課題曲レッスン 1113
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【「アディオ」☆】
【「瞳はるかに」入①】
【「セレーナ」②☆】
<すてきなあなた 入①>
【「ヒーロー」「恋は水色」36123】
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【「アディオ」☆】
曲は大曲ですが難しいところは省き、1オクターブぐらいで、普通のレベルに落としてやります。
感覚の問題では、離さないことです。感覚も心も体もしっかりとつかんでおくことです。それをしっかりと握っていくというのが、前提で構成が動いているのです。同じ体でも感覚の使い方とか、気の使い方で集約されていないとそれを一つに取り出せません。
ほとんどが「ア」から「ディオ」になるときに体でしっかりと握っておかなければいけないのに離れています。集約されていないのに拡散してはよくないです。ことばでえるところを歌になったときに安易に伸ばしてしまうからいけないのです。しかし、歌の場合は全部を握っておくのではなく、ある程度、動かし、その動きのうえに乗せていけばよいのです。
「ア」から「ディオ」の「イオ」というのをやってみましょう。
「デオ」じゃなくて「Dio」です。英語は、息の吐く力のないところにつくっても発音はできるのですが、表現のことを考えると、結びつきません。
「ア」で深くとってそのなかに「ディオ」も入れていくのです。
そのときに押さえつけてしまうとかすれ、はなすとうまく替えなくなります。
一番わかりやすいのは、「ハイ」のところだと思います。それを同じところでやれることです。
「ハイアディオ」とやってみましょう。シンプルに捉えることです。舞台と同じで「ハイ」とかと出すと同じように「アディオ」とただ出せばよいのです。複雑にしてはよくないです。
それをシンプルに出したときに邪魔するものを取るのです。声を出そうとか、「アディオ」といわなければと考えてしまうと、力がうまく働かなくなって声が前に飛ばなくなってしまいます。前に出ないのは、問違っています。
前に出たものをあえて抜くとか引いてみたりする表現は舞台の上では効果を生じることもあります。しかし、「ハイアディオアディオ」と、一つメロディが加わっただけで、すでにそれを処理するときに、意識や感覚がわかれてしまっています。わかれるまえに一つに「アディオ」と握っていかなければいけません。自分のイメージをもつことです。
日頃のレッスンでやれることは、息吐きや声出しです。家でも、ここでもやることです。パッと順番が回ってきたときにすぐに取り出せるように、それに対応できるようにしていくことです。そこで出てきた問題点を自分で認識することです。一番困るのはそこのテンションを落としてしまうことです。ごまかして歌ってしまうと誰でも歌えることですから、課題そのものがなくなってしまいます。
大切なことは、とにかく一つのことばを前に飛ばずということで大きな課題としていくことです。それを自分の体でしっかりとわかることです。そこを離したところに音楽は乗っていかず、複雑な処理を必要とするようになっていきます。それはそれでやり方はあるんですが、そこにはまってしまうと抜け出せなくなってしまいます。
芦つまり、基本に戻り、くせでの処理にもっていかないことです。ほとんどの人が、この何にもならない口先の技術もどきをトレーニングと思っているのです。声が助けてくれると表現が宿ってなくても本人はできたと思ってしまうのですが、それはよくないことです。
そういうことを一つのレッスンで感じていくことです。
この曲の難しいのはゆっくりと歌っていくところです。
それを声でもっていく人もいるし、ことばでもっていく人もいます。
こういう人のすぐれている部分というのは声が大きくて何オクターブも出るからでは曲のなかの空間と時間をスピードと抜き方で変えられることです。
そういうところがポイントになってきます。そこを聞いてください。
声でもっていっているように聞こえるところも、よく聞くとしっかりと呼吸でもっていっています。いくら短くても1フレーズのなかで息を感じていくことから、やってください。
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【「瞳はるかに」入①】
「はい」を2年間で半オクターブ、4年くらいで1オクターブ、常に取り出せるようにして欲しいと思います。ヴォイストレーニングは、体の原理から一番正しい声を取り出すことです。これで半オクターブとれたら、歌にすると1オクターブ半歌えるでしょう。1オクターブ半以上の数は多くはありません。ヴォーカルというのは、声で音楽を奏でなくてはいけませんから、どういう波を起こすかということです。のど声やミックスヴォイスが許される場合もあります。どちらにしろ自分の呼吸に合わせていかないといけないのです。
ここでやれることは、楽器をつくるということです。ここでやるというよりは、ここで試して自分でやるしかありません。息を吐くとか体を鍛えるというところしかありません。
いろいろなレッスンに出て、演奏を聞いてください。音が正確に取れているとします。ピアノでは指先が自由に動くという人が奥できるかといったら、できるわけがないでしょう。その人のなかで、すぐれたおージやタッチがなければいけません。そこを結びつけるために、調律、ヴォイストレーニングがあります。単純に考えてもらうとこういうことです。
私が「つめたい」で見せていることが、2年でできれば相当な力です。たぶん、2年目の卒業試験でこういうことをしてみたら、10人に2人くらいしか、いないでしょう。もう、1～2年でできるように見えるのは、半分くらいでしょう。後の50バーセントは、他のことをやって、そこの部分を鍛えていないのです。
結局、その先で伸びません。
感覚に関しては徹底的にやりたいと思っています。音をぱっと聞いて、すぐ反応できる力は、音のことをよく聞いていないとできません。日本人は30年は耳の力が落ちているはずです。私から見た、あなたがたもそうです。
音程検定は本当は置きたくなかったのです。しかし聴音の力がありそうでない、バンドの音を聞いているけれどもよく聞いていない。だからアカペラでソロヴォーカルを聞いているほうがわかるからです。
再現する力も、歌唱したことがないことも困ります。こういうことをやろうとしたら、オーディションを受けまくって、全部落ちて、人前で歌いまくって、恥をかいてください。そして、それがどうしてかが徹底してわかると、何がものになって、何が意味がないのかがわかります。とりあえず、裸になる、がスタートです。
基本的にヴォイストレーニングは、体の原理から正すのです。自分の生まれもった体や、日本人の血にいろいろなものが入っていますから、入っているものからきちんと出しましょう。
足りないものは、体の強さやイメージです。日本語で声を浅く使ってきているために、体がより原理的に働くようにするイメージがないから、そういうものを捕っていきます。
最初から音の世界に入って、すぐれたミュージシャンのなかでどういうふうに音をつくるか。この創造を声で行うことはとても難しいです。そういうところから考えてください。
なるべく個人のレッスン枠をつけていこうと思っています。音大や、音楽教室でやってきたのであれば、できるだけ人前で、こういう場でやって、反応できるかどうかをやって欲しいと思っています。
私の個人レッスンは、ピアノを勝手に弾いて相手の反応能力と修正能力をみているのです。
今、10分くらいピアノを弾きましたが、そのようなことをやっているのです。そのピアノに対して、早くて反応できないといっていたら、練習になりません。気ままに弾いて、ヴォーカルの方も気ままに声を出し、それが調和して、音楽に聞こえるかどうかということです。
そこに意識が働いくと、部分的に不都合、つまりのどがしまってくるとかいろいろなことが起きます。それが課題です。
それが起きてくると不快になって、メニューを変えます。次に何をやるかは考えません。
自分が今までやっているなかで、いろいろな人たちと何百人とつき合ってきました。そこで、自分のなかになんとなくそうやっていたら、うまくいっていたなというものが快感として残っているし、こうやってしまったら、よくなかったというのがどこかで残っているのです。それを頭で判断してもしかたないので、自分が出てくるように、指が動くように動かしているのです。
ヴォーカルの方も慣れたもので、6年くらい、いる人には何もいっていません。4年くらい過ぎたらちょっと違う意味で刺激を与えたりしていますが、基本的には、自分がイメージした聞こえてくる音に対して、自分がどのように重ねていくか、ということの能力を磨いていくのです。
歌でも同じです。ここでは1フレーズしかやらせてくれないと思っている人がいると思います。音楽をかけてとれもしないのに、ぱっととれといわれて、やることだと思っているでしょう。あなた方の感覚で、あなた方の今の声で歌ってみてよくないということを前提にしてみたら、だめではないのですが、それでは足らないのです。そのことを前提にしてみたら、感覚を変えていくしかないのです。私たちも同じです。
奇跡は年に何回か起きます。月に何回も起きる人はすごいし、1日に何回も起きる人はもっとすごいということになります。2年間のことを1日で勉強できてしまう人もいます。
体の条件をもっていたら、ここのノウハウは最初の1日で吸収できてしまうでしょう。それは、日頃そういうこともやっているということです。
ロックの人でも、ボサノバやサンバなどを入れて欲しいのです。カンツォーネやシャンソンも、自分一人だったら、やらないもの、歌わないものに触れる。それが一番感覚を刺激します。
自分はこうは歌いたくない。こう歌うのは気持ち悪い。フィットしない。でも考えてみたら、流れている作品の方が一流と君われているのです。どこを切ってみても、プロとしての力が示されています。ジャンルは違うし、自分は聞きたくなくても、世界中の人がその人のことをアマチュアとは見ないというものがあるでしょう。すぐれているということを考えるのだったら、それを認めないといけません。
合わないということは、自分にそれを取り込めるだけの感覚や、再現できる技術がないからです。そこを磨いた方が音楽の世界に近づけます。いろいろな音楽があります。ここもさすがに民謡や、小唄までいれるわけにはいきませんが、ポップスのジャンルに関しては、ここで習えているようなものは、何かしら共通しています。そのぎりぎりの線でここには置いてきています。
皆が違和感をもつものほど、自分の刺激や成長に役立つと思えばよいです。合宿でのやり方が掲示してあると思いますが、参考にして下さい。
自分のやってきた歌を思い切り自分の好きなように歌ってみてください。映像で見てみて足らないと思えば、3日間で仕上げる人たち、4年も5年もいる人たちのベテラン勢はどうやっているのかから学んでください。
ここのレッスンでも、のレッスンでは、1曲全部を1時間のなかでやってしまいます。1曲覚えるのに、10回かけて覚えてしまいます。少し慣れていたら、イタリア語あっても、読まなくてもほぼ覚えます。それは、耳の訓練なのです。
別にここで訓練したというのではなく日頃それだけ聞いていたら、英語でも同じでしょう。レバートリーが、もし200曲くらいあったとしたら、少なくとも聞いた曲はわかるでしょう。
皆さんの場合は、こうやって覚えてきますから、初めての曲は、0からやらなければいけません。それはノウハウになっていないということです。古典を読むときでも、先生がついていなければ古典を読めないといったら、古典の学者としてやっていけないわけでしょう。自分であらゆるパターンを考えて、今までの経験を考え、今までの調べ方を考えてやります。少なくともそれに見当をつけ、仮説を立て、それをどう解釈しなければいけないのかというのは、自分に合って初めてできるのです。そして人前に出せるということです。
好きな音楽はあるでしょうし、好きな歌い方があるでしょうが、1回、それを放した方がよいと思います。1で私のコメントで厳しくいっているのは、人門のときはしかたないのですが、自分のくせにのっかってきたがために歌えてきたのを、外したらどうなるのかということを知ることです。自分からきちんと外さないと原理にきちんと戻らないということです。
たとえば、バンドをつけていたら気持ちがよい。オーケストラをつけていたら気持ちがよい。しかし、ピアノ1本になると難しい。ピアノを外してみたらもっと難しい。それは、全部、助けられているわけです。自分のなかでも入っている、誰かのくせや感覚が助けているときが多いのです。それは、その人のオリジナリティにも関わりますから、好きとか快感は、生かさなければいけないのですが、そういう人たちは、そのヴォーカリストなり、その雰囲気の下でやっているから、そこから出れなくなります。
1曲2曲やったらもう充分になってしまいます。そうでなくなるには、パターンをたくさんもつということではなく、自分の原点のところからどう変化してきたのか。こういう変化のパターンはものになる、これは、だめ。これはものまねになってしまいます。
これをやってみたら、自分のよさが生かせるという戦いをプロセスのなかできちんと踏んできたかどうかです。そうでなければ、誰でも10曲、20曲歌えるのです。そこが厳しいです。
そこを徹底的にやるためには、1回、体のなかの、自分のしっかり出る声を宿します。
そんなことを入門科や1のレッスンのなかでは中心に取り組んでください。
音楽を使ってやるにしても、ことばを使ってやるときも、セリフを使ってやるときも、音域や音量を考えなくてもよいですから、体のなかからとにかくきちんと自分で気持ちよく出る声を結びつけてください。息や体が強いから何かできるということではありませんが、それだけ条件が変わるわけです。
後は演奏の条件です。ここから出してみて、楽器が音楽になることと同じです。それと同じで声が音楽に、歌になるのです。これをきちんと見ておかないと演奏がなかなかわかりません。
名人というのは、だいたい第一人者ですから、まわりに敵はいないわけですから、自分のことを否応なしに考えないといけないのですが、名人になる前に、名人は名人の名人を見ていますし、他の楽器、数でも必ず違う楽器を全部やります。
それは音の世界を見るためだと思います。
ここでも、マイルス・デイビスと高橋竹山を一緒にかけてリミックスさせてみて、どこで感じるか。調べたことがあります。皆が感じるところは、似ています。全然、離れているという箇所も似ています。そういう音のなかを見れるようにしていく。高度ですが、彼らはそこで勝負しているのです。ヴォーカリストといわれている人もそこで勝負しているということを忘れないでください。
2年間で歌がうまくならなくても、体が強くなったり、息が吐けるようになれば、まだ繋がります。繋げていけばよいのです。しっかりと負けて、しっかりと次に繋げることをやっていけばよいのです。できたら、小さくてもコツコツとたまに勝っていく方がよいです。
何か簡単な歌詞でやってみましょう。その当時の歌詞は、わざわざ男女がわけて書いています。ドドレミミミドドドーレミミミードレミソファミレドレミーと簡単に弾けるのでわかるように、ドレミファソファミレドしか使っていません。音程が苦手、音が取りにくいという人でも外れません。
入門科のレッスンは音を正しく取るだけで1時間過ぎてしまいますので、なるべくそういうことを避けるための歌を集めています。
「しっているさひとつのあいは」ここまで入りましょう。ピアノの音をとるのではありません。
先程もいった通り、自分の体からきちんと声を出すことと、それを音楽につくっていくことをとるのです。ピアノはあくまでコードです。ちょっと上下させてみましょう。これがいえたからといって、何かができたというようにならないようにしてください。
グループレッスンで、まわりに合ってきたら、間違っています。コーラスをやるわけではありません。それは、自分がなくなってきているわけです。それを崩して欲しい。崩すためには意志が必要ですし、自分の世界が必要です。
5年も6年もこんなところによくいると上のクラスの人たちが辞めた人たちにいわれているようですが、結局、自分がそこで何をつくれるのかは人前で問うのが一番早いのです。
二つ覚えておいて欲しいことがあります。まず、自分から何が出るのか。それが誰かに届いているのか。私はポーカーフェイスで見えないようにします。評価を皆さんに任せます。
皆さんで感じて自分が何ができたかを知って欲しいということです。しらっとしてしまったとか、まわりの人たちに何も働きかけなかったとか、自分だけで回転してしまったとか。独りよがりで終わってしまったとか、レッスンもまさにステージと同じなのです。
一曲でやらなくても、1フレーズでよい。自分のことはなかなかわかりません。自分のことは鏡をみてやるしかないのですが、他の人の鏡に自分がきちんとなるということです。
あの人のものは、何となく音楽になっているのではないか。歌が出ているとか、ことばを習っているだけ。力を入れているだけ。あれは思い違いとか、一人だけの世界とか、気持ち悪いとか問われるのは何かすごいなです。
そのときに少しでも音楽らしいなとか、すごいなと思うことは、かなり違うということです。こういう世界では皆そうなのですが、ちょっとうまいというのは、キャリアが違うだけです。案外うまいと聞こえるものと自分が歌ったものと同じくらいだと思ってもかなり差があるわけです。
自分のものは自分で過大評価します。そういうことは、客観的にわかるようになってきます。他の人に関しては早くわかるようになってきます。誰かが何かの表現を出しても、今のものは表現ではないとわかります。それがわかってくると同時に大切なことは、ライブの場である以上、自分がやった瞬間にその作品がどのレベルなのか。
よいのか、悪いのか。今のものは、長く伸ばしすぎたから、失敗したのだとか、そこを切らなければいけないのです。ステージのできる人との差はそこなのです実力の差は半分くらいだと思っています。
半分に関しては、その人間が自分を知っているかです。
その人間の一番強い部分だけ出していたら、絶対、通用するでしょう。それを、あなた方の場合は、自分の一番へたなところまで隠さず、こんなにへたですよというところまで出してしまうからよくないのです。
たとえば、意味なく長く伸ばしてしまうのです。それは、自分に対しての評価が欲しいから伸ばしてしまうのか、あるいは、何かをまねて伸ばしてしまうのか。そこで伸ばせない人や、高く届かない人はそこでぱっと切ってしまいます。
先程でも「はい」だったら、上のミでも届いています。しかし、それを伸ばすとラやシで苦しくなっています。一瞬でさっといって、引き上げた方がお客さんは気づきません。少なくともお預けになるからです。負けるところをつくらなければよいのです。
そういうことをレッスンのなかで両方で考えていって欲しいです。
私のレッスンに関しては、ヴォイストレーニングと、ヴォ-カルトレーニングの両方をやります。後の部分的なことは、それぞれのトレーナーでやりながら、そのタッチを見てまねるのではなく、どうしてそうなるのか、そのタッチで出されると何で音楽になるのかをみてください。同僚のは、うまいときとうまくないときがあると思いますので、なおさらよいでしょう。皆は皆のなかで見ていくのが一番わかりやすいと思います。
「しっているさ」だけでよいです。今日は回数を多目に回しましょう。うすい出たときに判断されてしまう。歌い手ですから、出ていったときに見てくれが悪くて退屈しそうと思われても、一度歌い出したらすごいと思われるならよいのです。長くやるとだいたい伴っていきます。しかしその世界をやるのに、自分もはいらなければいけません。
先程よりは、表現が若干聞こえるようになってきました。特に前半勢に関してです。後半勢は、少しがんばらなくてはいけません。何もいわないで大きな声でいってみてください。空間がわざとらしくなりました。アマチュアの劇団のようでしょう。こんなことをやらされるのかと思う人もいるでしょう。
劇団ではやらされます。こういうことを1時間やるとのどが壊れてしまいます。原理から反してしまいます。
今の皆さんのものを聞いても、危ないと思いながら、それは自分で懐疑していくしかありません。その気になって、どこまでが本当に危ないのか、たまに壊していきながら覚えていけばよいのです。
私たちは壊すような練習は教えられません。今のことで原理がきちんと働いていれば壊さないということです。
自分が声を大きく出そうとすると、高くなってしまったり、出ない声を出してしまったりするでしょう。自分のなかにいろいろな声がありますが、それよりも声の大きさや、スピード感とか、体の使い方、呼吸の使い方、息の使い方、特にテンションのもち方の方が大きいのです。
実際、声の種類を変えようとしても、同じ楽器ですから、女の人の声やドラえもんの声をまねていても、声優さんは別だと思いますが、何の練習にもなりません。むしろ、自分の体と結びついたところで、先程まで出していた声と、今出した声の間にまだ、たくさんの声があります。そこで自分の声を知るということです。
こういう世界は普通ではないと思うのはしかたありません。確かに普通ではありません。普通であったら困るのです。お客さんと同じであったら困るのです。
呼吸法や腹式呼吸は、触らしてもらったら少しわかるというくらいしか示せません。一番簡単なことは、大きな声を出してというと構えたでしょう。いつもよりは、息をたくさん吸って、間を開けていったでしょう。プロはそれを見せないでやるのです。
皆さんの場合、大きな声を出しなさいというと時間がかかります。ところが、音楽の場合は、それだけ時間を取れません。見えないところで用意するためには、相当、強くなければできないということです。それが3分間のなかで何百回と繰り返されるのです。息継ぎのところだけでなく、フレーズをいれるごとに、強く入るのです。「しっているさ」のなかだけでも、3回くらい体が違うはいりかたをします。「しって」の「し」と、「いる」と、「さ」で違う表現を出すのです。
それに対応できるには、速い感覚も対応できる体も必要ということです。わけもわからず、声でやったら、のどを潰すと思うのであれば、一回大きな声でやって、後は息でやってください。それでも、体を使います。そういうことで体を慣らしていきながら、体を鍛えていくのです。
今、体をつけて声を出そうとしたら、こんなに早く対応できません。でも、それについていけなかったら、音楽にもついていけません。だからといって、速さに合わせると、今度は口先になってしまいます。
この矛盾があるから、トレーニングで埋めていくのです。
自分の体をきちんと使おうとしたら、音楽に乗れない。音楽にして情感を入れてやってみたら、自分の体から楽器としての音がしっかり出ない。へたなピアノや、ギターを聞いてみると皆そうでしょう。何かを伝えて弾こうとして、しっかりと弾いたら曲の波はつくれません。引っかかってしまい、ミスタッチしてしまいます。力が入りすぎてしまいます。
だからといって、それっぽく弾けば、音に力がなくて、押せなくて流れてしまいます。アマチュアのコーラスなどもそういうものです。
音楽の流れやフレーズを、先にとってしまいますから、しっかりと一つのことを出すことがプロセスでできません。だから、楽器として完成させていく必要があるのです。
先に進みましょう。「しっているさひとつのあいは」で同じ音が続きました。そういうときは、先を見ていくしかありません。「いつまでも続かないと」です。「ドレミソファーミレレードレミ」です。ピアノに合ったとか、意識的に合わせたとか、とっている間は鏡習になりません。ヒントとして、ことばやメロディ、リズムがあります。これを自由に組み合わせてください。
ことばを追わなくてもよいのです。しかし何もないよりも一つの場面を与えられた方が感覚が少しわかりやすくなります。それで表現します。
そういうイメージをもって、こういう世界を表現するために、筆で書けば画家になります。声を使って歌にするわけです。練習のプロセスのなかで、こんなに速く動かされたら、音を取るだけで精一杯です。これは、最初の一年ではしかたありません。
結局、やれる人はその時点で音なんで意識しません。リズムも意識しません。要は、このイメージだけを意識していたら声が歌になるのです。
途中のプロセスではいろいろなことでやらなければいけません。音楽基礎などで固めなければいけません。本当のレッスン、やらなければいけないことは、習作として常につくることです。感じることとつくることです。
こういうものを与えられたら舞台の役者だと思って感じてくれたらよいのです。しかしなかなか感じられないし、まして、それを音声で出して表現することは難しいことです。しかし少なくともその気になることです。
この世界に入り込むだけではよくないです。よく一所懸命歌っているという人がいますが、自分に一所懸命ではなく、相手に対して何を出せるかというところの一所懸命でないといけないのです。伝える友のことです。両方やっていかないと声の方もわからないと思います。
つまらない歌、つまらない楽譜だと思うものを歌い手が歌うとすごいなと思うように変えているのです。その辺は、自分が歌ったものと、プロが歌ったものを聞き比べればよいです。プロが歌ったものをすごいと思って自分もその感覚でやってみたら、少しはできていると思ってしまうからわからなくなるのです。
楽譜を渡されてみたら、自分でどう歌ってみても、こんなもの歌になるのか、全然、おもしろくもないとなるでしょう。でも、プロが歌ってみたらそんなふうに歌えるのかと思うでしょうが逆なのです。
皆、用意されてからところから入るからよくないのです。自分でつくって、自分で歌ったらもっとよくわかるでしょう。そういうプロセスを経ていってください。
元々、形のあるものではありません。自分がやった結果、形に残るものになるか、全然よくないものになってしまうのかというようなことなのです。作詞や作曲を教えるつもりはありませんが、こういうものを感じてみて、ここは上げたくないとか、ここはテンポをもっと遅くしたい、ここの歌詞は許せないとか、与えられたときにそういうものが出てこないとよくないのです。
レッスンのなかで、すぐにはできないのに、どこかで思って自分の練習のなかで落としていくのです。ここで与えるのは、あくまで材料です。それでいろいろ料理してくれればよいです。それはそのまま自分の歌の世界になります。
ライブの世界でやることは、本当の意味で習うとそういうことです。決められたことを決められた通りに歌ってきたものを発表することではなく、そこで感じたことをそこでそこのお客さんに対して好きに動かしていけばよいです。
MCもそうです。だけが日本の場合、限定されています。バンドがびしっと固まって変えることが許されないのです。
音楽プロデューサーの方が力が強いから尚さらです。他の国では、ヴォーカルの方が自分の歌や音についてもっといえなければいけません。
この「ドドレミミミドドドレミミミードレミソファーミレードレミー」のなかに音楽が感じられなければいけません。ピアニストが弾いたら音楽に聞こえるなら、歌のないところで質が感じていたほう方が勉強になると思います。
「しっているさひとつのあいは。」までいきましょう。それをいったときに、次も聞きたいと思われるように終われなければいけないということです。ことばだけでも、メロディをつけてもどちらでもでもよいです。ことばでいった人と、メロディをつけた人といましたが、歌ってしまうとどうしても、「しっているさーひとつのあいはー」と聞こえます。
ことばでは、「ひとつのあいは」、何とかだと「知っているさ」ということが一応聞こえます。歌っている人からは聞こえません。歌の方が難しいということです。
歌の方が、テンションも高く、もっと気持ちを入れて、もっと体を使わないと表現を押さえられないということです。もっといえば、音が高くなっていきます。ことばでいえば、一つの音の高さでいえますから、おさえられるのです。そうすると、皆さんの場合は、ここで悩まなければいけません。
「しっているさ」がなぜ、「しっているさ-」になってしまうのか。テンポの問題も、ことばでは早く思えます。歌の人は、遅くなっています。キープしなければいけませんから、息の力も体の力もいります。
ここでやっているトレーニングは、テンボ、長さ、音の高さ、強さについて急に難しくするとできないのです。
ことばで「しっているさ」といえたら、次にゆっくりといえるかどうか。それができなければ、浮かせないでやる表現はできません。その間に自分でやっていくメニューが10個も20個もあるということです。「はい」ということと、「はいはいはい」、あるいは、「らーらーらー」という間にメニューが20個も30個もあるのです。そこは、どこができて、どこができないのかを知り、どこか一つ表現できればよいといっています。
音も「はい」をドの音では完璧に100できて、レの音が20パーセントしかできていないということは、まず、ありません。「ド」は100パーセント、太鼓判を押すといわれたら、レの音も80パーセントくらいはだいたいできています。ソくらいで60パーセントくらいでしょう。その差を埋めればよいのです。
できるということがわかっているかというだけのことです。こういうものもそうです。音もそうですが、「しっているさ」にしても表現はよいといわれたのなら、後は、その表現を殺さないように、いかにもっていくかということです。
ところが、長くなってきたり、構成しなければいけなくなってきたり、1分間の世界、1オクターブの世界になってくると大変になってくるということです。その大変さを知らないといけません。
大変なことはよいのです。こんなにやらなければいけないと思ったり、こんなに距離があるんだと見えたら上達していきます。それが見えないままにやっていくことが、一番よくないのです。
歌はそれが見えないから、上達しないのです。「しっているさひとつのあいはいつまでもつづかないとでもなぜか」ここで、「でもなぜか」と続きます。当然のことながら、「一つの愛はいつまでも続かない」。最近では、テロップなどで歌詞を見ているので、こういう歌を書いたり聞いたりしていても、心に落ちてこないのです。それには慣れてください。
小説や詩を読むのでもよいのです。イマジネーションを磨きましょう。歌い手は、一つの世界に浸り切る才能も必要ですが、切り替える才能のも必要です。最初の5秒は笑う。次の5秒で泣く。次にはしっとりして、次はというのが早いのです。多重人整のようなことができないと勤まりません。
「しっているさひとつのあいはいつまでもつづかないと」で、いろいろなことを思うかもしれません。「でもなぜか」で、「でもなぜか」ですから、ここで何か違うことが起きるのだとわかります。変わることがわかります。そして、「あるひとつぜんあのひとをだきしめる」。
「だきしめた」のではなく、「だきしめる」と希望があって、最後の落ちが、「そんなきがしてきょうもまっているあかいばらをかざって」となるのです。こういう世界が感じられないとか、音の世界でつくりたくないと思ったり、こんなことはよくあることだとか、童話の世界だと思ってしまうと、こういう世界には入れませんか。
それは、自分のなかで置き換えていけばよいのです。自分でわからなければ、これもあくまで型なのですから、その方をイメージで膨らませていく。自分はこういう音のつけ方をしたくなければ、変えるという手もあります。しかしそのなかで、なるべく可能性を探ってやる。こういう歌詞を歌いたくなければ、歌詞を置き換えていけばよいです。
ことばのなかにいろいろな意味があります。「ミファソソソーミファソソソー」「でもなぜかあるひとつぜん」です。のせて歌うのではありません。自分のイメージをこれを使って表現するのです。
ことばをやってみてからメロディをつけてみましょう。
「でもなぜか」といってみてからですなるべく歌い上げないでください。よく、歌は語るようにといわれますが、そういうことです。語るのは、なるべく歌うようにといわれています。歌うと語るとどう違うのかというと、語るというのは、その場で音を刻んでいくわけです。
「でもなぜか」ここでは歌っているのです。「でもなぜか」を呼吸でフレーズをきちんともって、次につなげていきます。そのフレーズがそこで終わらないで、次に展開していく。これは歌うということなのです。
歌は、「でもなぜかー」と歌っているようですが、これでは流れているだけです。そこで語るようにしたらことばが聞こえてきます。昔からそういうことがいわれています。しかし、そう習っている人たちが歌い上げているから、よくないのです。
ロックの人は、張り上げることはありますが、歌い上げたりしません。いろいろな感じ方がありますから、自由です。ことばでいってからやってみてください。
いろいろなことを気づいてください。ことばでやったとき、フレーズにしたとき。自分でそのことを感じて、感じたときに気をつけてください。
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【「セレーナ」☆】
レッスンで求めるレベルが高いのに、皆さんのやっていることが低いので、本当に難しいことが難しくなくなっています。
歌い手ですから、何回も何回も聞いて、何回も何回も歌う練習をして、でき上がってくればよいというのは正論です。しかし、だからこそ瞬時に10個の要素を一度に入れられるようになれとまではいいませんが、音程以外にも3つくらいの要素は感じ、同時にやれるようにならなければいけません。
歌い手の勉強をすることも、曲の勉強をすることも、どちらにしても何がいいたいのか、何で歌っているのか、誰に歌っているのか、くらいは、聞く立場に置き換えて見てわかることでしょう。これは、声の技術とは関係ありません。どう伝わるかからみるのです。そこが一番できないところです。日本人の感覚が出ていているのはよいのですが、日本人でもプロでしたら、そんな甘い感覚では出しません。
「セレーナ」は、技術的にも声でもしっかりと歌っています。インターナショナルな感覚で、泣きでもあり、弱さや、可愛さでもあります。日本人の感覚では、そういうものを感じないでしょう。声を強烈に感じるでしょう。でも、歌の表現の世界だと、これが泣きになるのです。
「あなたがきてくれなくなって このへやもさみしくなったわ
二人でならんでうつしたしゃしんは もうやぶってしまったわ」
そんなに悠長にいっていませんね、冗長ではなく、切迫感があるから、スピーディに歌わなければいけない、メロディにしろ、言語にしろ、訳詞にしろ、そういうところで煮詰まったものが、ことばや音を超えたものとして出なくてはいけません。
単純に考えてください。声や息も大切なのですが、それを必要とする表現の元にあるものです。たとえば、女優さんや歌い手さんが何かを表現しようとしたときに、根本のイメージのところで乏しかったら何も伝わりません。息や声の準備をしてから数にするのではなく、表現が出るところに体が伴うから、そこに声の質が宿ってくるのです。
いつもいっていることは、同じことです。2年経っても「つめたい」といえるか、いえないなら、そのことばをどう捉えるか、そこで詰めることです。理屈では日本語と外国語とはどう違うのか、ということです。それを感覚と体で何回も何回もやっていかなければいけません。
読めているところでは、もっと読み込むべきです。当人が、そのなかに入っていって、差し示していかないと、体が使えなくなります。そうならないために、歌詞の意味やメロディを何度も考えるのです。イメージが湧きやすくするために、曲を使っているのです。男性の胸でも、女性の間でも、歌詞が変わっても、変わらなくても、音には関係ありません。胸の関係のないところで、まずは表現できなければいけないのです。
役者の勉強のようですが、歌で勉強していても役者になるし、役者から入っていっても、歌になると思う部分があります。一時、表現に心中クサくなってしまうことは、しかたのないことです。
この「セレーナ」も小さな音で流していれば、BGM的に聞こえますが、大きくかけてみたら、どこまで大きく読み込んでいて、どこまで厳しくその世界に入り込んでいるのかが検討がつかないでしょう。そこから展開しているのがまさにヴォーカルの音の世界です。
歌は、本来、盛を音で表現できるようにしないと、人前でことばをつなぐことができません。息や声などの自分のスタイルをつくる基本を勉強するときには、そこまで入り込んでしまった方が、わかりやすいと思いまず。
いきなりこの世界に入ることは難しいでしょう。まして、一つの世界を出すのは大変なことです。自分が一人でなりきるだけの世界でしたらともかく、歌というものは、それをもう一つ客観的においてつき放していきます。気持ちが入り込むだけでなく、入ったものが出てこないとしかたがないのでことばだけが、先にできてしまうと、そこに、体も息もつきません。
だから、発声も身につかないし、体も動かないと思った方が、ポピュラーの場合はわかりやすいのです。そこで止まってしまうと思います。すごく声があるから何かできるというよりも、もっと必要な課題が明確になってきます。
ところが、そういう人ほど発声だけで満足していまい素人はほめるので、そこで止まってしまうのです。
「あなたのやさしいことばは いまでもおぼえているけれど」
ことばで習ったときの感覚を覚えていてください。自分でできなければ、他の人のものを聞いていて、伝わったという人の感覚を覚えておくのです。なるべく声だけにならないように注意してください。だからといって、心だけになってこもるのはもっともよくないなので難しいのです。
押さない子が「おかあさ～ん」と叫んだときに、体も息も入り、それなりにインパクトのあるフレーズができるといったことがあります。しかし、技術がないので、すぐにかすれてしまったり、それをもとに展開することができません。しかし、あなたたちは幼い頃に甘えた「おかあさ〜ん」というレベルにさえいっていないわけです。
曲というものはストレートにそんなものなのです。「あなたのやさしいことばはいまでもおぼえているけれど」を音で出した世界で表現するのです。声がなければいけないというわけではありませんが、あくまで声を使っていかなければいけません。それを忘れないことです。
次に組み立てが大事です。
「あしたからひとり あなたのしらないとおいまちで いきていくわ」というところまで煮つまってからいかないと、「セレーナ」と歌っても、その前に、歌そのものが、終わってしまいいます。そしたら、展開のしようがありません。そこで始め直すとバラバラとなります。それをもっとも無駄なく効果的に積み重ねていくのです。
「あなたのやさしいことばは」とことばでいってから、フレーズをつけていってみてください。なるべく、音楽的にしないようにして、音楽を生じるようにしてください。ただ、「あなたのやさしいことばはいまでもおぼえているけど」と、ここまで体で支えていなければ伝わりません。
そこまでというのは、イメージの感覚でも、技術でも、しっかりと支えていて、それを体で調整していくのです。その延長上で、歌を捉えてもらうと、シンプルなことだと思います。
シンブルというのは、ごまかしが効かなくなりますから、何ができて、何ができていないのかがわかるということです。できていないところがわかり、そこはできるまで待てばよいのです。それを、はっきりとさせないから、迷ってしまうのです。傍から観ているとわかりやすいでしょう。他の人を観てわかっていくとよいと思います。
最終的にはイメージだけでやれるのが一番よいのです。フレーズの練習の方法としては、単調に音程や長さがあらわに見えてしまってはよくないです。
声量がなくても、小さな声でも自分のなかで動かすことができればよいのです。ただ、トレーニングでいうと、器をつくって欲しいので、大きな声でもやってください。
「あなたのやさしいことばは いまでもおぼえているけど」これを一つくらいにとります。半オクターブ程ありますが、それくらいが一つにとれるようでなければいけません。ことばでは、一つの線で、しっかりといえているのに、歌になると、いろいろな雑音が入ってしまうということは、コントロールができていないからです。
それと共に、ことばではあった線を離してしまっているのです。響かせても、シャウトしても、ドラ声でもよいのですが、握らなければいけない線というものは、しっかりと擦っていてください。ことばのなかでは、できてきていることです。
次に、アクセントです。あまりルールに囚われないことです。最初の1回は、ルールに正しくやることもよいでしょう。しかし、それが見えてしまって、型がついてしまうと、足をすくわれていることと同じで、リズムにのっているのではなく、リズムに足をとられてしまっていることになるのです。自分のリズムを出すことです。
後半部分のなどは、歌のなかでの役割によっても違いますが、課題のように、ことばを伝えるレベルにあるところは、そのレベルでこなしてください。響いた、体に入ったなど、そのときに起こったことは、そのときに引き受けていけばよいのです。
でも、体がもたないと、いろいろな雑音が入ってしまいます。緊張感がなくなって、のべっとなってしまわないように、体はもたせてください。大きめにつくっていってください。そのイメージは覚えてもらうしかありません。
日本語で「つめたい」を「ノンソオマイ」ととることと同じで、これは全然違います。同じ音程をとるにしても、音程を歌っているわけではないのです。テンポ感に基づいて、より、鋭く外していきます。人によってはその前にテンボや楽譜の勉強をしっかりとする方が先決でしょう。
「あなたのやさしいことばは」をことばでいって、その通りに音をつけてみましょう。
全体的に、日本人は強くすることは、伸ばすことだと捉えているようですが、強くすることと、伸ばすことは、全然違います。「あなた～のやさし～いことば～は」でもよいのですが、「あなたの」の「た」を強く短めにしたほうが「あなた」と聞こえます。
さらに、リズムを同じように打つこともよいのですが、リズムを打つのは体であって、リズムを打っているところと、ことばはズレないといけません。このメロディのなかに「あなたがきてくれなくなって」をどう音に変換させていくかです。日本語は、ズレにくいので難しいと思いますが、外国語をやっていたら慣れてくると思います。
2番は1番と歌い方を変えています。妙ですが、聞けばわかります。そこから入るとやりやすいでしょう。
「へやのまどを しめるまえに このとりかこのこばとをはなし
ふるいおもいでは そのつばさにのせ おおぞらにかえしておこう
もういちどだけあなたのなを わすれるためにくりかえし
かなしみのへやの ドアにかぎをかけ お昼にたつ汽車にのるわ」
イタリア語は難しいので、サビの部分だけでも接点がつけばよいというところです。
「セレーナ ひかりのまち セレーナ あのまちの」のところの「セレーナ イヨエロセレーナ〜」のところです。耳でとれる人は、変えてみて構いません。
参考までに、サビの前までが8分音符、サビの部分は4分音符と2分音符だけになっています。楽譜上では、しっかりとおいていく歌なのですが、この歌い方は完全に外しています。
ここでは、日本人なら声楽家並みの深いポジショニングが必要です。
たとえば「ビュウ」の「イ」や「ウ」や「エ」が解決しないと、こういうふうには入らなくなってきます。響きなどをとるときに、余計な音がたくさん出てきます。短くすればできるのですが、長くなるとよくないでしょう。
母音を揃えるというのは、ポピュラーのなかでも同じことです。こういう歌になると、そういうものの完成度が問われます。楽譜に忠実ではありませんが、とても基本的に正しく音を展開して歌っています。
サビに入るところのポイントはいくつかあります。
一回おとしてからインテンポに戻すところや、サビの部分では、2回目の「セレーナ〜」のところをとても強く歌っています。日本語でつけると難しいのですが「あのふるさと」のところ「ポエッティ イオエテ」です。そして「あおいそらとうみがわたしをよぶ」と入っていきます。
1番でも「あしたからひとりあなたのしらないとおいまちでいきていくわ」から次の「セレーナ」へといきなり入れませんから、「とおいまちで」のところで追い込んでいった感情を1回抑えます。「いきていくわ」のところは間奏です。
この最後の「わ」のところで、調が移っていますが、同じ音で次の「セ」の音をとっているわけです。しかし、この「セレーナ」のところで気分も含めて色が変わらないといけません。本当は「いくわ」の「わ」のところで変わらなければいけないのです。
単純のなかに3色くらい使い分けていますので、難しいと思います。マネてもよくありません。同じようなボリュームや音をコピーしても表現が違うので同じにはなりません。感覚的に捉えて、変化しなくてはいけないのです。外に出したところの音色をどう使うかということです。
最初、構造をしっかりととればよいのです。その構造の先に、その人が表現したら色が出てきますから、その色を読み取ってください。1回目の「セレーナ」の「ナ」もそうです。口のなかを横に開けています。明るい「ナ」です。この歌は最後まで離さないで持っていますが、それでも若干、その色合いを出そうとしているわけです。
次の「セレーナ」では踏み込んでいます。役割が違っているのです。2番になると泣きゃ可愛さを出している部分で切り、踏み込む部分の多岐がもっと激しくなっています。この歌のように、上にいけば上にいくほど、練り込んでいく袋現というのは、思っているより体を使います。
最後は、「セレーナ イオエロ セレーナ ポエッティ イオエテ」です。
日本語で「あのふるさと」でも構いません。「ふ」も「る」も難しいので、避けたいだけです。
ーー
<すてきなあなた 入①>
まず、よく聞くことです。皆さんが聞いている最近の歌のほとんどは、学びにくくなっています。私が使っているものは昔から使っているもののなかでもわかりやすいものです。音程とかリズムとかの問題もありますが、それよりも声の動きをきちんと取ることです。自分の声をきちんとつかまえることです。「ハイ」とか「ライ」とかからやっても構わないのですが、そこからの動きがわからないと音楽、もしくは伝わることばになっていきません。
今、邪魔していることは2つあって、1つは体の問題です。しっかりした声で「ハイ」といえないことです。「ハイ」から「ず「き」の「す」にきちんとつながらないことが、フレーズの問題です。これは時間をみていかないといけません。
ただもっと大きなことは、感覚で捉えていたらそういうものは声がなくても出てくるのです。その感覚が見えないことの方が大きいです。今まで私たちは日本語で勉強していますし、日本語のリズムでまわしています。向こうのものを歌ってきていても、結局、日本人の感覚と日本人のリズムでとっていますから、本当の意味では聞けていないのです。
その見えないところを、見ていく努力をしなくてはいけません。
たとえばこれでも「すーてきなー、こいびーとー」とはうたっていないのに、そうなってしまいます。自分がやったときにそのギャップに気づかないと学べません。あるいは自分がやろうとする前に、そこで何が起きているのかを見なくてはいけません。2年間というのはそれを問うていく期間だと思ってよいと思います。
うまい人の歌を聞いて、ああいうふうに歌うためには声が必要だと思っている人がほとんどだと思いますが、その感覚がない限り、その声は宿ってこないし、仮にその声があっても、その感覚で使えないから同じことはできないのです。
だから見えていない人にとってみれば、その距離というのは遠いのじゃなくて、ないので、つかめません。今、必要なことは、その距離をきちんと見ることです。本当はレッスンなどではこれをやるのですが、耳できちんと把織できないとできないのです。それはまわりの仲間から見るほうが早いと思うのです。
ライブも合宿の表現も他のトレーナーといつも、私の評価はほぼ同じです。ちょっと違う聞き方ができるのが2人くらいで、その他は同じです。この部分はよいというのをつけ加えられる人が少数、あとはその評価に上がってこないのです。それはここの評価であっても、私たちも確認して、一人勝手にならないようにしています。音をきちんとつかんでいる、ということと同時にあとで動くようにそれを押えているかどうかということなのです。
皆さんも振り回してはこんな感覚だとつかんでいくのですが、最終的にホームランを打っている人たちの感覚は一体どうなのかということを読み取っていかなくてはいけません。それはバットに当てるということではないのです。いろんなプロの人たちのことばを総称していうと、バットに乗せて運ぶという感じらしいのです。だからバットに当てるだけではよくないのです。スポーツの世界で置き換えてみると、そういうことだということがわかりやすいです。
歌の世界では音ですからもっと難しいですが、それと同じことが起きています。「すてきな」のなかで、とっているリズムも全然います。マネする必要はないのですが、ここで打つのか、こっちで打つのかというのは全然違うことで、それを日本語で聞き換えるから「トュー」に対して「すー」、「スィーナー」に対して「できー」です。基本的にこういう置き換えをした上で、その上で日本語に直して欲しいのです。
このレッスンに問われるのはここまでです。
日本語で「すてきな」と読んでからはいるやり方もありますが、今は音の方から入っていきましょう。「す」から「て」まででよいです。「すーてー」のフレーズももち方は自分で自由にしてよいわけです。ただ、「す」というのをきちんととることと、それをきちんと運ぶことということは、表現として、取り出していかなけれいけないということです。「すーてー」。次は「て」から「き」です。次のフレーズをとるために、そこにきちんと入っていかないとよくありません。
今、皆さんに捉えて欲しいのはその1つ前のところです。「すー」の入り方も皆さんの場合、マネてしまうと空気にまぜてしまうのですが、それはきちん押えてから離さないといけません。「す」で置いておいて、「て」と「き」にもっていってもよいです。「てーき」はだいぶんよくなりました。
捉えるところをきちんと捉えたら、その動きは押えていなければ動いてきます。それは人間の呼吸と同じです。その働いた音に対してどう次に重ねていくかということをやらなくてはいけないのです。
自分のなかにその流れができていないのに次の音をやっていくと、テンポは合うかもしれないけど、表現力は落ちます。ここのライブで聞いて、表現力がある、というのはそういうところを意識してつなげていくプロセスを踏んできているのか、単にマネて自分のものにしてしまっているのかのいです。
こんな細かく勉強する必要もないのですが、そこができないと、そういう世界があることも、そこが聞き取れていないこともわからず、どれもよかったということになります。よかったわけがないのです。
それは自分のレベルを下げて聞いているのです。そういう必要はないのです。しっかりと飛び込んでくるものしかよくありません。飛び込んでくるというのは、その人が何が入れていないといけません。いくら入れていても、伝わってくるのは、声と息ですから、その声とか息とかにそのことをきちんと入れるのです。要はその感覚とか思いを変換しなければいけないのです。
絵の場合はキャンバスに色で、線で変換しなくてはいけません。声も同じです。声の音色で変換しなくてはいけません。だから、その辺に鈍感になってしまうとよくありません。
たとえば「ティータタター」のなかに自分が何を感じるかです。「ティ・タタタ」と感じたら、音楽にならないでしょう。そのり返しです。外国語がよいのはリズムで「1・2」と取る「チクタク」と取るところです。その「チクタク」を「チクタクチクタグ」とフラクタル的にやれていくのです。
原語も強弱の感覚、フレーズの感覚、というものを重ねて、音楽をつくっていくのです。だから、ある意味では、欧米語は働きというものを常につくりながら、その上に乗せていくから楽なのです。
楽だけれども踏み込むところで、より踏み込まなくてはいけないし、その時に前に出さなくてはいけないのです。それを出しただけではなく、きちんと握っていなければ戻せないということです。きちんと撮っていたら、それを押えなければ跳ね返ってきます。
このことばでやると難しいので「ハーイ、ララ」とか、「ハイ、ラーラ」とかで、ここに働きがあるということを知ることです。トランペットも「プップップッ」じゃなく「ブゥー」と入るときもあるし、そういうものが人の心を揺さ振るのです。それがその人の音色なり、フレーズのもっていき方となるのです。
音楽の世界である以上、歌も同じです。歌の場合難しいのはピアノと違って複雑だからです。1人1人みんなもちものが違うし、1人のなかでもいつも違うのです。それを正しく取り出すという感覚が働いていないと難しいわけです。今は自分の好みの感覚ではなく、自分の体の原理から正しいという感覚を元にすることです。
簡単にいうと、自分であまり意識してないけれど体が勝手に動いてしまって、声が出たらそれが音楽になってしまったというのが一番よいのです。そのために何をするかというと一点で捉えることです。「ハイ」と押さえつけるのではなく「ハイ」としぜんに出す。
するとそれが何か動きやすくなってくるのです。そこに次の音がきます、楽器の音の音楽となる最初の部分と同じです。
「すてきな」を「ハイハイハイ」のなかでやってみましょう。1つの音を出してそれがどう変化するかです。その変化に次の音をどう感覚するかです。どんなによい音楽でも、そのことがわかっていなければ、きちんとした作品にはならないわけです。
そういう評価で舞台をきちんと見ているのは、ここくらいです。何が勢いがあったとか、がんばっていたからすごかったとかいうのは作品でもなんでもないのです。それがあった上で何が出ているかです。
「ハイ」でも「ラ」でも「トゥーシィーナ-」でもよいです。「ナ」がやりにくければ、「ナ、ネ、ヌ」こういうのは響きやすいので日本人の場合、芯が取りにくいと思います。しぜんに取れるのがよいのですが、そこでことを起こさなくてはいけません。
自分の出しやすいところでよいです。「トゥーシィーナー」「トゥ」も「シ」も「ナ」も難しいですから、「ハイ」とか「ラ」でやってみるとよいでしょう。「ハイ」も「イ」のところで引っかかるから難しいものです。自分で練習して録音にとってください。要はつくられていないようにやるのです。
自分の体から出たものでなくて、「トゥシィーナー」と口でつくって歌うのであれば誰でも歌えるわけです。それを捉えて、自分のところで何もつくらないでそれが動いていっているかです。その上でつくっているのであればよいのです。
その根本の動きがないところに、決めていくと全部それていきます。その辺のことをプロセスでやってきた人が、どうかはみればすぐにわかります。自分のところから離してしまうと繊細に動かせなくなってきます。
「すてきな」というのを1つで捉えられたら、自分のなかで「すーてきな」とできます。自分の体を使いきれてないから「ター」のところでもう離してしまうのです。そうして「タータタタター」と全部つくってしまうのです。そうではなくて全部1つなのです。その1つが働いているのです。れを1つに捉えて、自分からはみ出さなければ正解なのです。
見せ方というものはセンスがあります。そのなかで今のようなこと100パターンくらいやってみて、選んできたのが本来は作品の原点です。自分ができるまでには時間がかかる場合もあります。感覚を入れておくことです。その感覚のところを見えるところまで見ていくのです。短くすると、しぜんに聞こえてくることもあります。しぜんに聞こえてきたら、初めてそこに歌とか思いとかが伝わってくることがあります。
不しぜんだとそういうものがのらなくなってきます。
ことばから入ってもよいし、音楽から入ってもよいのですが、結局、自分の体の原理をきちんと知ることです。そのことと日頃やっているトレーニングは、鈍感にやらなければ一致していくはずです。
ただ自動的にロボットみたいに繰り返していても、そうはなりません。息を吐くことは、それでもよいかもしれませんが、それ以上になっていくと、声帯が余計なことをやってしまいますので、大変です。
皆さんの今の耳で聞くとブツブツ切れているように聞こえるかもしれませんが、他のところよりも、より強調されて、その間のところを完全に隠しているのです。これは彼らの感覚の原型なのです。
今の歌い手は、それをそこまで踏み込まないでもっと浅くし、エコーでフレーズにしてつなげています。要は体を使うことをさぼって、もっと感覚的にやっているわけです。
しかし、基本的にこういう歌の方が欧米の言語の原型です。結局1オクターブ半に渡ってほとんど上の響きを逃がさないで歌っていますから、苦しく聞こえてくるし、ブツ切れ的に聞こえるかもしれませんが、声やトレーニングには有効です。
ここの2年間でやる歌い方は、現在の作品に通じるものとは別です。この歌い方で、今の世の中に問うても、まじめなだけで、つまらない、となると思います。ただ体がそれによって鍛えられる、器ができていくということで基本としてやる必要があるのです。
ここでは、半オクターブを正しく得ると、駄で1、2オクターブくらい取れるようになるのです。半オクターブ取れれば、1オクターブ半歌えるといっています。
1オクターブが書いていくと、上の方で加工していっても、きちんと戻れるからです。ほとんどの人が戻れるところなしに歌っています。それが基本がないということで、形だけ取っていくのです。その方が早いし、歌いこなせるのですが、そのかわり、後になっても変わりません。
作品としての完成度とか、歌としてのよさということではなくて、まだ変化できる余地がたくさんあるところにポジションの位置を置いておくということです。その可能性があれば、プロセスであろうと、完成がありませんから、魅力的に見えるのです。
ところが完成しているものだと完璧じゃない限りはマイナスですから、つまらなくなってしまうのです。また、同じ歌い方となってしまうのです。それをきちんと出していくことです。ここを出てからも同じことも望みます。
要は基本のところでどのくらい応用できるかです。応用できれば基本のままで歌っても構わないのです。ところが日本の場合は基本のない応用だけで歌っているところで判断していますから、変わっていかないのです。自分のものじゃなくて、まわりものを使って歌をつくり上げています。するとまわりにすごいスタッフをそろえるしかなくなるし、そういう人も早く辞めていくわけです。そういうものこそ、自分の感覚に落していく。声に落していくことです。
個人差はあると思いますが、自分のなかで一瞬でもつかめたら、それを大切にして下さい。そこをもっていないと、いくら音域が取れても意味がないのです。まず、それが体の原理とか感覚に合わすことです。
自分の呼吸ですからこのくらいゆっくりした曲でも大変なことだと思います。これをやるには、もっと息を吐いて、体を使わなければいけないのです。
でもそのプロセスで、そういうものが鍛えられてくると、瞬時に入れるようになってくるし、音が働くということのなかの意味がわかってくると思います。
今、皆さんに必要なことは、とにかくそういう線がたくさんあることを自分で知って、そのなかのどれか、ものになるところをきちんと区分けしていくということです。それなしにはいくらやってみてもしかたないです。それに、早く気づくためにレッスンがあるのです
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【「ヒーロー」「恋は水色」 36123】
この「ヒーロー」は、昨日番組で、甲斐さんが歌っていました。音域の声はきれいにマスターし、あのころに比べ、声が出るようになって、上の方も楽に出せるようになっていました。
それに対し、このCDは、ギリギリで歌っています。「安奈」もそうですが、インパクトからいうと全然違います。
この当時のものの方が、汗臭さがものすごく出ていて、強烈です。それをなくしてはいけないのに、その後、歌い込んできているわけですから、別の面で歌は難しいといえます。
CDにプレスしたものが、一番よいというわけではないでしょうが、やはり、その時代の流れや感覚、勢いみたいなものが出るのでしょう。その時代、そのとき、その年齢にしか歌えない歌が、あるのだと思います。うまくは歌えていても、昨日のものは何も感じませんでした。昔もそうだったのかと思い、聞き返すと、やっぱりこっちの方が正しいという感じです。まったく違います。
皆さんも丸くなるよりも、もっと、尖ってもらった方がよいと思っています。ローリング・ストーンズ、エアロスミスなど、向こうの人たちは、年を取っていっても作品も尖ったままです。
日本の場合は、その辺が、大人しくなりすぎていると思います。
ポイントは、「つきは」の「は」のところで踏み込めるかどうかです。そこで踏み込めなければ「くだけちっても」の「も」のところで音声イメージだけ発してしまいます。「もー」とやっていても見せかけになってしまいますので、止められるところで止めておかないといけません。
「うみはかれはて」から入ってください。入れない人は「つきは」のところからでも構いません。長くした方が、やりやすいと思いますが、う行なのでやりにくいでしょう。
この曲は、聞いてみてわかるように、今までやってきたものよりは、のど声です。しかし、体の使い込みかたと、のどで止まらないところで体をつければ、表現としてはインパクトがギリギリのところから出てきます。止まるところで、止めてください。もう少し粘ること、サラッといってしまわないようにしてください。もう一つ前をつけておきます。
ヒーロー そらはひびわれ
ヒーロー たいようはもえつき
この2行は、音や、音感でとっていくより、リズムとフレージングのなかだけでとり、音の処理はあまり考えなくても構いません。
「ヒーロー」はいってもいわなくても構いません。
いわない方がやりやすいのではないかと思いますが、いいたい人はいってください。
ヒーロー うみはかれはてて
ヒーロー つきはくだけちっても
とりあえず、通しましょう。部分的でも構いません。これ以上進むと難しくなりますので、少し戻ります。
たましいのすべてで おまえをあいしてるさ
ぎんまくのなかの
ジェームス ディーンのように
いまがかこになるまえに おれたちはしりだそう だから
ヒーロー ヒーローになるとき Ah Hh それはいま
ヒーロー ひきさかれたよるに おまえをはなしはしない
「だから」のところまでいきたいのですが、本当はそこまでにとても無理があるのです。「いまが」のところさえ間違えなければなんとかなると思います。
入りにくいので、もし、とれなければ「おれたち」のところだけでも構いません。「だから」だけでもよいです。「いまが」のところから「だから」までです。
ここは、音域があるので、よほど意心を最初に保っておかないと、最後が難しくなってきます。先ほどのものは音程が不確かだったので、ここでちょっと確認をしておきましょう。
ヒーロー ヒーロー になるとき Ah Hh それはいま
ヒーロー ひきさかれたよるに おまえをはなしはしない
最後の2行に入りましょうか。「ヒーロー」からでも「ひきさかれた」でもよいです。「はなしはしない」までです。
お互いに聞いていてわかるでしょうが、「はなし」の「し」のポジショニングがポイントです。ここで踏み込む甲斐さんのこの頃のポジショニングはそんなに深くありません。しかし、皆さんが出しているところから一歩深いところで出さないと、そこの声で留まりません。
「はなし」だけ少しやってみましょう。「はなし」とことばで出してみてください。「はなしは」の「しは」「し」のところで踏み込みます。
先ほどの歌い方では、「はなしは」シャウトのひびきで出てしまいます。「はなしは」「しは」に行くときにシャウトしてみてください。ひびいても構いません。この歌でいうと「はなしはしない」の「い」のところでひびいてますが「し」は殺してしまっています。
「はなしは」「しは」こちらの方です。それを少しつけて「はなしは」までいきましょう。音程、メロディをつけます。「しは」と、こちら側に浮かないようにしてください。「はなしは」は殺してしまってください。
近いところで「ひきさかれた」この辺も同じです。すべてをギリギリのところで、もたせています。
「かこになるまえにおれたちはしりだそうおおお」
この「おおお」のところですが、少しマイクを離しているということもありますが、「う」のところから殺しています。「おれたち」や「あしたに」になっていますが「はしりだそう」から「だから」のところまでです。展開していきましょう。
「そう」だけいってみましょうか。「そうだ（から)」でもよいです。
こういったことを教えるとのどをこわす人が多いので、教えられないのですが、いずれ勝負しなくてはいけません。スタートするところのフレーズで、普通は「そ～う」こちら側に逃がします。この方がよほど「だ」に入りやすいでしょう。
さらに、これと同じところのものを「そ～う」こちらの方にして、「そうだ」こういうところからやるわけです。のどの方にひっかけると、できるでしょう。もし、シャウトとかロックでこういった音色の歌い方や、かすれているハスキーな歌い方をやっていきたい人は、ここで鍛えていってもよいかもしれません。体の鍛練にはなります。
「そ～う」これは上の方に浮かせていますが、その方が音域も広くとれます。でも、これ以上高くなるとでなくなります。「そーう」「そ～う」こういうところです。好き嫌いもありますが、体の力もいります。のどを閉めたままやると潰します。
皆さんの体は、相当強くなってきていますが、声のコントロールが伴っていないので、潰れてしまいます。やってよいか、悪いかは別ですけれど、ただ、このレベルでも彼は、ましてや欧米のアーティストというのは、そこで1曲そのままキープしています。もし、のどを外せるのであれば、トレーニングするにはよいでしょう。
前に一度いったかもしれませんが、たとえば、音声だと「ららら」と歌うために「らーら」「らーら」「らーら」こういうポジショニングのとり方をしている人がいます。以前に練習方法をいろいろまわった時期があり、これは、人によって練習方法が違いますが、今皆さんに教えたのは、息で「ららら」です。これはよい音をいったというだけです。
ただ、ポジショニングと一緒にやるのでしたら「らーら」「らーら」これを少しやっておくということです。そうすると入りやすくなります。
声楽家というのは、響きに出します。そういう人たちでも、そこの部分のところをやっていくのだったら、そのままで声になるわけです。「らーら」ロックだったらこのまま「らーら」これでもよいわけです。この辺でマイクを使って、かすれて歌っている人もいます。体の力があって、そこに息が流れていたら共鳴するのです。
甲斐さんの昔のものは、少しのど声のところでですが、ことばの処理はそれに近いところでやっています。感覚的には向こうのものを聞いて、向こうのシャウトしているようにやっているのです。
「そーおぉ」ここのところの踏み込みです。「そーおぉ」と逃げるのは簡単なのです。そこで何かを落としていくために留める。あるいは、留めたことによって、一瞬、間ができても、何かそこで感じさせようとする。
ポップスの場合は流すより留めることです。それを、リズムとフレーズのなかでやっていくようなことを覚えてください。音楽が止まってはなりません。
「ヒーロー ヒーローになるとき Ah Hh それはいま
ヒーロー ひきさかれたよるに おまえを はなしはしない」
ロックをやるのだったら、日本だとこのくらいの感覚のところで捉えておくと、リズムとフレージングっていうのは、わかりやすいでしょう。日本語は、こういうふうに崩れていくんだというのがわかります。前からいっている通り、今のロックは分業していますから、ドラムとベースがリズムだけ刻んで、ヴォーカルは頭だけ打っていくような形です。ただ、リズムの感覚は、ヴォーカリストのひき受けるべき部類のものです。そこをもっと考えてください。
「ヒーロー そらはひびわれ
ヒーロー たいようはもえつき」
こういうところは、高いところでの読み込みです。
「たいよう」ということばとしてのフレーズの読み込みです。
「ヒーロー そらはひびわれ
ヒーロー たいようはもえつき」
「たいよう」だけやってみましょう。メロディをつけても、ことばだけでもよいです。
「たいよう」というところの「た」を深くしていってください。大変なのですが、ポジションでいうと「はい」「はい」といっているところを無理やり音にするのです。
「もえつき」も「うみ」もそうです。それが口先で「う」になったり「ちっても」の「ち」とかがそれるのを防ぐことは防げます。
その線でそろえたら、ある意味では楽です。こういうふうなこなし方をしていくには、体がついていますから、呼吸と否応なしに合うわけです。ただ、曲によっては押しつけがましくなったりしますから、よほどリズム感があって、キレがよくないと、ヌーと引っぱっていってしまうような感じになります。
「恋は水色」に入ります。日本語でよいです。覚えてください。
本当は、フランス語にカタカナをつけてもらえばわかりやすいと思います。
最後の「そらはみずいろ そらとうみのいろ」
カタカナでいうと「ルールラモエドゥ」です。
それっぽく「グリー グリー」と聞こえるでしょう。
難しいのは、3番の「フーフー ラモエ フー」のところです。この「フー」のところでこれだけの深いポジションをとろうというのは、大変です。あとは、何となく意味もわかるでしょう。
「ブルーブルー」英語でやると難しいと思います。フランス語くらいの深さでやっていかないと、「う」をつくってしまいます。「ブルラ」になってしまったりするのです。
ポジショニングとしては「ハイ」「ハイ」「ララララ」だと簡単でしょう。
全部「ハイ」でもよいです。練習としては、前半を「ハイ」でやって「こいは」のところから全部「ラ」で歌って1曲になれば一番よいでしょう。
相当、踏み込んでいます。シャンソンは、ポジションが深いのです。そういう意味で参考になるかもしれません。
ではサビのところです。間違ったことは教えられないのでやりませんが、「こいは」を「コムロ」とふる、聞いた通り、自分なりにやってみてください。耳で聞ける人はそのまま出してよいのです。
「コメロ コメロ キク」のところまでです。
本当は耳で聞いて、耳で聞いたままいうのがよいのです。間違っても構いません。「こいはみずいろ」というと難しくなるので、それを、音から音へのフレーズを同じ音量的にとると「コメロ コメロ キク」とこういう線が発しているわけです。
その線をとっていく練習だと思ってください。日本語でやってマネていくと、どちらかというとのどを閉めていく方向でその音を出してしまうと思いますから、この方がよいでしょう。
「コメロ コメロ キク ワンモア クァイクハンブレ トナムーン」
見事に4つの構成が、立ってます。こういう構成のつかみ方、フレーズのつかみ方、一本調子にならない盛り上がり方、下げ方、ことばの置き方、そういう部分で参考にしてください。
日本語の方がよいという人は、日本語でも構いません。日本語でもできないことはないでしょう。「こいはみずいろ」「コメロ コメロ キク」くらいのところまでやってみましょう。
「コメロ コメロ キク ワンモア クァイクハンブレ トナムーン」
「そらと うみの いろ」でもよいです。あるいは「モア モン」のところまではいえるでしょう。「モア モン ポ」でも「うみの いろ」でも「トナムーン」でもよいです。どんどんと、のせていくので、やりにくいと思います。
ただ、構成としては、「コメロ コメロ キク」ここまで入れておいて「ワンモア」とこの辺は流れです。流れなのですが、しっかりとポジションをとっておかないとよくないです。
とにかく一本強い線で「こいはみずいろ」のところまでいって、次のところにもう一つ小さな山をつくっていって動かしていく、というくらいに考えてください。通してやっておきましょう。
「こいは」から「うみのいろ」までです。リズムをはずさないようにしてください。
