レクチャー
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【レクチャー1】
【レクチャー2 オリエンテーション】
【レクチャー3 Ｑ＆Ａ]
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レクチャー1
ここのトレーニングというのは、トレーニングで息を吐くこととか「ハイ」と声を出すことを持続し、繰り返して、本当に身体からの声を身につけていくために必要なのです。
いわば、日常生活から取り出した型、作法のようなものです。
これがないと単純なことを深めていくのが、難しいからです。
深めるほどにシンプルになり、本物に近づいていくのですが、多くの人はバラバラの状態のままでできたと思ってしまいます。それをチェックするために型があるのです。同じことを繰り返すなかで、感覚を深めていくのです。発声トレーニングと同じです。
歌うに理屈はいりません。耳があって、声があればよいだけです。しかし、心と体に音楽が満ちていなくてはなりません。多くの人は、誰かに気づきのきっかけを与えられないと、それがわからないし、何年も一人で気づいて深めていくのは至難だから、こういうところを利用するのです。
上達のレベルは、気づきのレベルによるからです。
ここにきたら何とかなるわけではありません。すべては自分で主体的にやるということが条件です。ただ、どれだけのことをやらなくてはいけないのか、どれだけの差があるのかが少しずつわかることです。
それを突きつけられる場や経験が必要なら利用ください。
何事にも天才ででもない限り、一人では決してできない深みや奥があり、それをかいまみることが大切です。
ポピュラーでの表現は、肺活量や声量とは直接には関係ありません。声量があった方が歌が大きく聞こえるとか、声が大きく出る方がよいということもありません。ポップスの場合はハスキーな声の人もいます。のどを鍛えるにもいろんなパターンがあります。
まず、トレーニングでできることとできないこととをしっかりと区別しておくということです。
たとえば音楽スクールや個人的に指導を受けてやっていることの多くは、誰かと同じように早く歌えるようにという目的に合わせています。それは間違いとはいえないかもしれませんが、短期すぎます。
そんな簡単に誰でもできることは誰でもできるようになるのだから、いつまでたっても他の人と何の差もつかないということです。つまり一人前でやっていけません。
基本のトレーニングをどれだけ深められるかが、一流になるための器づくりです。
ダンス、バレエやどんなスポーツでもそれはあたりまえのことでしょう。
息を吐くこととか、声を出すことで時間をかけるということが、声の基本です。型というのがあり、その習得に何年もかかるのです。
たとえば、空手を習うと板を割れるようになるのは、腕力でなく、型を毎日続けることによって、自分の力をその一点に瞬時に出すことができるようになるからです。板を割ることが目的ではなく、一点に自分の力を集中して使うことを覚えるのです。全身の力を集約させて一点に大きな力を働かすことを覚えるのです。
ヴォイストレーニングも同じです。最終的に問われるのは、一声出して差がつけられるだけのものをその人のなかに基本として入れておくということです。
ここのトレーニングというのは、プロとしての声をコントロールすることに特化したトレーニングです。走ったり水泳をしていて体力をつければヴォーカリストになれるのなら、スポーツ選手の方が早いわけです。そこを間違ってはいけません。
ただ、声もプロレベルの使い方ができるために、体力とか集中力とかが人並み以上に要求されるのはいうまでもありません。たとえば１時間のステージをやろうとしたら、3時間立っていても疲れない体が必要です。まして、その体を最高の集中力で扱うのですから、体力がないとヴォーカリストもできません。
ヴォーカリストは肉体労働です。
もちろんレコーディングだけで、声を加工すればよいという人なら、トレーニングとはまた別の意味での才能が必要になってきます。しかしこれも集中力なしにはできません。
柔軟性とか体力は、それがない人よりあった人の方が有利だし、誰でもトレーニングでパワーアップできるからです。スポーツ選手としてハードな練習をしてきた人がその勢いをヴォーカルにもってかけるのと、そのへんでぶらぶらしていて１キロメートルも歩いたら疲れるという人がやるのでは、まったく効果が違います。
だから体力や筋力、腹筋を鍛えたり、柔軟性を保つことが必要なのです。声をトレーニングしていくよりも、トレーニングできる状態に声を取り出すのがヴォイストレーニングです。
やれば必ず効果が出るのをトレーニングといいます。ここは２年間、基本を徹底してやるという、即製乱売の業界とは対極位置にあります。彼らが活動に追われてできないことをやろうとしています。だからといって、アイドルやタレントとか、今、売り上げてやっている人たちがだめということではなく、売るものが違うということです。あのようにやりたくて、すぐにできる人はそのようにやればよいわけです。
ただ、尾崎豊のようになりたいというなら、16歳のときにそのことができてないとだめでしょう。それを20歳をすぎてやろうとしても難しいのは、支えているものが声の実力とか歌だけではなく、ルックスからすべてのものを合せて、その人のキャラクターとしての力だからです。
そういうものは、ある種の生まれつきのタレント性といえるものがないと、無理なのです。
今も、16歳で同じようなルックスや声の出る人もたくさんいます。そこで勝負しても勝てっこないということです。
ヴォイストレーニングを活用する場合に気をつけなければいけないのは、それでできることに対して取り組まない限り、効果が上がらないということです。やみくもにタレントになれるとか、テレビドラマにでられるとか、そんな錯覚をしていては成果にでないのです。
声優とか役者なら出演の機会に直結している事務所もあります。
彼らは、力があっても、仕事が回されなくては食べていけません。
ところが、ヴォーカリストは違います。歌えたら仕事になります。力があれば自分がメディアを決めていけばよいのです。テレビに出るとかレコード会社やライブでデビューすること自体は目的ではなく、一つのメディアに過ぎません。まずは、人が聞きたくなる絶対的な力をつけることが必要です。
ここでやっているトレーニングの目的は、一言でいうとライブ（生）での音声表現です。
役者や声優も今は２割ぐらいいます。
ベテランの声優は、最初に役者の練習をやってから声優の分野に入っています。ですから全身で表現するというのを知っているわけです。若い人は、それにかなわないから、ここにきて力をつけます。
音声表現をライブでやるためのトレーニングということです。
発声教室や歌謡教室ではありません。声だけが出ても歌が歌えても、伝わらなければ何の意味もないのです。
そういう意味で、いろいろな人が来ているのがおもしろいと思っています。自分たちに価値があることを知り、それをさらに高めるために来ているのです。私の方が余程勉強させてもらっています。ここは、アーティストの集まる場でありたく思っています。
ここで与えるのは材料です。ノウハウは誰にも与えられません。歌も教えません。歌は教えられるものではないからです。今流行している歌を今人気のヴォーカリストのように歌いたいという人は、音楽スクールかカラオケ教室に行けばよいのです。そこそこにうまくなって、頭打ちでしょう。
歌というのは、もしその人がヴォーカリストであれば、その人が歌いたいように歌えばそれでよいわけです。歌い方がわからないとかうまくいかないというのは、まったく勉強できていないということです。
多くの場合、自分の歌い方とか歌がわからないとか、ヴォーカリストである自分がわからないということなのです。
それをここで研究しないといけないわけです。
自分がこうなりたい、こうありたい、こう歌いたいというところから出てきたもの以外のもの、人からいわれてその通りに歌うようなヴォーカリストを私はヴォーカリストと思いません。
だから、ここは習いごとをしにくるところでなく、芸を披露する場だと思ってください。
この場が与えるものは材料と基準です。私もトレーナーも材料です。こうして声を出して、声が出る人がいる。そういう世界がある。それは、何もかも今のあなたたちと違うはずです。そこを学びます。
結局、説得できるものは体からのパワーだけです。この世界では、そのことをやれなくてはどうしようもないのです。これはヴォーカリストも同じです。
最近はノウハウを買おうとしてくる人が多いのです。このことができない、だからすぐにこれができるようにしてくれといわれます。しかし、できないことの多くは、ノウハウでできるようになるのではなくて、そんなことが問題になっていること自体がだめなのです。
人のノウハウはとれません。時間をかけて、自分でつくっていくしかないのです。
ヴォーカリストの要素というのは、耳と体、この２つです。だから、耳が一流のヴォーカリストと同じになって、体がプロとして通用する楽器になったら、ほとんどの問題は解決していきます。
楽譜の読み方とか発声練習とかやらなくても、耳が本当によければ、何回か聞いたら、歌えます。
ただ、聞いたのと同じにやるのではなく、自分なりにどう表現するかをつかみ、人を魅了できるように表現する力が必要なのです。
結局、ヴォーカリストが問われるのはそのことです。そのことをレッスントレーニングしなくてはなりません。スポーツと同じように、その人がどこのレベルまでめざすかによってやり方が違ってきます。
人前で歌いたいだけなら、カラオケ教室に行った方が余程早いし、音楽スクールの方がていねいに教えてくれます。
ここは、どん底に落ちて自分でつかんでいくしかない場です。一流のすばらしいものを聞いたら、そうなりたい人はどん底におちない方がおかしいでしょう。やっていく目的やめざすレベルがまったく違うわけです。
しかし、その人のなかにすべての課題があります。まわりの人を材料にして勉強し、表現を楽しめる人間になっていく。ここで切磋琢磨するために必要なできるだけよい仲間を私は集めて磨く役をしているつもりです。
その人を３ヵ月でデビューさせるから教えてくれといわれるのと、２年かけて基本を固めてくれといわれるのでは、やり方もまったく違ってくるわけです。スポーツでも１ヵ月後に試合があるとしたら、やることは表向きのことしかできないわけです。２年あれば体力づくりからできます。それはスタンスの違い、目的の違いです。
ここでいうヴォーカリストというのは、少なくとも自分の声で音楽を表現できる人、もっと単純にいえば、一つのフレーズを歌ったら、その場の何かが変わるという力をもつ人です。声を出して何かを表現したところで違わないと、人様はそれを歓迎しお金を払ってくれないわけです。
つまり、ヴォーカリストとは、普通の人が普通のことをやるというレベルで歌うのではないということです。そのために必要とされるプロの技術があります。
日本のヴォーカリストというのは、ある意味ではアイドルやタレントといったものですから、歌唱力では、世界ではまったく勝負できないわけです。日本がだめで外国がよいということがいいたいのではなく、声を身につけていきたいと考えたときに、どちらを模範にしていくのが自分に役立つかということから考えてください。ヴォーカリストと取りまく環境や支えているものがまったく違うということを考えてください。
アイドルやタレントは、他のところの要素で人前でもちますから、それはそれで立派な力なのです。彼らのライブも、人が集まり楽しんで帰るのですからよいわけです。しかし、それは誰もができることではありません。いやトレーニングの直接の目的にならないのです。目的は何年かけても体中から声が出るようにして、その声とその声がどう展開するかで問うていけるようにすることです。
音声表現をやるのに基本的にやらないといけないことがいくつかあります。自分の型をつくってフォームを正しく身につけていくのが基本です。腹式呼吸とか腹筋ということよりも、出ているのがすごい声かその表現がすごければよいのです。それができないときにトレーニングをするのでしょう。できている人をみても、最初はなかなかその違いがわかりません。体から表現するイメージで捉えながら、その感覚を知り、次に人に聞かせるための歌い方をすることからフィードバックすることです。
オリジナルといっても、まったく自分勝手にバラバラでやるわけではないわけです。何事も基本は共通しています。そこを間違えてはいけません。音楽を聞くとき、全てのスタイルや雰囲気が自分に合わないのは、個性というところでその人がつくった世界だからです。
だから、そこをまねてはいけないのです。それはその人の表現活動、アーティストとしての売りもののところです。
学園祭なら誰かとそっくりに歌えるのでよいわけです。ところがプロの世界では、それではまったく価値がないわけです。本人がいるのだから、別の人はいらないわけです。欧米文化にあこがれてきた日本において、歌ほどものまねをトップとする風潮から脱けられなかったものはないといえましょう。
たとえば、高い音域がとれないなら下げればよいのです。あなたにあっていないのだから下げて、それで聞かせられたらよいのです。聞かせられるようにすることから考えてみるのもよいでしょう。バンドはオリジナルのキィでやりたがるのですが、ヴォーカリストの表現力が犠牲になるなら、やってはいけないのです。
ヴォーカリストのオリジナリティの方がずっと大切です。トレーニングの邪魔になります。
たとえばうまいとかへたというのも、音程やリズム、ことばがはっきりしているかといったもので、減点法で聞いているわけです。表現になっていないから、そういったものが聞かれるのです。それはあまりに音楽が入っていないからです。カラオケの採点機と同じです。歌はそこで満点をとっても何の聞きごたえもないでしょう。音感やリズムは必要ですが、それで充分ではありません。基本的に表現ができていたら、音程やリズムが少々は狂っても伝わるというところからスタートしましょう。
音を奏でられるまえに音がでることが必要です。表現できていない声なら音程やリズムがあっていても仕方ないから、切り捨てていくのです。リズムと音程がしっかりとできているだけでは、コンピュータで歌声を吹き込んだみたいな歌にしかならないわけです。体や声をパワーアップさせる方を優先しましょう。それはあとからではできないからです。
さらに、体、息、声は正しくやれば間違えませんが、歌はあいまいです。人類に与えられた至上の声を追求していく声楽の基準は、人間はここまで出るのかという声がベースです。そこには素質も含め、いろいろなものが問われてきます。
ポップスは、オリジナルな声とオリジナルなフレーズが命です。まねられないからまねてはいけないのは、天性の声で人をひきつける人、メロディをつけたらそれだけでよいという人の声や音楽です。それは、そういう声をもっていない人がどんなにまねてもできないのです。トレーニングにおいて目標にならないからです。
歌がうまいとかへたといえるのは、あくまでカラオケのレベルです。そんなところで整え個性を殺そうとしているのが、多くの音楽スクールです。それを学ぶべきことだと思って何年も過ごしてしまうのは不幸なことです。
こういったことは、ヴォーカリストのための本当の武器には、いつまでたってもならないのです。他の人たちよりへたでないというのは、アイドルならよいでしょう。へたでなければみられるからです。そうでない人は、トレーニングの目的とそのプロセスを、絶対的な力を手に入れ役立つ方向にセットすることです。
リズムや音程が楽譜どおりにとれたくらいでプロのヴォーカリストとして活動できるのは、日本だけでしょう。リズム感や音感がよいというのは、普通の人たちが1、2色ぐらいの音を出しているのを50色ぐらいで出せていることを示すのです。ヴォーカリストも天才的な人となると、それが何万色あるのかさえわからないものです。声や体など、他の基本的な技術が同じレベルになったときに、はじめてその差がわかります。
音色もリズムも、太古から流れているものがくみこまれているのです。それをヴォーカリストは自分の感性で判断して組み入れ選択し、表現にまで高めています。底流にあるものが入っていないと本当の歌は出せないわけです。
だから、日本人がいくらラップやジャズもやっても、向こうのようにならないのはあたりまえです。民族の音はともかく、音楽の音さえ流れていないヴォーカリストは、何の仕事もできません。それを表現しようとしたら、いかにリズムを自分でつくって、新しい音をそこにあてはめていくかということが問われます。そこでつくった自分のズレが、どれだけ聞いている人に心地よいかということです。
楽譜通りに歌うことをめざしているヴォーカリストというのは、単にコピーしているだけです。
私が古い曲を使っているのは、基本がわかりやすいからです。今はひどいもので、まったく音が流れず、つながらない人の声をエコーでつなげて歌といっているわけです。アイドルとかタレントなら、そういう歌い方をまねていればよいわけです。しかし、まねていけばまねていくほど、本当の声が出なくなるのです。体の原理からどんどん反していくからです。これはトレーニングとしては最悪です。
トレーニングは正しくやらないといけないのですが、正しくやるのはとても難しいことなのです。たとえば本当にトレーニングを正しくやれている人は、どこの世界でも１割もいないでしょう。ヴォーカリストに関しては、１パーセントもいません。研究所で1割くらいというのは、かなりよい方です。
だから私は、２年間たったら一人で正しくトレーニングができるようになりなさいといっています。２年でスタートラインにつけたら、とても早い方でしょう。
スタートラインにつけるというのは、自分で勉強ができるということです。それには自分が一体どのぐらいできているのかという、自分の位置がわからなかったらどうしようもないでしょう。本当にうまいのかうまくないのかを決めるのは他の人ですが、それに対して、絶対的に高いレベルでの判断力をもたなくてはいけないのです。
まず、何が欠けているかを知ることです。音楽や声を聞く耳がないというのは補えます。ただ、今の人たちは、出ない声を高いところであてて、くせでカバーする方へもっていきます。くせですから、正しいものと比べようがありません。似ても似なくてもだめなのです。それはＪ-POPSの影響が大きいのです。
一流になりたいなら一流を聞いて、そこに迫っていくことです。同じ音質と音量をとっていったら、プロが15秒できることが２秒しかできないということがはっきりしてきます。そこで初めてトレーニングとなります。一流をめざしていくにも、自分の条件、楽器としての体、筋肉、声帯はそれぞれ違うわけです。だからこそ他人とは違う自分がでてくるものなのです。
詞や曲のアレンジよりも、人を動かす要素を中心に声の働きをみましょう。技術としてそれが出せるかどうか、次にしぜんと感情表現になっているかどうかです。カラオケのうまい人がたくさんいますが、そこに一流のヴォーカリストがきたら1声でふっとんでしまいます。カラオケがうまい人は表現できていないから、人を感動させられないのです。誰かのまねをしているか、あるいは無難に歌いこなしているだけで、クリエイティブではないから価値が出ないわけです。
それに対し、一流のヴォーカリストは１フレーズでも、あるいは声を「ハイ」でも「ララ」でも出してみたらオリジナルな声があり、オリジナルに展開するフレーズがあります。それは絶対的な条件です。
今の日本の歌の傾向は、世界からみるとかなり特殊な状態です。特に発声や表現に関しては、特有のくせのある声とフレーズで歌っています。
私が外国で聞かせられる唯一の日本人ヴォーカリストは、美空ひばりさんです。あの当時は歌にも基本があったからです。向こうのを直に聞いて、その耳と自分の感覚でやっているからポピュラーも比較的、高いレベルにあったのです。
しかし、今はまねのまねですから、５年たっても10年たっても声はできてこないし、歌の世界は煮つまってこないのです。体からはずれているからです。体からはずれているものには、何も宿ってこないです。それをカラオケ同様に音響技術でカバーしています。
歌も肉体芸術です。空手をやっている人が板を手刀で割るのに、私がやると割れないのはなぜかを考えてみればよいのです。一瞬の間に自分の神経系と筋肉系を、その目的に対して使う術を知っているからできるのです。そして、それが確実にできるまで、基本の型と筋肉トレーニングをやります。
バッターでも、実戦より素振りの方ですごい量をやっています。歌手なら歌うこと、ステージをやればよいから、そのために歌を教えてもらえればよいと思うかもしれません。しかし、「試合ばっかりやっていたらどんどんうまくなる。」などと思っている一流の選手はいないわけです。
試合もライブも、型を乱します。それは目的が違うからです。そのときはお客さんを感動させるために、伝える方に全部のエネルギーがいくわけです。そのときに無意識で体が働くように基本のトレーニングが必要なのです。それでも少しずつ狂っていきます。これを修正させる場として、ヴォイストレーニングが必要なのです。ここの研究所は、基本を徹底して強化する場です。
「ハイ ラオ ラララ」これを10回続けてみなさいというと、１年ぐらいやっている人でも、半分以上は１回でよくありません。テキストにはメニューを出しています。耳と体がある人ならやれるだろうと思って、オープンにしているのですが、独力でできていく人は少ないものです。
その違いは、基準なのです。「ハイ」と「ララ」が音楽になっているかどうかでみるべきなのです。
ヴォーカリストの声はわかりやすいものです。小説とか絵みたいにプロではないと判断できないということではないからです。声を出して、これが歌になっているかならないかだけです。そのためにやっていかないといけないところは、これを支える体の部分の強化です。トレーニングは部分、歌は全体です。
スポーツと違うのは、自分の耳で判断していかないといけないところです。ここのトレーニングというのは、そういう体をつくっていくところまでのことをしっかりとやっていくのです。プロとしてふさわしいだけの体、耳を身につけていきます。どんなことでも間違えなければ、身についてくるはずです。
今、日本のヴォーカルは声がよくなっていかないでしょう。長くやっていてもにつかないとしたら、やり方が間違っているわけです。
たとえば、ステージに出ている人でも、深く声を出して歌っていたら、３年たったら３年分声がよくなり、歌がうまくなるはずです。ところが、多くの歌い手の場合、反対に声が出なくなっていきます。
役者とかアナウンサーの方がよほど使える声ができてくるのです。
続けていればできてくるのがあたりまえです。ヴォーカリストも同じはずです。どんな偉大なヴォーカリストでも、100年もトレーニングをやっている人はいないわけです。
日本のヴォーカリストの声がよくなっていかないのは、違っているからといえます。
声の質からいうと同じ音が深く太くとれるようになりましょう。今の日本の歌はそういう声の取り方をしていません。高い音に届けばよいという感じです。ただ出すだけなら、高い音はいくらでも出せるわけです。
それで表現として売れる人もいますが、普通の人は同じことができても売れないでしょう。
いつまでも深い表現が宿ってこないからです。結果オーライの世界なのですが、その結果を自分の体に全部詰め込んでいくためのことを、日頃からやらないといけません。
プロのヴォーカリストを聞いても、すごいという人は、すごいことができるためにすごくなるだけのことをやってきたわけです。それをやらないで、同じように歌が歌えたら天才です。天才は、もっとやっていることにおいて天才なのです。そういうことでいうと、歌や声も単純なことなのです。
ここは入る人を選別してはいません、それなりの価値観があり、そういうことを取り組むことが自分の人生にとって意味のあるという人をオープンに迎えているつもりです。それがわかっていると、伸びると思います。来るだけでは何も身につかないです。
ここでは、その人の歌を差別はしません。価値としてすぐれているかどうかだけでみていています。ジャンルは問いません。
自分でやって振り返ったとき、どうしても一人ではできなかったことが、いくつかあります。一つには将来の自分の声がどうなっていくかが、その時点ではわからないことです。
自分の声が自分にとって、もっともわかりにくいからです。他の楽器なら確かめながらできます。ところが声に関しては、徹底したトレーニングをやると体も変わります。声の質そのものも変わってきます。
特に20歳前後の人たちなら、20代全部が模索の期間です。そのときに何らかの指針がないと、一人よがりになってしまいます。スポーツでも、練習して自分ではできたと思っていても、もう一つ大きな目でみていったら、間違っていることばかりをやっているということになりかねないのです。そこで鏡となるコーチが必要となります。
判断力をつけることと、体と心を声で表現できる状態にまでしておくことが上達の秘訣です。これを器づくりといっています。できるだけ大きな器をつくっていくことです。そうしたら、その大きさまで後で技術は宿ってくるのです。
一番、大切なことはイメージです。曲を聞いたら、声のことだけでいくらでも書けることです。結果として歌えたらよいわけですが、トレーニングが身についた人をみていったら、必ずそうしています。そのやり方を最初からやっていく方がよいと考えます。
一流の人は、ここのトレーニングをやっていなくとも、ここに来て「ハイ あおい とおい」と10回やって、狂う人はいないはずです。そこで差を見せつけられるはずです。そうではないと、あれほどの歌は歌えないわけです。それをここではメニューとして、もう少しわかりやすくしているのです。
プロセスを分けアプローチしやすくしています。あれほどという歌のほどがわからないから、いつまでもできないのです。
普通の日本人と外国人や役者さんを比べると、声そのものを発しているポジション、深さが違います。それからことばを扱う感覚が違います。たとえば私が話しているところは、皆さんが話しているように口内が中心ではなく、腰が中心の意識であるわけです。彼らも同じです。
その条件の上でひびかせてみたり、その上で口先で声をつくっている人がいるのですが、それもそうではない人には、わからないのです。もし、わからなければ洋画の俳優の声を聞いてください。まったく、違うでしょう。
一般的に日本人の女性は男性より深い声ができるのに時間がかかっています。というのは、かなりまわりに求められるようにつくってきた部分が大きいからです。
声が体のなかに入っていて、そのなかの一部が歌にすぎないというのが、外国人の感覚だと思います。そのため、日本人が日本語のなかでいくら歌っても、ほとんどの人が解決できなかったのです。そのことに、ここは取り組んでいます。
基本は、体から考えることです。人間の体の力が最高に発揮されるような状態をつくりあげたら、それを出せるような状態にトレーニングしたら、体の方が助けてくれるということです。それを限定しているのが、日本に住み日本語から身についた私たちの感覚と声です。そして音声で強く表現することを制限する日本の風土です。
外国では、皆、プライベートでもそのままレクチャーできるようなスタイルで話しています。日本では、そういう表現力を持つ声で話していたら、まわりがうるさいという顔をするでしょう。湿気から建物のつくりまで全部、含めて日本に住んでいること自体が声を制限しているのは事実です。
はっきりいえば、同じ20歳の人でも、20歳まで日本で暮らしたことが悪いヴォイストレーニングとなっているとさえいえるのです。向こうで暮らしていたら、声の問題の半分ぐらいは解決しているはずです。1、2ヵ月向こうに行って、日本に帰って来るだけで、声が大きく強くなっています。外国語を使って外国人と生活しているだけでそうなるのです。そこではそういう表現や声が求められるからです。
そして、外国語はそのベースの上にのっています。そこは日常的な問題です。ポピュラーが話す声でそのまま歌えるのは、彼らが話す声がすでに、日本人からみるとプロの「音楽的言語」だからです。
体のことで考えたら、人間が何か一つの力を思い切り発揮しようとしたときに、体が離れるわけはないのです。スポーツをベストでできている状態を思い浮かべればよいでしょう。だから、腹式呼吸と捉えるよりも、声を腰で捉えるぐらいの感覚でよいと思います。部分的にしか働かないうちは通用しません。声を自分の体のなかでしっかりとにぎって出したいと思ってやっていたら、声の感覚はそうなってくるわけです。そういう感覚が日本人の場合、日常の音声言語に入っていないからとても難しいわけです。
国語や音楽の教育からまったく、違います。日本では発音の練習などは英語を習う中学校まで、ほとんどやっていません。向こうは小さいときから何回も発音を聞かされて、何回もいわされます。つづりと発音が違うからです。スピーチに加え、ディスカッション、ディベートも必修です。自分の考えをすぐに音声で示せなければ、大人として認められないのです。それだけ耳と声の世界が学ぶべき対象としてあるわけです。
ヴォーカリストの世界は、耳の世界です。目をつぶってそのときに聞こえてくる世界です。目がみえない状態を考えてみてください。耳が極度に発達するでしょう。そういう世界に、私たち日本人は住んでいないのです。そこでのギャップがあります。
歌を本当に聞くことができるということは、ヴォーカリストにとっては、どこまで自分の体が使えるかということに置き換えられることです。その感覚になり、そのイメージがもてないと、そういう声は出てこないのです。
だから、いわゆる発声練習みたいに「ラララララ」といくらやっていても何も変わりません。それを聞いていておもしろいとも、何か表現できているとも思わないのは、何にもなっていないのです。それを延々と退屈にやっているのが日本人の発声トレーニングです。
ヴォイストレーニングの最終的な目的は、音域を高くしたり声量を拡げたりすることではありません。表現ということでいうなら、自分のフレーズ、自分の節を出していくことです。体と心を集約して一つにして、それを声で展開して他の人に与え、動かすのです。その部分は、誰がまねしてもできないわけです。自分の体で置き換えて、自分の体の機能において表現しない限り、高いレベルのものはできません。また、その人自体の世界を示すべきヴォーカルの意味がないということです。
歌うのに必要なものが入っていないし、それを取り出すトレーニングをしていないからどうしようもないわけです。早く身につけたいからといて、歌という表面上の形から入って、そこで完成させようとするから、無理なのです。何よりも徹底した基本トレーニングが必要です。もちろんどこに目的をおくかによって違ってきます。外国人のようにパワーと声の太さが欲しいということであれば、そのことを目的にして、その条件を整えないと絶対にできないわけです。トレーニングというのは、それができるようにするためにやるのです。
一昔前の人たちは、歌を一曲歌うのに、どれだけ大変か、何が課題かを知っていました。人前で３分間、一つのことをやって満足させるのに、どのぐらいの責任とどれだけのバックボーンがないとできないというのを知らない人は、プロとはいえません。
レコード会社とかプロダクションとかが、お客を集めてくれて、力不足の分をよりよくみせてくれるというのなら、それで選ばれた人たちはそれでよいでしょう。しかし、そうでない人たちは、自ら出した表現にしか人は集まらないし、その表現力で問わないとやっていけないのです。そこには正しいトレーニングが必要です。それを長くやれば正しく身につくのに多くの人は、やらないのです。
ここはトレーニングを身につけるところといっています。できていることの形を整えることをめざしてやるのではないということです。その人が自分のやるべきことをコツコツとやっていたら、それは表現となってきます。それを待つしかないのです。
何かの分野で人前に立ってプロになろうと思って、１～２年でプロになれるようなものがあるのでしょうか。それはせいぜい、その程度にしか、その世界を思ってないからということになります。日本では、その程度でプロといわれて、人前でやれている人をみているからです。それは特別にタレント性で見出された人だけです。
そうしたら、体を使うところからやる必要はないわけです。腹式で歌わないといけないというのは、本当の声を出し完全にコントロールするから必要になるわけです。めざすべき声が出たときに腹式呼吸になっているということです。多くの人は腹式を練習しても歌に使えていないわけです。
型というのは、無意識で体がしぜんに働いている状態をつくり出すためにやります。1つのフレーズに耳をつけて体をつけていくことをやっていくべきです。フォームは一番、人の体がうまく働くバランスで、機能に一致していくわけです。だから、体まで戻した方がよいわけです。そうでないと、感情や心は宿りません。
最近は声をどう使うかというより、まず、声を体に戻して出すイメージからつくる必要のある人が多くなっています。それはだんだんとよい声や、よい音を聞かなくなってきたからです。楽器の人たちの方がよくわかっているのでしょう。ベースやドラムの人たちに聞いてみてください。日本でなぜすぐれたヴォーカリストがいないのかというと、彼らに甘やかされているからです。
ヴォーカリストも他のパートの人と同じように与えられた楽譜から、違う音やフレーズを出すことを表現するのです。今のヴォーカリストはそんなことをまったく、考えてもいないのです。はずれないように歌っているだけです。ヴォーカリストはもっと耳が磨かないといけないのです。
ここのトレーニングは、声域はあとで拡がってくればよいという考えです。結果として実際に拡がってきます。声をコントロールすることができないと、声量や声域の問題が出てきますが、ポピュラーの場合は、声域や声量ばかりが問題になること自体が問題なのです。正しく低中音を扱っていくと、高音は歌から決まってきます。声が出るとか出ないとかということではなくて、間違ったら出せないのです。そして徐々に結果として人間ばなれしたことをやっていくのです。
ヴォーカリストが歌って、音程やリズムが少々、はずれたぐらいで「音程やリズムが悪い」といわれたとしたら、他に聞くことが何にもないというだけです。厳密に聞いたら、プロの音程やリズムや発音もくずれている場合もあります。ただ、体がついていて、一本通っている表現があるとそんなことを感じさせないのです。歌というのは、音程リズムをとるために歌うわけではないです。より効果的にその世界を伝えるために音程リズムにのっていることが必要ということで、それよりもそこで声そのものの表現を重視しないといけないのです。
もちろん歌はどこかがプロであり、トータル的にすぐれてたら他の部分が欠けても許されるわけです。そのためにも、最低限、声のなかに音程とかリズム感が入っていないといけないのです。それは本来、音程トレーニングやリズムトレーニングでやっていくものではないのです。ポピュラーの場合は、はっきりいうと耳が決め手で、本当の意味で聞けていたら出せるようになるということです。
まず、声のコントロールでは、ことばを統一することです。「ことば」を日本語でいうと、「こ」「と」「ば」となります。日本語というのは、一音ずつ切れていくわけです。楽譜もピアノの鍵盤も点のようです。均等に長さを分けるというのは日本語の特徴です。向こうのことばは線でとります。強弱アクセントがありますから、強で踏み込んで弱で離していきます。均等では音楽や表現になりにくいからです。そういう条件を乗り越えないと練習さえできないのです。
だから耳が大切なわけです。結局、聞いているようにしかいえないのです。歌を聞いて、できないと思ったところは聞けていないのです。ホントに聞くことができるようにすること、そしてそれができてから、実際に声として出せるまでのギャップがあります。入れては出して少しずつ、両方の能力を高めていきます。聞くことができていない人、イメージを思い浮かべられない人が、そういうふうな体になり、声が出ることはないでしょう。
歌とは、声と息のためやミックスといった、いわゆることばとして表わせないものを聞いて魅きつけられるわけです。欧米の歌を聞いていてもそうでしょう。ことばが理解できないのに、感動しませんか。☆ところが、日本人は音として表したものだけを歌と捉えがちなのです。
ことばでも何かを伝えようとしているようなことはわかります。それだけでは伝わらないから、音が入ってもっと普遍的に伝えられるようにして、音楽になるわけです。普通に表現するのなら、ことばでよいと思います。もし歌うのなら、外国人が聞いてもわかるレベルにすることでしょう。ことばを越えるということは、国を越えるということです。外国人の歌を聞くと、ことばや意味を理解して聞いていなくとも、感動するわけです。トランペットは、ことばがなくとも人の胸に伝わります。
ヴォーカリストに問うているのは、声そのものと、その声をどう展開させるかです。１フレーズやって声も出ない人がいくら１曲で３分間練習しても、10年たっても何ともならないのはあたりまえです。そうではなく、しっかりとできていく人というのは、結局、それとは違うことをやっているからです。
カラオケも同じです。カラオケで毎日歌っても、10年たってもプロになれません。それは「草野球の試合を毎日やっていたら、プロ野球選手になれますか」というのと同じです。求められる感覚の次元が違うわけです。基本が身につかないところに応用しても、何ものっていかないのです。特に人間の体を使ってやるものはそうです。
詞や曲づくりも、10年ぐらいそのことを徹底してやらないと無理です。その世界で生きていく人というのは、他の人がまねできないぐらいのものを詰め込んでいきます。作詞や作曲の先生を呼んできて、いくら頭で理解してもプロにはなれないのと同じです。
それに比べ、体というものはもう少し単純です。特にヴォーカリストに関しては、日本では誰もしっかりとした基本トレーニングをやっていないとさえいえます。ここでいっているような、身になるトレーニングを長年もやってきた人ほとんどはいないわけです。他の国ではみんなやっています。同じトレーニングではないにしろ、目的は違いません。プロは練習するのはあたりまえです。それを長く続け、質をプロのレベルにしてはじめてプロレベルのことができてくるのです。
２年で成果が出なかったら、４年、６年で成果を出せばよいわけです。結果として身につけばよいのです。そうしたら、本当に自分の力を出すトレーニングになっていくのです。わからないところをメニューをやればできるということで成り立つのではないのです。ここで与えられるのは、世界中のヴォーカリストが持つ条件とそれとのギャップ、そしてその埋め方です。
深い声とか共鳴する声を一番わかりやすい例でいうと、共鳴していると遠くに聞こえます。これがマイクにのりやすい声です。小さな声にしても、後ろの人にしっかりと聞こえます。小さくして伝えるために、体を使って伝えます。小さな声だからといって、体を離してしまうと聞こえなくなります。体のなかに声が宿っているというのは、その状態に近いのです。
歌のなかでは、それよりも小さく使うこともあります。たとえば小さな声や低い声で音程やリズムが狂うのは、こういった基礎、つまり楽器としての音出しとその確実なコントロールができていないからです。ですからそこだけを直しても、いずれまた狂うだけです。そこに気をつけないといけません。
口先で直すと体が働かず、歌の全体の流れが途絶えてしまうので表現ができないのです。そういうのは、一時の解決方法ですから、間違った教え方です。本当の解決方法というのは、音を低くなろうが高くなろうが、体から離さず狂わなくなるまできちんと保たせることです。そういう体をつくっていく必要があるということです。
外国人のヴォーカリスト、あるいはしっかりとしたヴォーカリストは、ヴォリュームのある声を上のファやソまで使っています。今の日本人のヴォーカリストは、声はないのに、上のシやドまで使っています。どこがおかしいのでしょう。
ニューミュージックあたりをイメージしてみてください。日本の演歌もごく一部の人を除き、多くの人はそうしています。それは日本人は息が浅いため、上にいくほどどんどん細くなってくるからです。息が浅いため、声をとることを口のなかでしか回転させていないからです。体をもって発声しなくては、シャウトしているブルースやジャズのようには歌えません。そういうジャンルだけに限らないことですが、歌でも頼りない声にしかならないのです。きれいに美しいような声は出ても、しっかりと芯のある声は出せないのです。そうしたら体から変えるしかないと考えればよいわけです。
外国人は息が深いですから、１オクターブのなかでうまく出なくなっても体がついてくると解決していきます。外国人から外国語をしっかりと学んだ人はわかると思いますが、彼らは声が深いのです。
今の日本のロックヴォーカリストの人たちは、声がなくて出ないから、口先で「イ」とか「ウ」をくせをつけ、何とか届かせています。そういうことをやればやるほど、声は出なくなります。体が使えなくなるわけです。部分の方に力が入ってしまうからです。だから、何をいっているのかさっぱりわからなくなるのです。
大切なのは、最初に必要な体をつくることです。たとえば「アエイオウ」でも、アナウンサーや声優さんのトレーニングのように、発音、滑舌を先にすると、体からの声は出なくなってきます。元の声があって、それを調音するのが発音トレーニングです。 声があれば口の形などどうでも、しっかりと伝わるのです。あくまで口の開け方というのも調音するための技術にしかすぎないからです。
もっと単純にいうと、体を使って声を出したいといったら、シンプルにするしかないわけです。
複雑に「ア」と「イ」と音が違う、出し方が違うなら、体など使えないわけです。だから全部、同じに捉えればよいわけです。
その条件は最低限みんなもっているのです。日本人がカラオケを歌ったら、いくらでもひびかせて高いところが出せるのですが、全部、体からそれていますから、何年たっても変わっていかないのです。トレーニングの確実なやり方というのは、体を変えていくことです。タイミングとかコツも、イメージから覚えないといけません。確実に体を自分の楽器として鍛えていくことです。
たとえば息を吐いてみたら、１分間でクラクラしても、２年後には５分吐き続けてもまったく、びくともしないというふうになっていくでしょう。するとそれだけ可能性が大きくなるわけです。最初の条件が、日本人として日本で日本語を使い育ってきたことで欠けているとするのなら、それを戻すことから始めることです。
ここが２年制にしているのは、１年間くらいではそれまでやっていたことがバラバラになるからです。たとえば、お腹の底から思い切り声を出すようにしても、その声で１曲歌うとなると、何もできないはずです。体からの声に歌うことは一致しないはずです。それまで歌う声というのは音域をとるためにつくってきているからです。
ところが一流の人は、腹の底から思い切り出している声で歌っているわけです。一つシャウトするだけで体がクラクラするぐらいの声をもっていて、その上でバランスをとっているわけです。
ところが多くの人は、そういう体もないのに「君はミとかファのところで声区チェンジするんだよ」と、いろいろ細かいことを教わり、だめになっていきます。今のあなたの体で日常の声で商品たるものが出ないから、根本からやらないとだめだということです。
体を鍛え、プロとしての楽器をもち、深い声でしっかりと出したときには、そういうとり方にならないのです。それは今までやらなかっただけです。浅い声しか出ないような体を前提に歌おうとするのなら、外国の曲とか日本人のなかでしっかり歌っているような曲をコピーするのは無理です。
表面をあわせることで精一杯でしょう。それは土台が違うからです。１オクターブ半とか２オクターブあるような曲や、ドラマティックに声でもっていく曲は、普通の体でこなすことはできないということです。
１オクターブの音域のない曲はほとんどないのですから、ここでは１オクターブまで声をつくるようにしています。１オクターブでも大変なことなのです。私は、ここで認める基準の声で半オクターブＯＫなら、１オクターブ半、１オクターブＯＫなら２オクターブで歌えるといっています。
役者の道で５年、10年やっている人の方が、声だけでいうのならよほど早いです。少なくとも、それだけの必要性を舞台は与えられるから体につきます。最初からバンドをつけてマイクを使うから、上達しないようになってしまいます。ことばでしっかりと伝えられることさえ、先にマイクを渡してマイクに頼るとだめになります。
だから、声をしっかりと使えるようになって、マイクも利用するということです。最初から音響に助けられてしまうと、根本的な声が身についていかないのです。そこから欠けていくものが、リズム感、音感、声そのもののパワーとかイメージ、ヴォリューム感です。
研究所では、入って１ヵ月目フリートーク、２ヵ月目朗読、3ヶ月目で課題曲を発表させます。
こうしていろいろなものがそこにつく分、自分のパワーが大きくなくては伝わらならないのです。
私の声を低い声だと聞くのは、日本人の感覚です。私の声は低いのではなく深い声です。外国人の声を聞いても高い声も太く聞こえるために、低いと思ってしまいます。それは日本人の感覚です。日本人は浅い声しか出せませんから、細い声が高い声と思うわけです。
外国人の声をよく聞いてみてください。音色の違いがわかるでしょう。それに対して日本人は、偏ったくせのある声で、もともと出せない声のところを引き伸ばしていくのです。本当は１音も２音もいえない声を、２オクターブ半ぐらい薄く引き伸ばして、何とか届かせているから間がまったくつながらないわけです。声をつかんで動かせないから、アフタービートや声と声とのつなぎのところにヴォリューム感がまったく出てこないわけです。
次にメロディ処理について述べます。「つめたい」とことばでいってみましょう。たとえば役者でも、体から声だけ出すことを本当に正しくやっていたら、何年もたたぬうちに「つめたい」といい切れるようになります。しかし一般の人だと「た」と「い」とバラバラになってしまいます。ことばのところでバラバラになり、「たい」と一つにはならないのです。
「アオイ」「トオイ」「ラララ」と１回いわせるだけで、２～３年のキャリアは判定できます。まずは表現のための感覚をもっているかどうかの違いです。次に声をコントロールして出せているかどうかです。
「つめたい」と日本人が歌うときに音をつけると、「つーめーたーいー」（レーミーファーミ）というメロディ先行のイメージになるわけです。こういうイメージしかもてないと、実際出してみてもそうしか歌えないのです。それが歌うことと思っているのです。
ところが外国人なら、「つめたい」これだけです。どちらが表現できているか明らかでしょう。「つめたい」ということを表現しなければいけないわけです。ことばに音がついて、それだけの世界で、音楽なのです。だから単純です。ことばでそのまま表現しきったものに、メロディがついて効果があがればよいということです。
歌はメロディを歌うのではないのです。最初にやるべきことは、役者さんや外国人のレベルで声を扱えるようになることです。
「つめたい」とさえいえないと、その次のレベルにいけないのです。フレーズというのは、そこをどう展開させるかです。オリジナルのフレーズ展開こそ、ポピュラーヴォーカリストの命です。「つーめたい」「つめーたい」「つめたーい」と長さを変えるだけでもいろいろとあります。そこで声を完全に握っていることが基準です。それが何で表現になるかというと、そこで私は伝えようとしているからです。そのために体を惜しまないからです。
悪声とか声のよしあしとかを気にしている人がいますが、そういうのはポピュラーの場合は問題外です。声や顔の悪いヴォーカリストはいくらでもいます。しかし、それは何かに比べてであって、磨かれた声や顔はその人ならではのものなのです。
ハスキーな声の人もいます。ただ、50回、100回と同じことがリピートでき、絶対狂わないなら、よいのです。コントロールできているからです。それは歌える声であるということです。
好みではなく、技術となるところまでトレーニングで積み重ねていきます。表現ということを単純に考えてみましょう。人様の前で表現するのに、どのくらいの責任が問われ、それを出すにはどのぐらいの技術をもっていないといけないかということです。
音楽は線をどう展開させるかです。プロはどの部分でも、このルールを守っています。アマチュアの人は、ほとんど全部の曲において、このルールに反すると考えればよいです。カラオケの歌もそうです。絶対に退屈させないためにどうするか、それが明確な課題となります。
「ノンソマイ ペルケティディコセプレッシィ」（ラシドシシララソミファ）
これで半オクターブ上下しているわけです。ところが聞いてみると、強弱は感じたでしょうが、音の高低というのは感じないでしょう。それから声も統一されています。高い声も低い声も、同じ音質、音色をもっています。「ノンソマイ」と全部、踏み込んで、その上で離しているわけです。体の動きが息を介して全部、入っています。耳ができてこないと聞き取れないのですが、こういうのが表現に耐える声とその感覚です。
「しっている」
「しっ」「ている」は日本語ではなく、「Shi」「teiRu」というイメージにするとよいでしょう。その上でさらに日本語できれいに聞こえるようにしていくのです。体と声と呼吸が一致するように、トレーニングで結びつけて変えていくのです。
私は話しているだけでトレーニングになります。体から話しているからです。徹底的に鍛え上げると、いくら声を出しても、もつわけです。ヴォーカリストというのは、それと同じレベルの声が必要ということです。人前に立って、音声で表現し続けなくてはいけないからです。
難しいのは、体の力を使うには、力そのものでなく、それをフォームとして、バランスをとって使うということで、これがイメージと最初は一致しないからです。バッティングをやろうとすると、当てることがねらいならバントはできるかもしれない、しかし、大振りしたら当たらないでしょう。
当たらないから、バッティングフォームが違うのではなく、その大振りをこなせるだけの自分の力がないと思えばよいのです。その力は、体の力と扱う感覚です。
ほとんどの人は、そこですぐにフォームを変え当たりやすくします。まとめる方向をとろうとするのです。明日が試合なら仕方ありません。しかし、基本トレーニングとは可能性を大きくすることです。器は大きくつくらないといけないから、少しずつ条件が整ってくればよいのです。だから最初は大振りしてよいのです。ちょこちょこあてていて、それで何年やっても変わらないからです。体と感覚が変わらないからです。大きくやっていたら空振りばかりでも、筋肉は鍛えられるからです。根本的なものが何か変わっていかない以上、本当の上達はしないのです。だから歌い手でも大きな声の方が可能性があるということです。
今、歌えるかどうかなら誰でも歌えるのです。基本がなくてよければ歌えない人はいません。歌の難しいのは、その人間がどこまで歌いたいかというのは、私が決めることではなく、その人がよいと思ったところまででよいからです。ここで得ることは、他の人を材料に、まだまだ足らないというギャップを明らかにし、縮めていくことです。人のノウハウはとれないのです。誰よりも気づいて自分の身につけていくことです。
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レクチャー2【オリエンテーション】
カラオケとか音楽を趣味で楽しみたいという人もいるかもしれません。ここに入る目的は自由です。しかし、ここに実際においている基準や判断に関しては、世界に出しても恥ずかしくないものにしています。即ち、音声として通じるか通じないかということです。ですから、ヴォーカリストを別にしても、世界に通じる一流であるためというための条件があって、それを最初からめざしてやるということでは違いはないということです。
子供たちに教える野球だからといって基本が違うわけではありません。最初はそんなものはなかったのに、レベルが高くなるにつれ、必要な条件も鍛えなくては得られないものに変わっていくのです。つまり職人化、文化化するのです。
一流の人でも、トレーニングは子供がやるのと同じところから、毎日始めます。柔軟をして体操をして素振りをします。プロの人たちは、普通の人よりプロセスは早く進めますが、短い時間でていねいに自分の体の状態をよくします。他の人たちが一時間かかるところを15分くらいですます場合もあります。しかし、そのプロセスは変わらないわけです。
研究所は研究所として利用してください。皆さんが利用して、私が育てるというよりも、育つ、自分が欲しいものや夢を育て、どういうふうにここを使っていくかを第一に考えてみて欲しいと思います。
あとで伸びる人ほど、１ヵ月目からいろいろな問題を背負っていかなくてはならないし、大変だと思います。どのレッスンには絶対に出なくてはいけないということではありません。しかし月に一回しか出なければ、24回も出れば２年間、終わってしまうわけです。
常に考えて欲しいのは、まわりに左右されないで、自分でとりたいものととるべきものをきちんととっていくという、あたりまえのことです。そして、何か足りないものがあればそれを身につけていく。こちらもできる範囲内でのことはしていくつもりです。しかし何が足らないのかわからないものです。人間がわかってくるにつれ、それははっきりとしてきます。
いろいろな人をみると、多くの大きな勘違いは、精神的なものとか考え方が未熟なため起きます。うまくいかなかったり、うまく乗り切れなかったりという人たちは、自分を見ていないのです。当人が場に出ていないとアドバイスのしようもないし、アテンダンスを出さないとそのこともはっきりとわかりません。会報も読んで考え、行動を変えていってください。見て納得しているだけじゃ仕方がないのです。それを自分のことばに置き換え、イメージして学んでいかなければなりません。
声の学び方が一番違うのは、他のものは先生が100もっていたら、50も習得できれば、相当なところにいけるわけです。半分までいけます。教授のもっているものを若くして半分もてたら、助教授になれます。日本の場合は、その半分をそっくり得ることが大切になっています。ところがここの場合は、トレーナーはあくま基準や材料としてみて欲しいのです。
たぶん、皆さんが私の体ができるまで10年はかかるでしょう。でも考えてみたら、10年で手に入る。その代わり、１日も休まないでという条件のでことです。
皆さんより10年も前にここに来ている人で、私並みの体をもっている人はほとんどいないのです。これはそのあとやらないからです。人間の体というのは、使わないと衰えていきます。しかし100年も200年もかかるものではないのです。ある時期にそれだけのことをやるかやらないかの勝負です。
あたりまえのことなのですが、他の人がやっていることを、やっているくらいにやっていても、本当の価値というのは出ません。
研究所でやっている発声のことは、他のスクールでもやっているし、音大ならそれ以上のことをやっています。しかし、そういうところで５年も６年もいた人たちが、すごいステージをやれているかというと、まったくといってよいほどできていません。それどころか、一声出しても素人の域を出ていません。ということは、そんなところで競争していても仕方がないのです。大切なところをとばしているから、いいかげんになるわけです。研究所でも同じです。他の人が皆やっていることをやるのは、あたりまえの話です。それ以上のところでどれだけやったかということしか、カウントされないということです。
難しいように思えますが、とても単純です。皆さんが２行書いている。そしたらそこで３行書くか、１行書くか、それとも書かないかということです。３行書いた人しか残っていけないでしょう。300行書く人もいるのです。次にその内容です。書いてやれた気になっているか、書いてすぐにやっているかです。それだけで決まるわけではないですが、心構えというのはそういうものです。そこで一つ引いてしまうか、一つ出るかということで決まっていきます。
今日からどの基準で自分が行動していくかということが、、将来を決めるのです。それがないのに、すごい歌が出てきたり、すごい表現が身についたりということはないでしょう。
教え方がうまいとかへたとかいうより、そのことがステージで実現できている人は、それなりにそのことを人に与えられるものをもっています。トレーニングのプロセスを経て、それからたった一回のステージに対しての精神集中の仕方とか、体の管理とか、そういったものができなくては、ステージは成り立たないからです。
ただ世界のレベルでいえば、研究所では年に１曲か２曲です。一人とか二人とかいう形でなくて、在籍期間のなかで二回くらい出せたら、その人は相当、よいレベルでやった人です。それが本当のヴォーカリストに求められるレベルです。
自分で活動している人のなかでもそうはいないのです。世界のプロというのは、そういうものを毎回出せるのですが、研究所のなかでも、高いレベルでは日本の歌い手のなかで、美空ひばりさんを抜かしたくらいのなかでは、いい勝負ができると私は思います。プロであれば生涯のなかで何回かの最高のステージがあるでしょう。とにかくそのレベルを、一回、二回と出せることを、２年間でとはいいませんが、念頭において欲しいのです。
すると距離がわかってきます。距離がわかると、やることはたくさん出てきて、課題がどんどんふりかかってきます。それを得てはじめて、充実した練習になります。充実した練習になるまでの間が、一番きついと思います。ほとんどの人が、迷いのなかで自信を持てずやめていきます。ただ、迷うということ自体覚悟が決まっていないということで、迷わないようにすることも練習からです。
他の人と比べる必要はないのですが、自分がわからなければ、最初は他人から見ていくことです。そこで自分よりもやれている人とかできている人たちというのは、いったいどういうプロセスを経てきたのか、それを研究所では、かなりの面でオープンにしています。できるだけ記録して残していこうとしています。どういう人がどう考え、どう学んできたかというようなことは、会報のバックナンバーにも出してあります。今、ステージをやっている人たちが、どういうものを書いてきたのか見るのもよいでしょう。皆さんにも同じように、自分の存在の証を研究所に残していって欲しいのです。
生涯ずっとやっていける人というのは、とにかく何かを自分のいる場にギブしていくのです。将来の可能性のためにそこを使っていくから、将来があるのです。テイクばかりしていてはよくありません。ギブするからもっとテイクできるのです。
考えて欲しいのは、本当にステージをやれる人というのは、歌のうまい人ではないということです。その覚悟があって、そこで生きるということが決まっている人です。
その人たちはある時期、音楽や音声や歌を自分が表現するための媒体として、使えるところまで技術を得ていきます。調子が悪かったぐらいで、うまくいかなくてはよくありません。その力をつけるために、研究所があるわけです。
とにかく人前に出るということの条件があって、その上で、お笑いでも踊りでも音楽でも歌でも同じだ、というくらいでやってみます。そういう舞台に関する感覚とかテンションとか考え方を学びます。
中にはいろいろなお客さんや場があるわけです。そういうところで柔軟に対応でき、必ずそれ以上のものを返さないと、先にはいけません。ここは生まれつきのルックスとかスタイルとかは求めていませんが、ないよりはあった方がよいでしょう。しかし音声でやる世界、ステージである以上、勘が鈍かったり、ましてや音の世界に反応できないようでは何もできないのです。
研究所はそういう環境として、わかりやすくおいているつもりですが、皆さんがどれだけとれるかということに負っていくのです。皆さんが最も深くとれるようなやり方を採用しているつもりです。わかりやすく手取り足取り教えられると、人間は考えなくなります。すると自分のものができていかないのです。たくさんのものはあっても、自分がとらなければ何もできないということです。
何も教えてくれない、何でコメントをいってくれないというのは、皆さんが引き出せないからです。引き出せるようになるまで努力しなくてはいけません。それはことばではないからです。欲すれば、そういうものはわかってきます。必要なものは必ず身につくのです。
ここに来る人に対して、ここが本当に必要か必要でないかを、２年間というのは問う時間であり、体験レッスンだと思っています。
自分が音楽や歌だと、今まで思っていたものがあるとします。それはそれでよいのですが、本当に音楽というものを広く深くみて、疑って、そして手に入れることです。それまで外に流れていたものを単にキャッチして、すり替えて、そして口から出していたということもとても多いわけです。それをしっかりと見ていかないと、自分のことがわかりません。
その人自身をみるという意味で、自分が出ていないステージはとてもつまらないものです。自分が出ていても、それを音楽的に歌とか現実として昇華して出せるには、それだけの技能が必要です。そのための条件がいろいろとあります。
人間性がよいとか悪いとか、人間関係とか、そんなものを全部抜きにして、人前に自分をさらしてみて、そのさらしたもので価値をつけていく世界だということです。このなかで出し惜しむのはとんでもないことです。すべてを先に出していって、もう出ないところまで出していって、それで足りないというところからがスタートラインです。
サラリーマンやバイトは仕事によっては、ちょっと能力があると、３分の１くらいの力でできることも多いようです。でも、そうやって過ごしたその期間は、自分の能力を知らずと限定してしまうわけです。だから、自ら高い目標を設けてがんばらないと、そこでの壁を超えられません。
特に表現の世界というのは、打ち込んで、鬼みたいのがたくさんいます。そういう人たちをどこかに基準としておいて、それを超えることです。同じことができないのであれば、２倍３倍やってみます。そこで、さらにどのくらい足らないのかということがわからないと、ギャップがきちんと見えてこないのです。だから前に出る、さらすということです。
できないのはあたりまえですから、それは構わないのです。照れてもしようがないですし、できないというのは、できないという現実として捉えればよいのです。
ここの場合、お客を入れて練習をみせるわけではありません。内輪のなかで、より可能性をつけるということで時間をとってやっているのです。客に見せるのであれば、見栄えのよい形を作ることがあるかもしれません。しかし、内輪ゆえ、ここは身内の舞台にならないように厳しく配慮し、日本の身内ライブよりは客観的な評価ができています。
考えて欲しいのは、ステージに立てる、一人で食べられる人になるということです。ここのメインである表現で食べていけるようになるということは、どういうことなのでしょう。音声で自分の世界が出せるためには、頭のなかの感覚、体の感覚がなくてはいけません。いろいろな人たちと接触し、相手の望むことが捉えられるだけの感受性も含め、状況を読む力もなくてはいけません。やることはものすごくたくさんあるので、一度にはできませんから、自分が裸一つで何を与えられるかということから、２年間見ていくということです。
世の中は、そんなに難しいことでなく、人と人の関わりのなかにあります。ここに入ったからデビューできるのか、レコード出せるのかといっても、考えてみれば、自分がそれ以上の価値を与えているかどうかからでしょう。人を動かす力があればどこからでも人は来るし、仕事もくるわけです。それが何なのか。それは決して歌がうまいだけではないのです。そういうことを考えればよいと思います。
練習はしっかりやってください。でないと何もならないです。今日調子が悪いとか、出たくないとか、そう思った瞬間から、この世界から遠ざかってしまうのです。誰かに求められるまでは、もう出るなといわれても出るくらいの根性で出ていくことでしょう。出てやっても、悪いとしかいわれなくとも、あたりまえです。プロでないからそれでよいし、プロでそういうものだったら、その道は閉ざされてしまいます。プロの考え方で接することを、アマチュアのときはそうやって経験を積んでいくことです。逃げてもしょうがないでしょう。
よく家だけで練習してた方がよいとかいう人がいますが、そうではない。やはり出て、出せるもので問うていくことです。
それから、まねをしないことです。
もちろん、徹底してまねをするというのも一つの方法です。
とりあえずまだ決まっていない人は、自分の好きなようにやるより研究所で認められることから始めましょう。まねをするということは、自分でないものに近づいていこうとすることです。
それでもって才能というなら、世の中にそういうことにたけている人はたくさんいるということです。ルックスとかスタイルとか、タレント性に恵まれている若い人ほど業界はとります。
そうすると、皆さんがやっていけばやっていくほど、そういう世界では不利になっていくわけです。そこで勝負をかけられる人は、勝負をかけてもよいと思います。
オーディションを受けて、そこそこ売れていてというのもあると思います。絶対的な価値を身につけることの大切さがわかるためには、それもよいでしょう。その期間、とにかくやってみることです。思い切りやって、通じないこととか、こんなのではだめだと思ったところから、徹底して基本をやるのです。
基本は大切ですが、ここでは息も吐けないうちからステージをやらなければいけないのです。息吐きのための息吐きもなければ、トレーニングのためのトレーニングもないからです。その毎日の積み重ねの結果、どう変わったかということが大切で、それではじめて価値があるのです。
トレーニングも息吐きもやってなくても、ステージさえよければよいのです。そんなことがないから、トレーニングがあるわけです。トレーニングは、あくまで目的を述べるためにやるので、トレーニングさえやっていれば満足だとか気持ちがよいとか、ストレス解消になるというのは別のことです。それはただの慣れです。
人前に出て価値を出して、人が喜ぶということは、そういうエネルギーを自分が与えられたということです。自分のひとりよがりでやっていくと限界があります。ある時期まではよいかもしれませんが、自分が降りたら、もうそこにステージがないというステージからスタートすべきです。若いうちはどんなにめちゃくちゃなことをやっていても、電話をかければ、ひまな人を集めることもできます。しかしそのうち一人二人と欠けてきます。
絶対的なものが出せなければ、人には興味などもてないのです。自分のことにこだわって、そこに努力を惜しまないことです。
客に受けようが受けまいが、売れようが売れまいが、自分の思うことを思う通りにやって欲しいのですが、それがただ、自分のひとりよがりでやっていたらよくありません。常に外に対して問うて、自分の力をみることです。それが伝わらなくなってきたというのであれば、自分の方がおかしくなってきているということです。どういうことでも、ステージはたくさん出てください。最初の半年とか１年でものすごくがんばるが、認められなくなると出なくなってしまい、そのうちステージも空けてしまうから引退なのです。
研究所で考えて欲しいのは、通っているということではなく、ここが現実の足元だということです。とりあえず比較できる人がいたり、基準もある。そこで一歩退くということは、自分が自分であることから退くぐらいに捉えて欲しいのです。ここに来ずに、他の学校にいても同じことです。
三つ目は、群れないということです。よい刺激を与え合うということならよいのですが、今の日本のなかでの音楽や業界のことでいうと、歌についてはとてもよくないのです。人材も作っているものも、大したことはないままです。
一部よいものを作っている人たちもいますが、そういう人は群れません。まして研究所に来ているからといって、すごい人たちが集まっているわけではないでしょう。そんなところで、ライブの行き合いなんてやっていたら、5人も10人も付き合っていたら、それで一ヵ月つぶれてしまいます。
皆さんがこういうものを勉強していくときに、徹底して入れなくてはいけないのは、とにかく今まで聞いていないものからです。いろいろな音楽があって、世界にはいろいろな歌い方があるのです。表面だけ受け継がれてきたものの、さらに表面だけを受け継ごうとやっていたら、あたりまえのことですが、それはまったくの末端にいることになります。
一番、流行しているもをまねしているつもりでいても、時代のあぶくにもならないようなことです。それはそれで、その人が楽しくてお客さんも楽しいのならよいでしょう。ただ、そういうものをやることの上にみる人がいるかどうかもありますし、自分がそういうものでやれるかどうか判断することです。
自分はきちんとしたものでなくてはやれないと思ったら、中心のところをやっていくことです。こういうものの中心は、国も時代も問わず、そういう中で人間の心にびしっと伝わってきたものがあるのです。皆さんが「自分はこんなことはやりたくない」と思っても、でも「こいつらすごいな」と認めざるをえないものが、世の中のいろんなところにあります。
そういうものに対して、自分がフィルターをかけているのを、一回白紙に戻すことです。特にプロの活動をやっていた人、バンドをやっていた人も、そこでまわりから受けたままに、本当は自分で聞いたこともないし、じっくりと試したことのないもの、何の関係もなく人様のもので動いているものが多いです。ある時期入ってきたものは、実際に入ってきたものであるといえば事実なのですが、案外とそういう形で入れてきたものが発展せず滞ったままできていることが多いです。
こういう研究所では、自分のなかにあるものは肯定してよいわけですから、そこにないものをみつけ出していくことをやってください。それを選ぶかどうかは別です。
そのことによって、また自分のなかにあった100のものが99は嘘っぱちです。どれかたった１つでも通じるものをつかんでいくのです。それがわからなければ、やれません。どうやってステージをやっていってよいのか、どうやって音楽をつくっていけばよいのか、ここは伸ばすべきなのか、入れるべきなのか、一つひとつ瞬時に全部、自分で決めなくてはいけません。
とにかく、誰かが出るから出ようとか、出ないからやめようとか、そういう基準でやっていけば、群れのなかで埋もれてしまいます。自分はこういうものに、これが欲しいから出る、というようでなくてはいけない。皆と同じものを同じだけやるのは一番損です。もちろん、同じものを入れておかなくてはいけないのですが、それでは価値は出せない。
皆さんよりいろいろなものが入っている人は、世の中にたくさんいます。今の人たちが聞いているものをパクるのであれば、そういうことに天才的な人たちがたくさんいますし、かなうわけがないでしょう。本当に心からよいと思わないものを作っても仕方がないでしょう。
プロの場合はある程度、心からよいと思うものと、売れなくてはいけないのでというものがありますから。生活もかかっています。ファンの期待も裏切れないでしょう。求めている人がいたら、やっていくのも一つの仕事です。
いろいな使い方があって、ここはなるべく自由にさせているつもりです。自分はどう歌いたいか、そしてそれを自分で決めていかない限り、決まっていかないでしょう。もし歌うのであれば、あるところからは自分のもてる武器で勝負していくしかありません。どこまでも音域が伸びればよいとか、声量があればよいとか、そんなことは関係がないことです。
本当は、今あるものだけで自分が使い切れたらよいのです。ただ、音楽にしろことばの表現にしろ、普通の人が普通にやってきたくらいでも、外国にでもいかない限り、日本人の場合素人です。
最低限、２年で身につけて欲しいのは、ギャップを知ることです。基本のトレーニングはとても面倒なのです。素振りと同じで、まずやろうとするところまでが面倒です。やり出してからも、おもしろくなるまでは面倒です。音楽に対してことばでいってみようとか、いろいろ自分で試しおもしろいと感じることが出せなくては、おもしろくないです。しかもそれは材料で、要はそれを通じて自分を表現する、自分を出すことがおもしろいところまでもっていくのです。
そうでなければ、プロでやれている人を見に行った方がおもしろいでしょう。私でも、もっとおもしろい本を読んだ方がおもしろいと思うこともあります。読者の一人で終わってよいのかということです。もっといいたいことがあります。読者の一人で終わらずに何か書くのであれば、読んだ人が何か行動を起こせたり、何か本当にできるようにためにならないといけません。
コンサートでもそれを見て帰って、疲れたと寝てしまうものでなく、それをみたら興奮して眠れなくなった、一生に一つくらい何かやるぞと、エネルギーを与え続けてくれるものが一流のものです。仕事で一所懸命やっている人と、他の勉強をやっている人がコンサートをみて、安らいで楽しんでくるというのならよいのですが、もしそのステージを自分がやっていく立場なら、それではよくありません。自分が踏み込んで、新しい形で出していかなくてはなりません。
他の人が上達していくなど、自分を他の人と比べるのではなく、去年の自分に負けないことです。昨日の自分に負けてはいけません。それが伸び続けていくことです。 10分の１くらいしか２年間でできなくても、伸び続けてさえいれば、４年目、５年目で10分の８くらいになっていきます。
自分が思っていることに対して、より忠実に表現が出せるようにすること。ほとんどの人が“思っていること”自体が、まだ基準が定まっていない場合が多いです。そのイメージや感覚をプロのものにしていくのです。
それに向っていくのには、一流のものを人が「そこまで」というくらい徹底して聞く。10倍も100倍も聞いていたら、自分は何もできなくても、見えるようになってきます。それに感覚が伴っていたら、否応なしに体も伴ってくる。
ですから、感覚によいものを入れなくては、どんなにトレーニングをやっても、たとえ山に10年20年こもっても、まともに歌一曲歌えないと思います。
グループレッスンでは、最初やりにくいと思うかもしれませんが、その場を自分のステージと思い、それに対して、誰よりも表現できるようにやっていけばよいでしょう。そこで違いが出せることが、実力です。そこで自分が変わっていくという実感を重ねていってください。
ここにもいろいろな人がいます。２年目も３年目もだめで、４年目からぐっと伸びるなど、人間はどこでどうなるかわかりません。ぐっと伸びるということは、それまでのものをそこまでにためてきたということです。決して半年や一年で勝負を投げないでください。
人間は、必要なところまでは絶対に行けます。ただ、その必要性というのは人によって違う。それは自分でつかむしかありません。歌がうまくなりたいだけで、人前に出てまでやりたくないとか、そんな過密なスケジュールでは自分は嫌だという人もいるでしょう。土日くらいは休みたい人もいる。しかし、そうでない人もいる。そうでない人がいる以上、最高のもの、最高のライバルを想定した方がよいでしょう。
もう一つは、いくら必要でがんばってみても、天才でもない限り、入っていないものは出てこない。たくさん入れていくことです。
自分で“くだらない質問してしまった”とか省みることも一つの経験で、それはたくさんすればよいと思います。次からは同じレベルのことをしないようにするには、それを知ればよいのです。質問さえしない人は、何年たっても同じことをいいます。書いたもの一つで、学べていることも、一見歌えているようでもまったく、学べていないことも、わかります。読んだだけで聞いてみたいと思わせる人もいます。これで判断するわけではないのですが、“声”を聞いたことがなくともわかってしまうものです。
声のことをやっていこうとする限り、街のなかでもテレビを見ていても、“声”のことが聞こえてくるようになるでしょう。そういうところが変わっていくように、ここを使ってください。
がんばって欲しいと思いますが、努力は押しつけるわけにはいきません。皆さん次第です。
なぜこんなことをするのというようなことが、研究所にはたくさんるかもしれません。私は、ここで過ごしているときに退屈することをやりたくありません。人生の中でも、ここでは退屈したくないと思って生きています。だからもし退屈なものがあるとしたら、それは皆さんの責任か、そうでなかったらもっと大きな理由があって、そこにおかれています。
メニューも３ヵ月から半年やってみて、仕方がないと思うものはやめています。残っているもの、新しいものというのは、私たちの理想だけでなく、皆さんの現実の中で何か理由があって、残っているのです。
限られている時間で、自分が今日からどうやっていくかということを考えてください。
とっつきにくいもの、聞く方にもテンションや体力がないと耐えられないようなもの、そこらで聞けないような音楽、そういうものに挑戦して、気力や体力を養ってください。
同じテンションを保てれば、出るだけでも歌と関係なくステージはもつのです。そういう生き方をしていくことです。歌には、その人のそれまで生きてきたところでの、こだわりや生き様が出るのです。そのときだけテンションをあげても、お客の心は動かないです。それに必要な材料は提供しているはずです。ここでも同じ場で、同じことができるようになれば、同じレベルということです。そこを最低限の基準にして欲しいのです。ここから世界に名だたるアーティストが出ているわけではないのです。もっと高いレベルでの闘い方を望みたく思います。
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レクチャー3 QA
レクチャーなどにあおられてすぐ入るのではなく、ここでやるということをしっかりと決意してから入ってください。即効性を期待している人にはお勧めしません。ここにきたら何とかなるのではないのです。
私が学んできたことや研究生の実績もここにはおいていますが、それを利用できるのかどうかは、どの世界でも同じでその人次第です。
基準を下げてやるつもりはありません。ここでしか学べないという人に対応していくためです。
他のスクール教室が短期で教えてしまうことを、ここでは二年かけてやっています。
それは努力を継続させることでしか身についていかないと思います。
それでは質問に答えていこうと思います。
Ｑ：「マラソンなどで声量を上げることができるか」
スポーツはやらないよりはやった方がよいと思います。体力、集中力はベースです。
しかし、発声の基準とは、別のことです。
Ｑ：「ロックヴォーカリストの人は、本に書いてあるような姿勢で歌っていないのですが」
ステージングと基本のトレーニングを一緒にしないことです。
Ｑ：「口から吸って口から吐くのか、鼻から吸って口から吐くのか」
聞かれたら、鼻から吸うと答えると思います。
しかし、呼吸法としては全身を使うのであって、鼻や口からすーっと吸っていたのでは間に合わないときもあるのです。瞬時に体が動いて入ります。そういう体になるようにトレーニングします。
Ｑ：「お腹から声を出すということはお腹に力を入れるということではないのですか」
そうではないです。声も歌はリラックスしてコントロールします。スポーツと同じです。
Ｑ：「歌うとき、舌を巻くようにしゃべってしまう」
部分的な力を抜いていきましょう。
Ｑ：「低音域できちんと声を出すには」
最初から、あまり低音域とか高音域と分けて考えないほうがよいと思います。
日本では、低音、高音でわけて考え、分けて教えるところも多いようですが、それぞれで異なるのではないのです。
それより、一流の歌い手がどうやっているかということを学んだ方がよいと思います。表現に声域、声量が伴うということです。体が変わると声も変わります。
Ｑ：「リズムをつけるのに縄跳びをやればよいか」
感覚ならそれでもよいと思いますが、歌には、あまり意味はないです。
しかし、まったくリズム感がない人は、歩くときからリズムを感じるようなことは大切だと思います。
ヴォーカリストにもリズム感が必要です。いろいろなものを聞き込んで、それに反応していけるようにしましょう。
Ｑ：「背の高さ、低さについて、歌と関係ありますか」
何の意味もありません。自分自身の状況、条件をきちんと踏まえていくしかないのです。
身長は変えることはできないからです。美空ひばりもＥ・ピアフも150センチとちょっとでした。
Ｑ：「歌によってお客に聞いてもらえないことが多いです。」
説得力のない歌になってしまうというのは、もともと何もできていないということだと思います。お客さんとの信頼が成立していないと思います。歌い手というのは、何であれ、引き続ける力が必要です。
Ｑ：「音程というのは、ただ歌っているだけでは正しくとれませんか」
それが体に入っていて、体で感覚されているという意味の“歌う”であればよいと思うのですが、難しいところです。学び方はいろいろあります。コールユーブンゲンなども、一つの手段です。
Ｑ：「日常の練習はＣＤをかけながら歌うのと腹筋をやっています。」
そういうことも含めてたくさんやっていくことです。そのうえで何が不足しているかをつかみましょう。
Ｑ：「ステージでお客を前にして、何を考えるのでしょうか」
その瞬間に自分の全神経を集中させて、そういう世界に入ることが問われます。
Ｑ：「シャウトについてのレッスンはありませんか。」
シャウトというのは、おきることであって、それを技術として取り出して練習はしません。
歌のなかには、いろいろな声色が出てきます。それは、表現によっての音の変化なのです。
Ｑ：「研究所にくるのはどんな人たちですか」
ここでは誰が学びに来ようが本人の自由意志にしています。有名無名も年齢やキャリアも一切問うていません。
Ｑ：「有名な人はいますか。」
本をたくさん出しているので、いろんな方が来ます。個人情報ですし、それでつられていらしても困ります。
自分ではやる気もないのに、そういう人やそういう世界のそばにいたいという人たちは、学びの場をダメにしてしまうからです。また、私は有名なタレントとよりは、音楽、音声の表現の場をここにおきたいのです。
Ｑ：「すべての人がいい声でいい歌を歌えるようになりますか」
自分がどうなりたいか、どこまで続けるかということでしょう。生来の声がよいとかいうのは、必ずしも評価ではないのです。その人の声帯や声、形、発声法がどういうものであろうが、表現としてすぐれたものとして伝わるかどうかをここでは見ています。
Ｑ：「舞台の緊張で力が出せないことがあります」
舞台経験を多くするのが一番の方法です。が、日頃より舞台をどう捉えるかということだと思います。
人前で表現していく人生を選ぶかどうか、そうしたら、そのための基本、実力づくりをしっかりとやっておくこです。
Ｑ：「年齢と声帯との関係について教えてください」
若いときの方が回復力が速いのは確かです。しかし正しい使い方をしていれば、声を痛めるということはないと思っています。発声原理にそって正しく声を出すことを習得すれば年齢を経ても声の若さは保てます。
Ｑ：「シャウト唱法について教えてくれますか」
そういう用語は、すごい人が出て、そういう人たちの唱法が一般の人たちにできないときに名づけられたものです。あまりことばで考えない方がよいでしょう。それに執着せず基本トレーニングをしましょう。
Ｑ：「トータルで音楽を学ぶことができるのか」
ここでのレッスンには、作詞や作曲、編曲などに役立つ要素が入っています。
ここでは舞台で表現するために必要なことは最低限、全部おいています。
Ｑ：「のどが弱いのでヴォーカルをやるのが心配です」
できるだけ、のどを強くしていくしかないのです。そのうえで自分ののどの限界を知り、使い方を学んでいくことでしょう。
Ｑ：「ここでやり始めるのが不安だが、そのヴォイストレーニングを信じてよいのか」
私やヴォイストレーニングを信じられるかどうかではなく、自分を信じられるかどうかということです。
ここで伸びた人は、得られるものを得ていったということです。相手を信じるよりも、相手から吸収できるものを全部、学ぶことです。
ここに入っても疑問をもち、その上で信じられること、自分で納得したものを組み立てて、自分のヴォイストレーニングをつくってください。
Ｑ：「一人でやるのは、不安だが共同で活動できないのか」
ヴォーカルは、自分の歌だけではなく、トレーニングもつくらなくてはいけないのです。
でも、それは、皆でつくっていくものではありません。
個人が出したものが他人に働きかける力をもったとき、いろいろな人が協力してくれるのです。
Ｑ：「二十歳をすぎてやるのは、遅くないか」
考えるだけ無駄なことです。年齢は変えられません。自分の今までの経験と照らし合わせて、どのようなやり方だとよりよく自分に身につくのか、とことん考えていってください。これまでの人生の体験を、どこまでこのことにおきかえられるのかという勝負だと思います。自分に入っているもの、それを出し切らないとわからないかものです。
Ｑ：「声をよくするために気をつけること」
365日、24時間、いつも声の意識をもっておいて欲しいものです。
朝からのどに負担のかからない状態をキープすることです。
特におしゃべりなど話し声で、無駄に声を疲れさせないことです。
Ｑ：「どのような音楽を聞けばよいのか」
これは本にいろいろとアドバイスしています。そこから、最低限の基準を知ることが大切です。
自分が心を動かされる音楽を聞いていけばよいと思います。
歌の教材としては、あまりエコーなどがかかっていない録音のものがよいでしょう。
その方が声がわかりやすいので、歌い手の勉強に役立ちます。
Ｑ：「日常の呼吸について気をつけることは何でしょうか。」
常に深い呼吸を意識して体を結びつけるようにしておくことです。
歌うときにも結びつきやすくなると思います。
Ｑ：「どのくらいの期間で高音域が出せるようになるのか」
高音域をどういう判断で判断するのかによっても違います。
ここでは届かせるのでなく表現において使えるということでみています。
ポピュラーは個人の声域が中心とあり、他の人と同じようにでなく、その人のなかで充分に使える高い音として判断すべきだと考えるからです。曲によっても問われることが違います。
Ｑ：「効率よくトレーニングでの効果が出るのか」
効率とは、長い眼でみたときいは、成長し続けること、伸びが止まらないことです。
それはその人がやらないと無理です。他の人はあくまで補助しかできません。
当人の意識や覚悟や練習を支え、長期的に見守ることはできますが、その人がやらないことに対して、こちらが助けるということには限度があります。
Ｑ：「なぜトレーナーがいるのか」
自分一人でやっていると、あとで伸びなくなるからです。これを自己流といいます。それをさけるためです。
努力しても方向が間違っていると何にもなりません。
方向付けと指針が必要です。きちんとした耳をもっている人のなかで、もまれることによって判断の基準や自分の表現がわかってくるからです。
Ｑ：「個人レッスンとグループレッスンについて」
個人レッスンでは、自分のトレーニングをトレーナーと共有します。
グループレッスンでは表現することによって、つきつけられたものをどうはねかえすかということを中心にやっていきます。
Ｑ：「ハスキーヴォイスの出し方を知りたいです」
あまり声をハスキーにしようと考えない方がよいと思います。
伝えたときにそうなったら、その状態を自分のなかで認識しておけばよいということです。
Ｑ：「プロとは何か」
歌のなかでは、たとえば悲しい歌を歌うとき、そこで聞く人よりもその悲しみを引き受けて歌わないと、客に伝えることはできません。
私の歌に対する評価の基準というものは、時空を超えなくてはいけません。
その時間は日常の時間ではありません。空間も超えなくてはいけません。
それらを自らつかんで超えていかない限り、自己満足の歌におわります。
その辺がプロとアマチュアの違いです。きちんとした人に評価されてこそプロなのです。
Ｑ：「ステージ上でうまくリズムをとりたい」
ステージの上では、お客さんに伝えることがすべてです。ステージでは伝わればどうなってもよいのです。そのためにリズムトレーニングをやっておかなければいけないのです。ステージで声のことや、リズム、音程のことなどを考えないために練習するのです。
Ｑ：「呼吸とことばは実際どうつながっていくのか」
ことばと呼吸を分けてしまうのはトレーニング上での必要悪でですが、本来ことばを発したときに呼吸を介して体が伴っていくというものだと思います。
Ｑ：「心を動かされる歌とはどういうものなのか」
歌に対して、自分で心を動かしてこないとよくありませんね。
自分が歌う歌に心を動かされていないのに客の心を動かすことはできません。
その闘いをきちんと挑んできた歌といえましょう。
Ｑ：「誰でも努力すればすばらしいヴォーカリストになれるか」
あなたのいうヴォーカリストの定義にもよります。声にしても、必要性があるから身につくのだと思います。
わけがわからないけど、トレーニングをやっていけたらうまくなった、ということはないでしょう。
なれるかでなく、なる、なったというものです。
一流の人たちは、誰よりも結果として基本をきちんと身につけています。
そうでないとステージで自由に動けないからです。
歌という応用から声という基本へ、常に戻しておくのです。
Ｑ：「年をとっても声が出るようになるのか」
80歳で歌っている人もいます。私自身はこれから年をとっていかないとわからないことです。
しかし、最近は声のことがあまり気にならなくなりました。声があっても表現ができるわけではないのです。
声だけを聞かせる職業はありません。声をどう使うかです。そこでの勉強の方が大切です。
Ｑ：「どもる癖について」
専門の先生に治してもらった方がよい場合と、心と体の解放からしぜんと直る場合があります。
ことば、セリフの問題を根本から片づけていくには、素直になることです。
赤ん坊が何か不快なことがあったときには誰かに泣き声で伝える、というようなプロセスまで戻ってみてはどうでしょうか。
Ｑ：「発声の間違い、迷って判断がつかないときはどうすればよいですか」
自分の発声で迷ったり、わからなくなったときには、大体、間違いだと思います。
本人が絶対にこれだと確信できるものでなければ間違いです。
もちろん、確信できても違うこともあります。
Ｑ：「歌とトレーニングの声が一致しないのですが」
トレーニングでの発声というのは違和感があるのは当然で、しぜんに使えてはじめて歌の声に一致してきます。自分の納得しない声を出して歌にしたときは、お客さんに失礼だと感じませんか。どういう声がよいのか悪いのかは、体と心でわかることです。可能性を感じさせる声というのがよい声だと思います。
それは人が決めるのではなく、自分が直感的に、本能的に決めていくことです。
Ｑ：「私も歌い手になれますか」
そのためには人より勉強していなくてはなりません。自分を知っていくことです。
歌を勉強するときは、いつも白紙でやりましょう。初心の気持ちを覚えておいた方がよいと思います。
ヴォーカリストになれるからやるとかやらないではなくて、自分人生を考えたときにそういうものが、どのような位置づけなのかということだと思います。
Ｑ．曲をつくれるようになりたいと思っています。音大の友人に聞いたら、まずコード進行を覚えればといわれました。ピアノが弾けるので、図書館でコードや作曲の教則本を借りて、ピアノを使って左手でコードを押さえつつ、それに右手でメロディをつける練習をしてみました。コード感覚が身につくのではないかと思って、エレキギターの練習も始めました。バンドを組んでみようかとも思っています。手っとりばやい方法は何ですか。
Ａ．「手っとりばやい方法」というのであれば、循環コードにメロディをつけるとか、自分の好きな曲のコード進行に別のメロディをつけるなどして練習してみるとよいでしょう。ただし、その方法は、同じような曲ばかりできてしまう恐れもあるので、Ｔ、Ｄ、Ｓ（トニック、ドミナント、サブドミナント）の機能をきちんと踏まえたつくり方がベストだと思います。
「左手でコードを押さえつつ、それに右手でメロディをつける練習」をしているようですが（もちろん、人によって違うとは思うのですが）、両手でピアノを弾き、メロディラインは自分の声でやる方が“歌らしい”フレーズがつくれると思います。
ちなみに私は、友だちから詞をもらって、それにメロディをつけることが多いです。そのときは、最初、音は出さないで、ある程度イメージが固まったら、初めてピアノに向かいます。その時点では理論的なところは抜きにしてつくっています。曲からつくる場合も、音のおもしろさのようなものを優先してつくる方がよいでしょう。(トレーナー)
