけてつくったものはその人の人生の一部なります。
大切なのはトレーニングを通じて、質をトップクラスに近づけていくことです。ステージを見にいく人は、歌を聞きにいくより、その人やその世界が見たいからです。自分の武器をきちんと見据え、それを確実にとり出せる技術を身につけてください。
ここでは他の人の声ともみ合うなかで、自分の感覚を鋭くしていけるという利点があります。最初はいろいろなレッスンにできる限り出てください。人前でレッスンを受けるときは、個人でやってきたことを問うのです。それはライブをやっているのと同じです。人にどう働きかけるか、働きかけられたかということを現場で学んでいくわけです。
声はいつもライブです。一人より、場で問うことで気づき、そしてそれを持って帰って一人でトレーニングします。個人でやってきたことが、通用しない場合もあります。しかし、自分のことを自分で判断し、決めていくことです。まだ入ったばかりだからと言いわけをしないで、日々やれることをやっていってください。
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【レクチャー②】
よく音楽スクールと比べられるのですが、目的もやっていることも違うので、説明したいと思います。
私自身は、自分の研究のために研究所をつくりました。そこからスクールとはまったく違うのです。私が学ぶやり方を参考に場を共有していきたい人の学ぶためのところです。
このレクチャーが私が一般の方と接する唯一の場になっています。
これは皆さんを研究所に入れるために行っているのではありません。
外国では聞く人たちの耳が肥えているので、声のことを勉強するビジネスマンの方もいます。
彼らにとってはあたりまえすぎて話にもならないことを述べていきます。
日本の場合は、まずはそれだけ伝えたいこととその意志があるのかということです。
あまり声の問題とは関係なく歌以前に受け手の方が声に対して、価値観とか感受性をもっていないのが大半で、この方が大きな問題です。
まず、声というものには価値観が反映されます。何を今までやってきて、これからどうしたいのかということがハッキリしないと、一概によいのか悪いのかということでは答えられないことが多いのです。
質問に答えていきます。「座ってもよい声がでるか」ということですが、結論としては寝ころんでもどんな姿勢をとっても、よい声は出るのです。出るようでなくてはならないのです。
発声法や呼吸法についてはあまり考えない方がよいと思います。そういうものの存在さえ一回、取り払ってみることです。
基本というのは、舞台でやって、それができなかったり伝わらなかったときに、問題点が現れたときに立ちかえるために必要なものです。誰にでも共通の発声法や歌い方があるというのはおかしなことです。共通するのは声の出る原理のところです。
ここでは場を与えているつもりです。だから、ある一つのやり方を教えて、それに合わない人間を排除したり転向させるつもりはありません。
自分で自分のイメージをハッキリさせないといけません。ヴォイストレーニングをして意味があるレベルというのは、自分の出したいイメージを明確にもって、それに対して体がついてこないというときにはじめて、それを補う発声法や呼吸のトレーニングなどが成り立つのです。
研究所に来たら歌がうまくなるわけではありません。入ってからが問題なのです。ここでは、いろいろな意味で情報をシェアしていると考えてください。
私はヴォーカリストと、声楽家、役者、声優というふうにはわけてはいません。一般の人も含め、すべて音声の使い方の違いはあっても、基本は同じという考えです。プロの人のステージなどを観て、どう思うかは自由ですが、そうなりたいと思ったら、彼らがプロとして成り立っている条件をみなくてはいけないのです。
日本を非難するつもりはありませんが、お笑いの人が歌を出したらトップで売れるという国ですから、実力とプロであることと売れるということが結びついていないと思ってもよいでしょう。お客さんも、ビジュアル的にみてよい方を求めています。この国では、音でのプロとアマチュアの区別があまりないのです。
アメリカではエディ・マーフィーがＣＤを出しても売れません。ヴォーカリストは、ミュージシャンだからです。音楽というより音声の部分での成熟度が違うのです。
トレーニングでは目的をハッキリさせていかなくてはいけません。日本でもバンドのレベルは上がっているのです。しかし、ヴォーカリストには声という楽器の演奏能力以外に力を補う要素だとたくさんあるので、却って、声での力がわからないのです。その上で自分の武器とは何なのかということをハッキリさせなくてはいけないから、どうしてもおざなりになりやすいです。
「トレーニングをやって効果があるのか」という質問があります。効果のないトレーニングはトレーニングとはいえません。ただし、ヴォイストレーニングの効果は、声に現れるようにすべきです。
ヴォーカルはいろいろな形でやっていますから、基準がとりにくいのですが、基準がとれないものに対してトレーニングは成り立ちません。
「自分の力がどれくらいのものか知りたい」という質問がありました。
ここで1フレーズで、皆を感動させることができたら、それは実力といえるでしょう。
ヴォーカリストを助ける要素はたくさんあります。ステージパフォーマンスに音響や照明なども含まれます。日本のお客さんは歌を聞きにというより、その人に会いにきています。
だから、そのヴォーカリストでなくてはできないのかというとそうではないでしょう。ステージがもてばよいのなら、タレントでも充分です。その辺を混同してしまうと、ヴォイストレーニングというものがわからなくなります。逆に歌がうまいからといって、ヴォーカリストになれるわけではないのです。それが一致していけばよいのですが。
ヴォイストレーニングも歌も、イメージを声にしていくという点では同じです。
研究所で与えるものはすべて材料です。好みでない曲が与えられても、それをどうこなせるかが力であり、こなしていくところで力がつくのです。
ですから、トレーニングというのは好みのことをするのではないのです。力をつけるため、上達するために行うのです。好き嫌いということと優れているかどうかというのは、違うのです。
トレーニングで上達していくには、まず世の中に優れたものがあるということを認めないといけないのです。
その人に力があれば、あるレベル以上であるということは瞬時に認められるものです。その力が必要になります。そうでなくともやれる人は研究所に入るよりも、舞台をやりなさいといっています。
ここはトレーニングするところなので、トレーニングで効果を問えるようにしています。
ヴォイストレーニングを学びにくる人たちが、効果をあげたいなら、本当にそれだけの表現を欲して、その上で何が自分の武器かということを見極めないと成り立たないです。声だけ大きくても歌だけうまくなっても、どこにも通用しないからです。
そこで自分にとって本物の声を欲するようになるまでのプロセスをここに入るまでにやって欲しいのです。日本の現状ではそんなことをまったく考えずに来ます。そこでここの二年間というのはそのためにおいていると思ってください。
音声で表現するための基本をつけていくというのが、ここのメインとするトレーニングです。プロしかもっていない条件というのがあり、それをきちんと備えていくことが、トレーニングです。
このことで一時期、歌をへたになることもあります。自己流でやっていった方が、一見早く上達するかもしれません。しかし、あとで大きく伸びるには、人間の体が最大に働く原理として、声を取り出していかなくてはならないのです。基本というのは、その原理に基づくことを徹底して覚えていくことです。
最初の二年間にやらなくてはいけないことは、大きな器をつくっていくことです。それは歌がすぐにうまくなることではありません。それなら、カラオケの先生についた方がよいです。その方が絶対に早くわかりやすくうまくなります。
ここではその二年間が終わったあと、本当の音楽がおりていて出てくることが大切です。歌や声はツールです。それを使って、何を伝えるかということなのです。
ここでは音声をメインにおいています。ビジュアル系でやりたいとか、音響で声を加工したいという人も、それより大切なことを知らないとなりません。そうでない人には向いていないと思います。
現在の音楽は、かなりデジタルの加工をかけています。それはそれでよいのですが、それらの音楽から学べることは少ないのです。皆、体という楽器ができていないからです。
それに比べて、昔のものはそれだけの技術のフォローなかったので加工が入っていません。ストレートでわかりやすいから、学ぶ見本によいのです。
バンドがないと歌えないというものではありません。
まず、一人で舞台をもたせることが基本です。バンドやオーケストラといったものは、より伝えたいと思ったときにあとからついてくるものです。あくまでも伝えるものは、自分のなかにある感覚です。それを勉強しないといけません。
プロの条件というのは、プロの感覚とプロの体です。声というのは、そのなかの一つにすぎないのです。役者の場合でも、一流の人なら表情をつけなくても、表情を見なくても伝わってきます。だから、まず音声で表現するということにこだわっているのです。
日本人は、歌い手らしい歌い方というものを求めますね。そういう意味では、既製の価値観に大きく左右されています。聞く人のパワーがおちてきているのです。それはそれで時代の特色として踏まえていくとしても、そもそも表現とは、そこにことを起こしていくわけです。それに対して、相手がどう思おうが相手の何かが動けばよい。何かを残せばよいのです。
私も今、表現をしているわけですが、聞き手の感情までいちいち考えていません。共感でも反感でも、どういう気持ちを抱いてもらってもかまわないのです。それはポリシーがないと続かないことです。
歌い手が難しいのは、画家や小説家のように、一番よいときだけを見せることができないということです。舞台は生ですから、一回の失敗も許されないのです。
日本人は、音声に対しての認識がとても浅いです。外国人にとっては、あたりまえの条件が日本の歌い手には備わっていないのは、日常からの問題も大きいのです。日本人として生まれ、日本で普通に育って日本語を使っていたら、二十年間、悪いヴォイストレーニングをしているということになるからです。声について身につかないのがあたりまえです。
アメリカやイタリアに行くと、行商のおばさんや浮浪者のおじさんでもすごい声を出しています。そこが声のベースなのです。ヴォイストレーニングというものは何か特殊なことをやるのではなく、本来の人間としての音声で感覚をとりもどすことからです。
レッスンでは、歌う覚悟ができている人たちの技術的な部分を補うことはできますが、才能をゼロから育てるということはできません。しかし研究所には才能がある人もいますから、そういう人たちと二年間、過ごすということでいろいろなものをつきつけられ、考えることができます。
日本は音声で表現してはいけない国なのです。しかし、歌い手はその感覚を変えていかなくてはいけませんし、役者もそうです。日本人の声というより、人間としての声を突き詰めていったら、しぜんに出るようになるということです。
基本に関しては自分で深めていくしかないのですが、深めていったら自分なりにわかってくるはずです。その人の体の底からきちんと取り出された声が一番よい声です。その声を取り出すためには、体の強さなどといった条件が備わっていないといけません。それから感覚が下されていないといけません。
日本の劇団などは見ていても雑ですね。ひどい声を出しているということに対して、おかしいと思わないことがおかしいのです。そういう感覚がないからです。
ヴォイストレーニングとは声を出すことではなく、声を出せる状態にすることです。
ここでのトレーニングの二年という期間は、迷いの連続になり、そこでの問いに応えていくから、他人を超えられるのです。しかし、できることとそうでないことについて迷ってはいけません。
こういう声や発声でのよいのか、という迷いがある時点で間違いです。自分にフィットしないことは全て間違いです。もちろん、フィットしたら正しいとは限らないから指導を受けるのです。
スポーツをやるときは、プロがどのように体を使っているのかを見ると思います。まず身体条件からして違うでしょう。プレーをしてもまったく疲れない体をもって、使うべきときに集中して使えるようにコントロールしています。
向こうのヴォーカリストはしゃべりが即、歌になっていきます。それくらいシンプルでないといけないのです。複雑なものは間違いです。音楽や歌は、そこにはおりてこないからです。本物はとてもシンプルです。その人が音楽にならなくてはいけません。そのための基礎づくりの二年間です。
結果として楽譜が読めるようになったり、アーティストの名前をたくさん知るのはよいのですが、それが目的ではないのです。
トレーニングというのは、今日のためではなく、明日のためにやっていくものです。向こうのヴォーカリストは体に声がついているので、歌に入るのが楽です。
私の声は、腹式呼吸と声の芯を伴った深い声です。どんなに小さくしても遠くまで聞こえていますね。
声では小さい声になるにつれて、同じだけを伝えられるにはその分、体が使われていなくてはいけません。息がコントロールされていなくてはいけないのです。
ブレスヴォイストレーニングという特殊な方法があるわけではないのです。
ただ、これから私がやることは、海外のヴォーカルなら皆、できていて、日本のヴォーカルではほとんどできないことです。体の大きさはなど関係ありません。その人が与えられた体を使い切ることです。
ポップスとクラシックという分け方はないのです。しかし、マイクのあるなしによる声の扱い方で違いがあります。声楽の勉強とここの学び方の共通点は一回、日本人であるということをはずしてしまうことです。たとえば、クラシックというのは、全部を体から声にしていきます。
トレーニングには環境が大切なのです。日本語は、およそ母音で終わります。母音というのはノンアタック音なので、ひびかせることで音声にしていきます。体を使わなくてもよいのです。
声楽では、マイクがないので音を最大にしてひびかせます。しかしポップスはマイクがあるので、そんなに声がなくても、もっと大きな表現ができるのです。その力を知って利用することです。
イタリア語など向こうのことばは全部、子音で終わります。たとえば「 at at at」というと、皆には「at」が「ta」と聞こえるでしょう。これが日本人の感覚です。
必要なのものは、手に入ります。しかし、本人が必要だと思っていても本当の意味で必要でない場合もあります。ある人が高音をきれいにだしているから、自分も出したいなというのは、本当の必要性ではないのです。ただ、高い音に届いたというのでは何でもないのです。
勉強する上で大切なのは、入っているものしか出ないということです。できなければ入れるしかないのです。たとえば英語の学習などに見られることですが、日本人でも子供だったら聞いたままを覚えるのですが、大人は日本語の発音におきかえてしまいます。それは頭に入っているからなのです。
息の音、アタック音というのは一番、聞きとりにくいものです。向こうの人たちの原語は「ハーッ」という息の上に乗っかっているのです。だから毎日、人としゃべることでもヴォイストレーニングになるのです。彼らは、日常のなかで音声による表現の仕方を何パターンも覚えているのです。そこで声の効果や声の扱いも知っています。
向こうの人たちは音としてみえない部分にもカウントが入っているのです。それがリズムです。
それに対し、日本語は俳句などに表されるように、アクセントのない８ビートのようなものです。日本語には長さを等時性というのがあります。長さを均等にしていくもので、長さとは音の出ているところです。ポップスの場合、こうすると表現力がおとります。音の長さでしか変化がつけられない平板になるからです。
たとえば、「わーたしが」ということばも向こうの人たちは「わ」のなかに「たしが」をすべて入れてしまえます。それだけの強い体があるのです。体と感覚がプロになっていくというのは、体で声を読み込めることです。瞬間的に自分の出したいものをそこにおきかえられなくてはいけません。
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【オリエンテーション②】
まず、日本の教育を受けてきた皆さんには、日本人として生活しているなかで、こういう芸事とか体に身につけることの学び方というのが、ほとんど入っていません。
それを伝えることに、人によっては、２年以上かかってしまいます。それからがスタートに近いような状況でも、遅いわけではありません。
それをクリアしている人は初日からスタートできるのですが、私がみていると、しっかりとベースにのせている人というのは、１割ぐらいです。
ですから、まずスタートを切ること、それが最大のポイントです。
こういうことをもモノにするというのは、人が10やったところを100やっていくしかないからです。
はっきりいうと、そこまでは、まだ量だけの違いなのです。残念なことながら質にまでいきません。
スポーツでいうとリトルリーグのレベルです。早く始めた人がその分うまいといったものです。
その人の才能がでてくるところまでは続けるだけで上達できます。
そこから、本物の歌が２年間ででてくる人というのは相当に条件の整った人です。1000人に1人、10年に1人といったところでしょうか。
そのなかで今までやってきましたが、過保護なことを求めないことです。
新しく入ってきた人に対して、年々、私たちも与えられるものが大きくなっているから、昔５年かかったものなら３年で気づかないとおかしいはずなのです。
ここが本当の意味で進歩しているので、あればそうなるはずです。
世代が変わって、そういうことがわかる人が少なくなり、あるいはヴォーカリスト自体が、音楽とか歌ということに対する研究とか勉強ということに、皆目、見当がつかなくなり、逆に育つのが難しくなっているのが現状です。
学ぶ手段はいろいろありますが、その人がどこまで欲しているかということとどこまでやろうとしているかということでは、最終的には、本人の覚悟の問題です。
それができていないなら、２年間たって、そこに向かう人が１割いればよいと思っています。それ以外の人は、歌って楽しんでいればよいわけです。カラオケを歌ったり、親しい人をライブに集めていればよいのでしょう。
ここは、どちらでも必要とする人に、与えられるものを伝えていくことをめざしていきます。
特にトレーニングでの学び方というのは、タレントとして出ていくのと違って、習得のやり方というのがあります。そこにおいて大きな差がつきます。学び方や学べるということこそが、才能といえます。
合宿も会報も、そこに３年～５年分の材料が入っているのです。
そこでやっていることというのは、毎日のレッスンのなかにもすべて入っているわけです。
何が違うかというと、皆さん自身の取り組みです。伸びる人というのは、課題が与えられると、全力で活かしていきます。最初からは、なかなか難しいのですが、普通の人が100回で充分だと思うことを1000回、１万回とやっていくのです。そこで確実に身につけていくことが学ぶということです。
ややもすると資格試験の勉強と同じで、10回でできた人が100回でできた人よりも優秀だというふうに思っている人が多いようです。それは結果であり、プロセスは逆です。
レベルが高いほど求めることが、多くなるからです。たくさんのレッスンに出るのは本当によいのです。ただ、たくさん出ただけで身につくのではありません。
関西は、昔は月１回でやっていました。こことほとんど変わりませんでした。
そのまえは関西から、ここにきていた。そういう人は伸びるわけです。覚悟が違うからです。
ここは回数も自由にしています。たくさん出るということで誰にも負けないといったら、それはそれで一つキャリアになっていくでしょう。一つのレッスン関して、他の人が１枚しか書かないものを数枚書くといったら、そういったこともキャリアになっていきます。それだけではしかたないのですが、何か引き出す前提に量は必要です。
それがいずれ歌のなか、あるいは声のなかに結果として現われないといけないのですが。逆にいうとそういうことをやらないで結果が出せる人もいないわけです。
研究ということでいえば、学び方があるのです。結果が外で認められていて、すでに活躍している人が利用する場合も、共通します。プロも素人も、ここからみると、基礎としては、同じことを徹底することが必要です。
だから、私は基本的に一つひとつのレッスンをなにものにも変えられない価値があるつもりでやっています。一つのレッスンで、ほぼすべてを完結できるものであり、同じことを繰り返しています。☆
それがしっかりと伝わるのに２年ぐらいたってからでもいい、そこからが本番ということなのです。
そこから個別にフィードバックしていけるのです。
たくさんのレッスンがあるなかで、自分の力で見極めていける人が少なくなってきました。
きっと何があっても絶対にモノにするという自信がないのでしょう。
今の日本の教育の制度下で、何も一人でやった実績がなく、ここにきているような状態で、ここで学び、自信をつけろといっても無理なのです。
そうすると、他の権威を頼るようになります。専門学校やその辺のスクールがとっているようなクラス制度、いわゆるカリキュラム制や資格制度みたいになっていくわけです。
でもヴォーカリストは、いってみれば、ステージができればそれでよいというの世界です。それができなかったらといって意味がないわけではないですが。
あなたが時間をかけていくこと、習得していくことについても、そういう意味でいうと、シビアにならなくてはいけないということです。
歌を楽しめたらよいというのであれば、もっと楽しむやり方はいろいろあると思うのです。
こういうものは、人前で３分間、立つとして、それで全世界の人を感動させる人もいるというところで得ていくものです。そうしたら、どれだけ大変かというのは、わかると思うのです。アマチュア、プロという区別ではないのです。
もし生涯、続けていこうと思うのであれば、人前に立つ責任を考え、それだけのことを自分がやっていかないといけないという義務感、そして使命感が出てくるはずです。それがあったら、自分のやることの技術を完全にするのはあたりまえだと思います。要は、人の前で人の時間を奪うわけです。レッスンでも同じです。
私が皆さんの時間も奪うのでなく、皆さんが私の時間を奪うのです。時間は本当に大切です。とり返しがつかないものです。だから、それに対し、鈍くあたりまえの感覚にならないようにして欲しいのです。
２年間でもっともっと鋭くなっていくようにしていきましょう。
他の人が10回やっていることを数倍、かけましょう。その人よりできなくてもよいのです。
ここにはプロで入ってきた人や音大卒業してからきた人もいます。少しでも、うぬぼれや油断があると、伸びていかないどころか、前の自分に負けてしまうのです。
まずは自分のなかで伸びればよいわけです。まわりと比べてもしかたがないわけです。まわりが優れていても優れていなくても、そういうものを超越し、前の自分より伸びればよいわけです。
他の人が１年でできることを10年かかってでもやれば、そのことは、他の人よりも10倍、自分のなかに入ってきます。
同じぐらいの歌しか歌えなかったとしても、そこから先、伸びます。
今は力の差があっても、時間の助けでやがて超せるでしょう。
ここでトップになって、あたりまえのつもりで、どんぐりの背くらべなどしてもしかたありません。
１年くらいでできた人はそのあと伸びないのです。器用な人もいます。
最初から歌えているつもりになっている人に、私は、まったく期待しません。
その人が自分の基準をしっかりともって、世界の音楽とか歌とかの基準をもって、そこでのギャップをつかんで埋めていこうと必死にあがいていかない限り伸びないからです。
歌の世界は、確かに歌いたいように歌えたらよい世界です。
取り組みが問われます。全力で取り組んで欲しいというのは、本当に２年もあるのではなく２年しかないのです。15年ぐらいやってきた人が、ここで２年やって、そうしたらはじめて２年といえるというような意味での２年を過ごすことです。
できるだけ、ものごとを知り、気づき、順調に早くできていく方がよいと思います。
最初にすべきことは、殻を破るといっていますが、自分であると思っていてもないものに気づくことです。
カラのなかに閉じこもっているうちは、スタートできません。
音楽をやってきた、あるいはどこかで歌ってきた。でも通じていなければ、そのキャリアはまったくないと思うことからです。一度、捨てることです。白紙にしましょう。
音楽に関しても同じです。ここで使う課題、それからレッスンのなかでやっていくことは、やりたくない、あるいは生理的に合わないものなども、いろんなものが出てきます。
全て世界中の多くの人々を動かしてきたものです。人間である以上、それに共感できない自分が学べていないと思えばよいのです。取り組む力、感じる力のなさが、その人の今の限界なのです。
世の中に出て、自分のオリジナリティをつくっていくために、今の現在の最先端にあるようなものを追いかけていくだけではありません。というのは、すでに遅れていく方法です。
しっかりと自分のオリジナルをやっている人というのは、時代を超えて、あるいは国を超えて残っているものをしっかりと学んでいます。
これも学び方の一つの方法です。
身のまわりにあるもの、たとえば自分で入手できる映像まで研究所で知らされないと学べないとしたら、何にもできていないということです。自分でやれるだけのことをやって、そこでは接することのできないこと、気づかないこと、そこでは聞けないもの、触れられないものをここで扱います。
だからこそ、ここの意味があるのです。大きな差がしぜんとつくのです。
特に歌を聞く耳に関しては、日本ではかなりのレベルになるはずです。
だから自分でやれることは自分でやることです。
研究所に頼って、ここにいたら何とかなると思っていてもしかたないでしょう。
ここで提供するものを自分で汲み上げないといけないのです。
ポップスの世界ですから、オリジナリティが問われます。人と違うのは、あたりまえです。
みんな、顔も、着ているものも違うでしょう。
音楽とか声とか歌っていることが違うといっても誰でも違います。
カラオケでの違いなどは、たとえていうなら、何を着ているかくらいの違いです。
デザイナーの作品や、まして思想を問うているのではありません。
そうではないところの違い、根本的な違いというのは、何なのかを知ることです。
好き嫌いでなく、優れているものと優れていないものは確実にあります。
それをしっかりと最初に学んでいって欲しいのです。
２年で、それを見分ける耳ができたというのなら、それだけでもよいと思います。
そこから伸びていけます。本当にあわてて、基本を疎かにしないようにしてください。
伸びた人は、他の人たちよりも、いつもできないというようなことで苦労を味わっています。
自分で今できることは、今日、歌ってくださいといって出せるものなのです。それでよければここにくる必要ないわけです。だからできないのが正しいのです。
それを超えるということは、超えられないから、大変なのはあたりまえなのです。
だから順調になど、いきっこないのです。
順調にいくとしたら、自分ができることを自分ができる程度にしかやっていないということです。できることはやらないといけないわけですが、やったからといって大したものになるのではありません。
ただ、できないことをやれるために、できることをより確実にやっていくということしかないわけです。
できないことをできたふうにやっているだけでは伸びないのです。そのままで終わってしまう人もたくさんいます。
もっとシンプルなものです。規則や制度、会報は、研究所のために、皆さんのために、過保護なまでにつくっている材料の一つです。１ヶ月目の課題も、です。それ以上の2ヶ月目、それ以上の3ヶ月目をすごせるようになることを学び、実践するのです。
レッスンに出たら、いつもそこまでのことはやるし、やらなくてはいけないのです。本当に伸びるという人はやっています。ただ、その学び方のために、まず毎回のレッスンでアテンダンスシートに書きなさいといっています。
裏表びっしりと書いてくる人もいれば、１行しか書かない人もいます。
それさえ書かない人、出さない人もいるでしょう。学べていればよいのです。
こちらが指示したことさえやらないのであれば、２年間たっても伸びがよくわからないなどというな、ということです。こちらの出す課題は、最低限の最低限です。自分で課題がつくれるようになるための練習です。
それはやってあたりまえです。
私とトレーナーが驚くだけのことをやったところでしか力の差として身につくものはありません。
伸びる人は伸びるべくして伸びるし、その逆も同じです。
そのことは、わかってくるはずです。
でも、それだけのことができる人が本当に少ないというのを思うようになりました。
あたりまえのことをあたりまえにやるということは、難しいことです。
2年となると鈍くなって、うぬぼれ、それ以上の高みに上がろうという意欲がなくなってしまうのです。
皆さんが今日来て初心でやろうとしている意欲というのは、とても大切なことです。その心を忘れないことです。
何のために入ったのかというと、何かを手に入れるために入ったわけです。
それを貫いて欲しいというのが、ここの存在の意味です。
皆さんはそのために、ここを選んだのでしょう。
もう一度繰り返しますが、レッスンも会報も、たった一つのことを研究所では伝えようとしています。
その一つのことを伝えるために、たくさんのことばとたくさんのレッスンがあります。
それはその人があたりまえのままでは、学べないと思うのです。
そうではない状態のなかで学んでいかないといけないから大変なことだと思います。
いろいろな材料は提供していきます。自分の器を大きくつくってください。
テキストをたくさん渡していますが、全部含めて一つのことしかいっていないです。
たったこれだけのものしかないのかというようなものです。
２年間も真面目にやれば、私が書いたテキストと同じだけのものを自分で書いているでしょう。
そうしたら２年間でかなり身につくと思います。
学び方にはいろんな学び方があります。私たちも勉強しているので、徐々に与え方も変わってくると思います。
相手によっても変わってきます。いろんな人が入ってくると、また違う学び方がでてくると思います。
それはあなたがつくるのです。
はっきりいうと今はトレーナーの才能の10％ぐらいの力のところでレッスンをやっているみたいなものです。
皆さんがもっとそれを活かせるだけの意欲と体と技術を身につけてください。
トレーナーを活かすのも、その人の才能です。どんなに欲張っても構いません。ここを使い切ってください。
ここにはそれなりに深いものがあります。
ここの底の底が本当の意味で見えるようになっていけば、どこでも通じるようになれます。
トレーナーと同じレベルのことができれば一応、卒業だと思います。
それ以外に逃げ道をなるべく作らないで勉強をして欲しいものです。
最初は学ぶことは山ほどあります。１日８時間もヴォーカルで何を勉強するのだというところから、学んでいかないといけないと思うのです。学べるようになるのに２年、さらに４年、そして６年はかかるのではないかと思います。１日10時間あっても足らないぐらい、学ばないといけないことがたくあります。
そこから最終的に自分でメニューを組むということです。そのヒントとしてここを生かしてください。
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レクチャーのレジュメ 札幌セミナー
1.プロの感覚（耳）、プロの体（体力、集中力
2.すぐれていること（1フレーズの取り出し、表情）と好き嫌い（体の原理とくせ）
3.必要と不足（入っていないものは出てこない）
4.ヴォイストレーニングは声を出せる状態にすること（再現性、耐久性、応用性=歌）
5.価値観、確実にでき、可能性が広がる方に向けておく
6.音楽プロデューサーとヴォイストレーナーの役割分担
7.ステージとファーム（トレーニング）の違い
8.オリジナルの声とオリジナルのフレーズ
9.基本とは原型オリジナルに戻ること（バンド、声）
10.一般用プログラム
11.目的とプロセス
12.基準と材料
13.評価法
