ステージ実習コメント
【新入ステージ】
いつも同じことをいっていますが、モノトークというのは、自分の呼吸で自由にできる、それから自分の詩を読んだり、朗読というのも、自分だけでできます。
3回目から歌になると、リズムとか音程とかが入ってきます。そのことによって、たとえばスタンダードな音楽を歌っていくことによって、音楽が入ることによって、自分が消えないでほしいということです。それから伝える、ということを勉強していってほしい。音楽は言葉だけで勉強してはいけませんが、どんなに、技術がすごくて声が出たからといって、伝えるところのノウハウがなければ、やっぱり人前では立てません。
それから人前に立つのは誰でも立てるわけです。しかし1回で決まって、2回目があるかないか、ということになるのです。1回目に何か価値を出さない限り、2回目はない世界です。そういう意味でいうと、慣れてほしいということです。
課題を無難にこなしたり、それから歌をうまく歌えたりということは、要求していません。場を踏んでほしい、場を踏んでほしいということは、この場がすごくて経験になるということではなく、ここに自分で場をつくらなくてはいけない。自分が表れて、場ができればどこでもやっていけるわけです。
歌の場合は時間も自分で変えていかなくてはいけません。そこが一番難しいと思います。ここに立ってみて、ここでどこまでイマジネーションを広げられるか、ということです。それが自分のなかにあれば、今度は出していかなくてはいけないと思うのです。難しいとは思うのですが、そこの部分の方が大きいのでは、とくに日本のヴォーカルのステージをやっていこうとしたら、語りも、その人の雰囲気も、その人のポリシーとか、その人が何をやりたいかということが問われています。
あんまり歌の技術とかは、問われていないわけです。向こうのヴォーカルみたいに歌のなかで気持ちよくなって乗って、ということは形が先行し、その前の仕掛けが必要です。光とか音響とかがあって、ヴォーカルが出て、メッセージを伝えたり、その世界を伝えるということがメインになっているわけです。かなりパフォーマンスの世界です。
それと違って向こうみたいにきちんとそれを音楽の世界や歌い上げた世界でやっていきたいというのは、ヴォーカリストとしての主意ではありますけれども、だからといって人に語る要素とか、その人の顔付きとか、表情がそういうアーティストに劣っていいということではないのです。
ここで声をやったからといって、音程とリズムをやらなくていいということはないのです。声をやることによって、音程とかリズムも普通の人より鋭くなるはずです。そして、さらにそのなかに出せるからやるべきであって、それを間違えるとダメです。
舞台だけに生きていて声の技術のない人が多かったのですが、逆にいうと声がなくても舞台ができるというのは、他のものがあるわけです。みんな歌というのを難しく考えていますが、歌というのは人を気持ちよくさせる、元気づけることだから、それがきちんと出て、あるいはそういうパフォーマンスの場が維持できれば日本の音楽業界がどうであれ、自分のファンはできるわけです。そういう人達が何度お金を払ってでも会いたいと思うなら、成り立たないないわけがないのです。原点の原点を変えればよいわけです。
歌はうまくなったけれども、ステージができなくてどうしようとか、誰も認めてくれない、なんていうのはおかしなことです。歌がうまくなるとうことは、認められるということなのです。自分のなかだけでうまくなってもしかたないわけです。そういう要素も含めて、勉強してみて下さい。
ここで問いたいことは、棒読みみたいな歌にならないこと、自分のオリジナルをみつけると共に、他の人達のオリジナルにも気づいていくこと、でもそんなものは最初どうしようもない、こうだというものを示せるように早くなって下さい。慣れていくとは思いますが、全てこのなかでやっていく世界です。ここでできることが、どの規模でできるかということです。人数でみてもしかたないですが、このスタジオを破って、時間も変わるようにしてみて下さい。
そういう人達が何人も出てきたら、こうやるのかとわかってくると思います。場が動くということがわかると思います。時間が全然違うということもわかると思います。そういう世界をつくりだすために、歌をやっていると思います。
それから失敗しても、自分で収拾つけて下さい。客席から歌詞をみせません。歌詞を間違えたからダメということでもないのです。何とでもアレンジして収めてください。ライブの場ですから、何が起きるかわからないです。天井が落ちてきたら逃げるしかないし、大丈夫だとは思うのですが、では終わります。
（ステージ後のコメント）
大体、年間を通して会報をまとめていますが、今年の会報は量があって、それをみんなに配るかどうか考えているのですが、結局いつも、いいたいことは同じなのです。そのことを2年かかっていわせるのだったら、入ってくる前に渡して全部読んでもらって、それから入ってもらった方がよいだろうと思い、私自身が同じことをいうのも飽きてきます。自分が面白くない、とか飽きてくる、と思うことを続けるということにとても抵抗があります。
いった言葉を全部みんなに渡しておけばいいと思うのです。前にいったことを何度もいうことは飽きてきますし、何度も同じことをやるというのも、表現など自分が飽きてしまったら、人に伝わらないと思います。だからとりあえず自分がしゃべったことを全部出していけば、みんな自分がしゃべったことは知っている、そうしたら何か新しいことを考えるし、新しいやり方でいうでしょう。そうやって追い込んでいこうと思っています。
1回目のモノトーク、2回目の朗読ということで難しいとは思いますが、これが原点だと思うのです。語ること、しゃべること、あるいは話したいことから表現が生まれます。だから自己確認の意味で使ってください。
ステージ実習とかライブ実習とかは、こういう場も、トレーニングの場として、結果とかステージとなるのです。
要は全力でやってみた。やってみたら足らないということに気づけばよいわけで、だから、終わった後にそれをどう捉えるか、ということが大切です。まだ、自分を見たくないのです。自分のまずいステージや自分のやったことはみじめなものです。それしか相手に伝わらないわけですから、そこで何が起きたのか、なぜダメだったのか、きちんと解決しない限り、何年経ってもダメです。それが素敵だったらよいわけです。面白ければよいのです。面白いというと、誤解がありますけれども、なかなかそういうふうに使えないのです。失敗したと思うと聞かない。うまくいったなと思ったらそればかりを聞くのです。うまくいったものは聞く必要がないわけです。それはうまくいっていたわけですから。そうではなかったときにどうしてそうなったのかです。いろいろな原因があると思います。
それと共に、うまくいったつもりのものもその前の声と表現ということをきちんと考えていくプロセスを踏んで下さい。うまい下手というのは、トレーニングができているということではなく、自分を知っているかどうかということで左右されます。どんな職種の人であろうと、そのことを20年やった人が人前に立ったときに、やっぱりその寸法に、きちんと形がはまっているのです。人が20年でやったことを、2年でできるかというと、スポーツでも同じでやる気があればできるけども、違うのです。
ここにきた人全員を育てるということは絶対にできないと思うのですが、ただ1人の人が仮に2年でやりたいと思って、やる気になっていれば、それはできると思うのです。もっと時間がかかるかもしれないし、そこに2年というのをどう捉えるかということになりますが、妥協したくはないのです。ここは2年制といっているので6年制といっていないのは、甘くなってしまうからです。6年かかってやればいいんだというと1ヵ月目はこの程度でいいかな、となってしまいます。2年というのは、常に問うていての2年であって、足らないというところを補っての2年です。最初から何も出ていなければ、2年経っても何も出てこないのです。そこで、どのくらい欠けているかを知らなくてはダメです。
本当のことでいうと、何も訴えることを出せなかった。あるいは表現にならなかった。ということになると、その前の問題です。ここに上がる前の問題です。そのことは合宿でもいってます。あとはみんながコメントでつけていたようなことで、私が感じていたことをいっていけばよいでしょう。歌い手としてやっていきたい人は、このステージのなかでいつか言葉が音になるときを感じてほしいのです。音になるというのはどういうことかというと、言葉が伝わらなくても音が伝わって相手に伝わるということです。それが、1オクターブに展開されるわけです。
何もないところに自分が登場する。あ、一人出てきたというのは1つのインパクトなわけです。そこから何が語られるか、その声があって、そこに発声の技術がついていくのではなくて、そこに練り込まれたスタイルというものに歌がついていかなければダメです。それは日頃からやっておかなければいけません。
歌い手は、何も声がものすごく出るとか高いところまで出せるというので勝負しているのではなく、それをどう伝えているか、自分で自信を持っていけるか、どうかということです。
スピーチだって1分くらいで盛り上げて鮮やかに去っていくような人もいますが、中でにはのろのろと30分もしゃべっている人もいるわけです。それはその人間のセンスと場に出たとき、何を見ているかです。何も見えなくなって真っ暗になってしまう場合もあります。そのときにパッと見えるものを伝え、が感じられるかということです。練習の延長とはいっても特殊な場です。
自分1人に全員の視線がきていて、最後まできちんと見ているという状況が設定されているというのは、甘い状況です。ストリートであれば、そういうふうにはいきません。まず人を呼ばなくてはいけない。みさせなければいけない、足をとめさせ続けなければいけないということがあります。
自分のをみて、自分のでわからなければ他の人のをみたらもう少しはわかると思います。なぜ表現にならないかということです。今のみんなのレベルでいうと、このなかでやって、何かちょっとうまい、とか下手だなというように評価するかもしれませんが、プロの舞台をみたらすぐわかるでしょう。ああプロとは違うなと、プロは一色端になってしまう。そんなことではない。プロでもうまい人と下手な人にはものすごい差があるのです。100点から2点くらいの差があるのです。
私からみるとアマチュアは1点か2点くらいの差なわけです。1点が2点、3点になったと2倍、3倍とうまくなったように勘違いします。そんなステージをみてすごいなとか、あの人役者としてすぐれているなんて、その世界を知らないからいえるわけです。そうしたらそこまでを知ってほしい。
今度「芸」の特集をやろうと思います。芸一本で生きてきた人のを1分間だけ見せます。そうしたらその迫力とか、そのモチベートとか、感覚ってどういうものかというのが、ちょっとはわかるでしょう。
そのことを今は試してみないといけないと思うのです。ちょっと歌からはそれますが、体と心と精神が一体となって使い切る、ということだと同じです。まあ思い切りやってみることです。
自分のなかで手加減しないこと、手加減していたら、こっちにも見えます。場をダメにしないで下さいというのは、ステージ実習だから、この程度の人達がきているから、このくらいでやったら通用するとしても、私には通用しないです。そうしたらその人も出ていけないということなのです。私に通用するようにしてみて下さい。それから研究所を、頼るところで負けないで下さい。研究所を利用できたら、みんなにメリットになります。ただ頼ったらデメリットになります。
はっきりいっておきます。ここにいるから何かできるとか、ここで教えてもらおうとか、ここに入所するということに頼ったことで、もしかしたら1つ負けているかもしれないと思って下さい。生かせれば、私はプラスにしてもらえる自信があるからやっています。
ただ生かすというのは1人でやること以上に厳しいことです。ただ1人でやると厳しくできないから、厳しい場があるということ、また、自分で自分を厳しくできるというところがメリットだと思って下さい。ここに立つのが嫌だと思っているかもしれませんが、それが楽しくならないと、つまらない世界なのです。
はっきりいうと、早くもう毎日、毎年、ステージ実習だ。待ち遠しい。みんなに私の作品をみせてやろうという形にならないと、その先もないのです。自分が出ないのに、誰も出て下さいなんていいません。自分がそれをやりたくなければ、おりてよい世界ですから。そうしたら自分のモチベートはそこに持っておかなくてはいけない、ややもすると、与えてもらっているから、場があるから出ようかになってしまいますが、本気で活用するというのはそういうことです。こういう場に対しても、そういうふうに考えてもらわないと、歌う場がない人にさえ負けてしまうかもしれません。
効率時にトレーニングをやっていきたいとみんな考えています。今日もNHKのアナウンサーがきていて1日でどうにかならないですか、といっていましたが、結局そんなものでできたところで人様に通用しないということです。人はやっぱりどのくらい手間をかけているか、どのくらいそのことにこだわっているか、どんなにムダでどんなにバカな時間を費やして、そんなことをやっているかから出てきたもの感動するわけで、そのままではダメですよ。バカみせてもダメです。
でもここではやっても許されます。フランス語でこんなに覚えてきたんだ。と他の人がみたらだから何になるの、ということでもよいのです。そのことが練り込まれてきます。少なくとも他の人はそこまでやってない。なんであんなに暗いことやるんだとか、なんであんなくさいことやるんだと、私たちが見てても思うのもありますが、そこまでいきつけば、その人に真っ当な神経があればちょっとセンスよくなっていきます。いきつかないからその差もわからないのです。いきつくことは難しいのです。
ちょっとクサいな、普通にしておこう、となります。でも普通って表現にならないのです。表現は何か伝えなければいけません。センスが磨かれてこないとこれはしかたないのですが、そのセンスというのも、1つの遊び心だし、自分を楽しむような心の余裕がないと出てこないし、そうしたら他の人よりもやらなくてそういうものが出てくることはないと思います。
まあメジャー志向でいくのであれば浅く広く、とういう方向性があってもいいと思うのですが、マイナーでいくのだと、深くやらないとしかたないのです。浅くてマイナーやっていたらどうしようもないです。徹底して自分の世界をつくるしかないし、そのことを伝える努力をしていかなければいけないと思います。
日本のヴォーカルの世界というのは甘いですから、歌のなかとか技術のなかで判断されていません。サッカーとか野球でも、よい選手が生まれるのは、やっぱり厳しいし、その一流が集まっているからです。スポーツの一番できる人がいく分野がスポーツで、すぐれるのはあたりまえです。私の時代だと、陸上部より野球部の方が早く走れたのです。そういう人が今はサッカーにいく。そのなかでの競争はとても厳しくなっていくので磨かれます。今のヴォーカルは残念ながらそこに至ってないから、そういう層の厚さとか伝統とか、それを判断できる人の存在が不可欠です。
ヴォーカルのまわりにいる人達がどのくらいの耳と感覚を持ってそういうのをみているかというと、他の国と比べたら、お笑いみたいなものです。だからこそ、そこでできなければおかしいんだと、先にいかないとしかたないと思えば、先にいけると思います。
才能は確かにあると思います。歌のことに関しては、才能が出てくる、その地場つくりというのか、その土台のところを作っていきたいと思います。
構えとしては、とにかく一人で生きていきたい、そのことでやっていきたいというのであれば、常に期待以上のことを出そうとすることです。若いうちは実は出なくともしかたないと思います。でも、その心意気が伝わらなければダメだと思います。
あとは勉強する環境です。ポピュラーが難しいのは、その環境をつくるということです。1やれといったら10やるということ、10やれといったら100やれることが過酷だとか、苦しみじゃなくて、それが楽しいことだし、それが自分の力になっていくと思えばいいわけです。
何回もいいますが、1曲の曲をやれといったときに100回でやれてしまう人と10回でできる人と、1万回でまだできない人と、どちらがいいかというと、できない人がよいわけです。1回でやれてしまえば、それまでです。それ以上、力はついていかないです。
その辺はみんなムダとか省いてなるだけ効率よく、うまいところだけとっていけば歌ができると思っているかもしれせんが、そんなものではないです。人間ができなければ形はできてきませんから、ただ、それを歌のスタイルの形としてみせることはできると思います。それは何なのかをいろんな人達から学んでいけばいいと思います。時間と空間処理の感覚が問われると思います。
別の意味づけでいうと、スポーツ以上に問われると思います。歌を選ぶか選ばないかということより、やはり歌に選ばれるようになるべきだと思います。一流のヴォーカリストはその自信がありますから、神に選ばれたなんていっています。そういう世界だと思います。そのためにどれをやっていかなければいけないかといことをわかって下さい。
慌てる必要はないと思います。ただ思い切りのよさというか、この場を1人で持たせるということからです。今のままだと、何人か出てきても、一所懸命やっている人達が出てきたというだけです。一所懸命だけでは通用しません。やはり一所懸命プラスαなにを残すかということです。
合宿の会報とかみても面白いです。そこのなかで評価された人というのは歌がうまくてすごかったとかそういうことでなく、歌を歌わせていないのもあるのですが、そんなもの残っていないのです。何で残るかということです。
何でまた人が会いたくなるか、何でまたその人を呼びたくなるか、40人くらいいて、いつも大体同じです。ということはそういう要素を持っている人達というのは、華があるということもあるかもしれませんが、それ以外に人前に瞬間にしか出てこなくとも、インパクトを与えているのです。ステージがもつ人は長く歌っていても飽きません。
だからそういう中の一人になってもらえれば、もっと面白いと思います。最近入った人とか、研究所のなかでもここを評価してくれる人がいますが、ここの評価なんかに甘んじないで下さい。それはそれでよいのです。それまでその人がこういう世界を知らないのであれば、ここをものすごく底辺の底辺の底辺だと思ってもらってよいです。
ここで1番ズバ抜けていて、世界に出ていって3流といわれるくらいだと思って下さい。ものすごい差があります。本当にそうです。すぐに才能は問えないです。まだ努力しか問えないです。普通の場は才能を取っています。才能で選別されるくらいです。その才能は学べる力です。研究生として1年から2年目で半分以上ほとんど放り出し、2年経ったら3分の2はいなくなります。でも勝負ごとの世界はそういうものだと思います。年齢にもよりますが、それをやっている場なので、もっとうまく活かしてもらえれば、と思います。
何かきらめいてくるといいと思います。人それぞれいろいろな利用の仕方があります。とにかく私がいっておきたいのは初心を忘れないことと、それを忘れないようにたくさん書いていってほしいと思います。書いていけば確認できます。来年はそれよりも文章がすぐれているかは歌よりも確かだと思います。そういう判断ができます。来年こういうのをやってみたときに、入ってきたばかりの人は、この程度の考えで、この程度でやっているんだなといえるか、入ってきた人、すごいと思うかです。
初めての人達をみて、また心を新たにするなんてどうしようもないことです。1年経ったら、1年先に行かないといけません。去年の自分の負けたらどうしようもないわけです。ところが研究所では1年半くらいをピークに落ちてしまう人も多いです。だから2年制でよいと思います。2年経ってダラダラした人が残っていたら新鮮な人達に悪影響です。それは情けないことです。1年半くらいでピークになるというのは日本のヴォーカルをみているからで、世界をみていたら、6年経ってもピークにならないはずです。もっとやることがたくさんあるはずです。
というか、やっとやれるようになってくる。そこからが面白くなるのに、という感じなのです。どちらにしろ他の人と比べる必要はないです。他の人から学んで下さい。いいところだけ学んで下さい。悪いところは反面教師にしてもらえばよいと思います。
あいつはあれだからダメなんだとか、あの人はまだわかっていないなあといっていると、自分もわかっていないというのがわかりますし、昨日の自分、昨年の自分に負けないようにして下さい。
浸り込んで歌も音楽もみえなくなってしまって、元気もなくなって、歌もあくせく歌って、トレーニングしているから歌えないんでしょうか、なんて馬鹿言えといいたい。入ったときにも歌えないのに、トレーニングしているつもりでやっていないから何にもなってないという、それだけの話なのです。
みてないからです。ここに入って狭くなって安心しているからです。2年目くらいの人達にいわなければいけないのですが、あなた方もそうなりかねないからいっています。だから他の人より下手なのはよいです。昨年の自分よりうまくなることを繰り返していれば、あるときうまくなります。下がらないならよいのです。下がらないのも難しいからです。そこでもうよいなと思ったら、せっかく身に付いたものが、ざーっと下がります。所詮、2年で身に付いたものなんて2年でなくなります。
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【ステージ実習 ① 361122】
お疲れ様でした。同じ曲を15回聞くというのは、とりようによっては、よい勉強になります。ポップスの場合はなかなかオリジナルだといって違う曲ばかりやっているので何がすぐれていて、何がすぐれていないかわからないからです。あとは個性の問題と両方ありますから、10項目くらいの基準でいつもみています。
その人が出てきたときにその場の雰囲気が変わるかどうかです。
それはタレント性とかではなく、例えば何事でも、一筋に30年くらいやってきた人というのは、何か違うものを持っています。舞台に出るということに対する積極さ、元気のよさみたいなものは必要だと思うんです。これは何があろうと、そこに立つ以上、伝えることが目的になります。だから場をのめ、といいます。すぐにはできないかもしれませんが、のむつもりでやってこないとダメだと思うのです。やらされている、あとは課題だということでやるのではなく、プレッシャーがかかってくるのはわかります。でも最初と最後にやるのは、どちらがよいともいいにくいです。
場が成り立ったときが一番やりやすいです。とにかくうまい人でも、へたな人でも何か1回その場が壊れて、平時の場じゃなくなって出ると比較的、もちます。まあその代わり、歌がかすんでしまう場合もありますが。
それから、ここのお客については、純粋な客は私だけですが、そのなかでやっています。通の客のいる中では、みんなもだんだん通になってくるはずです。この盛り上がりのない場で盛り上げてやる、というのも無理かもしれませんが、どこでもそうです。オーディションも、もっと怖い場でやるわけです。このくらいはプレッシャーにならないようになってください。
それから、どの歌に関してもモチーフというものがあります。歌う動機、それが見えない。あるいはその人が、なぜ、これを歌いたいのか。なぜここに立つ必要があるのか。大切な時間をここで、他のものを捨ててここにきた、その必要性が見えるというのは、とても大きいです。何にもやることがないからここにきた。そして歌っている、というのであれば、カラオケと一緒です。
伝わるというのは大きな要素だと思います。映像を観ながら考えてください。いきなり人間を変えられるわけでもないし、変えろということでもないです。
それから歌のメッセージ性です。特に今日の歌は半分メッセージです。それが伝われなければいけないのです。伝わる人もいたし、伝わらない人もいましたが、完全に伝わった人というのは、いなかったような気がします。
4番目、これはアレンジとかアドリブとかでなく、時代性がほしいと思います。布施明で練習をして、布施明がやる通りのテンポ、感覚をそのまま置き換えたところで、面白いとは思いません。上のクラスになると、そっくりまねができる人もいると思いますけれど、それが出たからといっても何だということです。今の時代を生きているわけで、歌詞が古くたってやっている人が新しければ、あるいは現役のところにいれば、それは新たな感覚で生きてくるはずなのです。
間奏だからといって待っている必要もないのです。そんなのはおかしな話です。そこに目的があって、その場を持つキープ感が必要であれば、待てばいいし、そうでなければ先に行けばいいわけです。みんなでカウントして待っていてもレコードのコピーする練習をしているわけでもないのです。当然、ライブでは違ってきます。アカペラで歌うのも伴奏が入って歌うのも、その辺りは柔軟にやってみていいと思います。やたら変えてくるのもよくないですが。
それから5番目、この辺りは本当に問いたいことなのですが、まだ見られない。あるいは、もう最初の段階で見られる人というのは、1つの才能があるというか、舞台に向いている、ということなのでしょうが、音の感覚です。単純にいえば「まわた色したシクラメンほど」と聞いたものを、その言葉を音楽化できるかです。音の感覚に置き換えられるかです。
レッスンでもいっていますが、海のことをピアノで表したいといっても、ピアノにはピアノの音しか出ないわけです。ただ、そこにその人のイメージの世界があったときに、そこに波を出してみたり浜辺の感じを出してみたりできるのです。作曲も演奏家もそうです。どちらかだけやっていればいいということではなく、ヴォーカルも共にやっていかなくてはいけません。ここまでいけばヴォーカルということだと思います。
6番目はインパクトとパワー、そのキープ感、3分間はとても長いです。本人が完全に集中していたら、クタクタに疲れるくらいです。それで疲れてなくて、まだできるというようなものが、まだ見えるかどうかです。客にパワーを与え、パワーをもらっているからです。
今日のステージといいませんけど、いつも1曲か2曲で大してやってもいないのに、疲れているな、とこっちが見えてしまうのです。それはよくないです。お客を疲れさせるまえに、本人が疲れてしまったら、その先ないです。たかだか1曲、2曲。たかだか3分、6分そこで全精力出しても、もう2時間くらい持つくらいのキープ感は必要です。出だしだけパワーがあるとか、1コーラスだけあるというのもありますが、最後まで聞くと、それで持っていない。
すると技術的には狂ってくるから、これは技術がないと難しいのですけど、最初はできても、だんだん体から離れていったり、集中力がなくなったりします。
ただ集中力の問題というのは、ここで解決というより、自分のなかで解決しないといけません。体力を含めてです。表現に対する集中力です。
それから7番目、これをも音楽的なことですが構成です。少しずつ読んでいって下さい。3分間で同じようにカチカチカチカチで進んでいるわけではないのです。どこかのところでは巻いていって、どこかのところではピークとかみせ方といっていますが、どこかで高まらないと、歌って終わりきれないのです。3分間です。何か起こらなければたんたんとしゃべっています。
天気予報ではないのです。情報に価値はないのです。まして古い歌詞に価値があるわけではない、そうしたら、そのヴォーカルのなかの1つの気持の盛り上がりと、落とし込みみたいなものを出していかないといけません。これは日本人と違うところがありますが、聞いていたら、中にはそのころの感覚とか、印象、風景とかが浮かんだものもありましたが、それは音楽的に膨らんだのではなくて、どちらかというと、ゆっくり歌ってくれたから、その間に心象風景とかがとれたというので、とても日本的なものです。
泣きとか、みせ方というのはあります。しかし、ここで構造とか構成とかいうのはもっとしっかりときちんとした線です。音楽ということで、この線からこの線に上がったら緊張感が高まる。ここだともっと聞いている人間が鼓舞される、それからここに落ちてくる。そのことで落ち着く。そのことでゆっくりになる、というような形のものです。それはこういう歌のなかでも当然問われています。作曲家が意図して作っているはずです。
それから声のあるなしに関わらず、完成度です。それは今、問うてもしかたないのですが、まあ落ち着いているか、落ち着いていないかですが、あんまり落ち着いても面白くもないのです。
9番目は気持ちとか心とか、情感の方を評価したいと思います。それからどんな歌でも楽しむこと、たとえ暗い曲でも。それからそれに対する演出づけというのはある程度考えていった方がいいと思います。振り付けというのも1つのやり方ですが。
体は動かしていかないと動かなくなると思いますよ。じっとしてこう歌っていると10曲持も持たせられないと思います。そうしたら下手でも何でもその気持ちになったら、こうやってみて、あとで映像で観て、ああ、あれはあずれているなとか、あの手はおかしいなということもチェックしていかないと、10代で踊りとか振り付けやっている人達のほうがうまくなってしまいます。
自分のペースをとれなくなるし、ステージで相手をのむときにも弱くなってきます。表現は全部、顔つきから指先まで含む表現です。その先は動いてください。特に最近の傾向だと体が動いていないと、リズムもとれなくなってきます。本当は、じっとしていても流れていたらよいのです。ただ勉強するときには一緒の方がよいのではないかと思います。
それから音が流れていること。これが一番難しいです。
「ま・わ・た・い・ろ・し・た」で勝負していたら音は流れないし、コード、音感、それから音のメリハリも含めて自分のなかに入れておかなければいけません。アカペラでやっても歌い手のなかから伴奏が聞こえないとしょうがない。
歌い手が伴奏を聞いて、そこで音を出している感覚。別に聞こえていて、それで出すというわけではないですが、そういう形の一体感がなければポップスの場合はないです。うまい歌というのは間奏のときに伴奏が流れています。ヴォーカルが黙っていようが、そこで伴奏が聞こえるわけです。当人が流していないと流れないです。黙っていて、秒を数えて待っていてもダメです。
それから、ゆっくり入った人、始めを柔らかく歌った人がいるんですが、映像で観てもらえばよいのですが、タイム感、テンポ感が悪いです。タイム感というのはメトロノームでリズムと違います。カチカチカチと、これがゆっくりすぎるのです。確かに原曲を聞いて、そのタイム感でとってきたのかもしれないですが、途中狂ってしまうのです。煮詰めて表現したタイム感と、みんなのタイム感とが時間的に一致するわけがありません。彼が表現しているのをみんながやるには少し早くしないと、持っていけないはずです。それは呼吸を中心とした技術の問題でもし、それから感覚の問題もあります。彼が1秒伸ばせるところを、彼と同じ技術がなければ伸ばしたら相当、退屈な歌になるでしょう。
どちらを取るかというときに、やっぱり表情を出すことを取らなくてはいけません。緊張感が緩んでしまったらダメなわけです。みんなが緊張感を持ってこれるまでの、そのテンポです。
さらに、グルーブ感というか、そのなかでの動きが出ないとダメです。音楽の場合、ピアノでもそうです。
それから13番目。違いを出していきたい。これは実績がないとなかなか難しいですが、舞台慣れはしていって下さい。こんな舞台でも他のところの舞台よりもやりにくいと思います。やりにくいだけ問えるものが出てきます。それからトータルの魅力、存在感みたいなものも欲しいです。個性みたいなものは、逆に最初、そういうものがみえます。名前を覚えて顔もはっきりわかってくると、その辺は面白くなくなってくるのです。練習のときとこういうステージではどう変わるかです。
上のクラスになってくると衣装を着替えたり細かいことまで気をつかってきますけど、あんまり細かいことは考えなくていいです。ただ、表現に1つでも、それがプラスになるというのであれば、そんなことも気を抜いたらいけないと思います。
お客さんを気持ちよくさせろ、と今はいいませんが、その気持を考えてみることも大切だと思います。映像というのは客観的に観れます。
アカペラでやる、というのは本当にわかるのです。マイクでのごまかしがききませんから、その人に何が入っていたのか。言葉として、音としてどういう感覚で出そうとしているのか。アカペラで外国人のを聞くと、そこの完全なリズム感とか音感とか、音の持っていき方とか、それが技術の差として大きくあると思うのです。外国人のアカペラの正確さ。面白いし、楽しんでいるのに、絶対にはずしていないわけです。技術としては確かにあるわけです。そうじゃないと心地よくないですから。
それに比べ雑に扱っています。技術的にできないこととか、声がないということはこれは待つしかないです。今のなかでたった一言とか、その一言のなかにどこまで一つの音などを込められるか、という世界です。
その一言のなかを「ためらいがちに」といってしまったら、それで終わってしまいます。そこを早く自分の感覚で捉えること。半分くらいの人の歌は、書道でいうと、「初日の出」といったら単にそれを書いているだけです。そうじゃないです。やはりあれもうまい字とへたな字というのがあって、うまい字というのは墨が詰まっているというのです。科学的に分析しても違っているらしいのです。うまく書く人は最初のところから筆のスピードも違う。そして全体がみえていて、その流れは壊れないけど、だからといって流すわけではないのです。結局そういうところにしか芸は出てこないのでしょう。
音楽では例えにくのですが、単にそれを写せばいいと思っている人が、まだいるような気がします。写したのが作品だなんて思ったら大きな間違いです。それは単に小学生が書き初めをして、みんなが見たら下手だなと思うようなものです。それをいつも私が考えさせられていると思えばいいです。
それと自分のフォーム、自分の声と、正しいフォーム、声をきちんと見分けていって下さい。これは違います。自分でいくら気に入ったフォームであっても、問題が出てくるというのは、言葉も音も大切に処理できないということは、それだけ体が正確に使われていない、息が正確に使われていないということです。
今取りやすいからということもあります。音声でも声域でも、音色、クセでなら取りやすいです。プロの泳ぎと素人の泳ぎを見ればいいわけです。素人は素人で自分は泳げるとおもっているし、自分はこれが泳ぎやすいと思っているのですが、全然違うわけです。
ポップスだから自由でいいだろうと、許すと後で伸びないということです。体の原理にあっているというのは、後で伸ばすために必要なのです。2年、3年経ったときに1ステージ上にいくために、そういう感覚になること、何も考えなくても声が出るために声のなかで表現できるために必要なわけです。そこで自分のフォームというものが体からのフォームと違っていたら、やり直していかなめればいけないと思います。 歌うのだったら歌に逃げるとかクセに逃げるとか、おしつけるというのもあります。しかしこれは全部あとで歌になっていかないです。むしろ、障害をおこしたりすることもあります。
だからまず、型から入っておいて、あとで自分のオリジナルにしたければ、型から出ていけばいいわけです。ただ、その型の感覚がないと伸びません。型一つわからなくて素人が自己流にやっていて強いぞといっても空手の選手にやられてしまうのと同じです。ただそういう基準のなかで磨かれていくと、あるレベルまではいくわけで、そのレベルまでみんながいけるかというと、日本人の場合はとても難しいわけです。それは、その人なりのよさ、あるいは歌うとしたらそれしかないというのはわかるし、だから、よい形で声もソフトに伝わるというのもあります。しかし、もし芸にしていくとか、それをより高めていくとしたら、いったん戻った方がいいと思います。
はっきりいうとそれだと2年たっても変わらないです。ちょっとよくなる、それからここを出た後も変わらないです。そうしたら、ここの2年間の意味もないです。体も変わらないと思う。その辺は自分のなかできちんとみて、アカペラでやるとわかると思います。
アカペラでやっても条件がそれていたら、それはそれで聞かせられます。そんなに声は目立たないからです。そこは後は日本人の感覚でない感覚の声を比べるしかないのです。
自分のペースをなるだけ早めにつかむ、ということです。コミュニケーションとして、こういう世界のなかでの自分の世界をどうやって取り出していくか、です。歌もリードしていかなくてはいけません。自分で示していかなくてはいけない。これはこういう世界で、こういうこといいたいんだよ。だから、ついてきなよ。気持ちいいだろうというところまでです。そういう意図がなければ歌っていてもしかたないです。引っ張っていく、乗せていくということです。この辺に関してはまだまだ勉強する余地があると思います。
それから楽しんでもらえばよいのですが、目的をある程度絞り込むことです。
ステージ実習票を出してもらっています。何の目的でやるのかを記入するのですが、声を大きくきちんといえるようにするということでもよいと思うのです。ここは個人の目的で使ってもらえればよいです。歌を完成させる目的に対して、やることがあっていればよいと思います。その時期その時期違うのです。
他のところと一番私の考えが違うところは、今はめちゃめちゃでも大目に見ていることです。そのことによってしかわからないこともあるからです。こんなことやってもダメだろう、こうやらなくてはということによって、一番大切なものを失ってしまうことがあるのです。本当に体ばかり使って歌っていてもしかたない、と思ってもそこまでは何もいわないわけです。それはその本人が一所懸命やっているし、そのことでしか得られないこともあるからです。
それは一見ものすごく無駄で、効率は悪いんですが、そこから気づいて出してくるものというのは捨てられない。それを切っていったら、あれだめ、これだめ、みんなのように一緒に歌いなさいということになってしまう。その辺のスクールと一緒になってしまいます。
もっと単純なことでいうと、それはちょっとはずれているかもしれないですが、やはり個性であり、それがくみこまれてこそ最高の表現になるからです。
体と心の状態を一致させるために、どうすればいいかを徹底してやっていこうということです。それが歌の世界にできないのであれば、言葉の世界でやってもよい、あるいは体と息の世界でもよいのです。
自分は何か知らないけれど踊ったときにはそれがつかめるというのであれば、踊っているときに声でも出している方がよほどよいわけです。
あとはイマジネーション、体験が全部含まれてきます。こんな歌になってくると。だから恋愛の歌とかこういう歌って、それぞれその世界を出しにくいのでしょうが、それをイマジネーションのなかでやります。それが無理であれば映画でも観てきたらよいし、そういう感覚を出して、それをどういう音色で出していくのです。
結局リアリティの問題ですから、事実ではないのです。いろいろ経験をしているとか、恋愛中だとか、そういうことではありません。
やっていけないことは、恋愛のときにはよい顔をするのに、こういうとこころに来ると悪い顔になるのではしかたがない。その最高の状態を持ってきて、それを声に出したときにどうなるか、というのがポップスの世界ですから。キープするのは大変だと思いますが大切です。
それから3くらいまでは、課題曲と自由曲ではやっぱり自由曲はダメなのです。ダメというのはなぜダメかというのは、自分が好きで歌い慣れているというだけの形で、そういう体の原理とかでいったら悪いクセが全部、昔のまま入っている場合の方が多いからです。
ほんとうだったら自由曲の方が盛り上がるはずです。15曲も同じ課題曲を聞くよりも面白いはずです。でも全盛り上がらないし、何にも面白くないということは、自由曲が自由になっていない、ということなのです。課題曲が15曲同じであって自由曲が10曲あるとしたら、自由曲が面白くてたまらないはずです。だからそれがオリジナルになっていないということです。それがわからないのが困るのです。曲のよさで持っていたり、自分に好みだけで持っている。その曲をやるのはよいのです。ただオリジナルが何だということをよく考えると、オリジナルは新しくつくり出すことじゃなくて、自分の原型にきちんと戻るということです。
今まで言葉とか歌にしても、こんなものが音楽ではないかなと思ってやっている。本当にそれが心身と一致してないわけです。
聞いたら感動する。でも自分が歌ってみたら感動したり、うきうきしたり、そんな気分ではできない。そうしたらそれはおかしいです。そのおかしいところに何かやってみても稚拙になるだけです。
だから自由曲をやるなということではなく、自由曲をやってほしい。できたら全員が、課題曲で力尽きないで本当に2年でプロになりたかったら、毎月10曲くらい、自由曲を作っていかないと間に合わないです。
今練り込んでいたものが2年後、3年後に歌えるかどうかです。長くやると力が抜けてきます。ですから今、練り込まないとダメなわけです。できるだけ、積極的に遠慮しないでやってください。
その自由曲のやり方が単に消費だけではしょうがないのです。何回も歌ったから覚えているとか、自信があるというだけではダメです。他の面で持ちますが、それができているかどうかで、きちんとやることです。
基本の大きな流れは、やはり捉えていってほしいです。それは崩してはダメです。何のためにやるかというと、それはより大きな表現をするためにやるのです。そこに応用のものが出てきます。
だから技に、凝る必要はないと思います。課題曲の方が聞けるのは、その人のオリジナルに近いところが聞けるからです。体もない、まだ声もない、でもこれを伝えようとしてなんとかやっているというのが出れば、そこは見られるのです。
それがカラオケみたいになって、その人が己惚れて、これは私の持ち歌だ、という感じになってしまっては聞いていてもしかたないです。だからそこは大切なところです。
自分が課題曲、または「ハイ、ラオ、ララ」とやって聞いている人がみても逃げないところ、何かこの人にはあるんじゃないかとか、この人のものが出ているなと思ったら、そこは引付ける要素です。
だから落語とかヴォーカルとかいろんな分野の芸事がみたり、聞きにいくのではなく、その人を聞きにいくのですから、オリジナルなものが出ていないで、人のものばかりの自由曲を歌っていてもしかたないわけです。
自由曲を聞いて一番わかりやすいのは、その人がどこの音の世界に住んでいて、入っていない人も多いのですが、どこの声を聞いてきて、それをどう解釈しているのか、ということです。そこは勉強していかないと、ダメだと思います。
基本というのはほんとに面白くなくて、課題曲も面白くないはずです。課題曲をやって、ここの場でも面白かったというのなら私もうれしいのですが、まだ、そんなに期待してないです。ただ何が面白いかというと、それが次にどうなるかということです。2年後にどうなるかということも一緒です。
トレーニングでもそうでしょう。トレーニングそのものが面白いという人もいますけど、基本的にはそのことによって、自分が将来どうなるかに結びついているから面白いのです。それをみていると面白いのです。
そのプロセスというのを、その人がほんとにそうなる可能性があるならばです。自由曲が全然面白くないのは、それはもう限界を示しているからです。その人の心の状態とか体の原理とか、感情とか全然合っていないところで歌っているから、面白くないというか、あ、これで終わりだな、と2年経ってもこのままだなと、もっと声が出なくなるかなとか、あんまり出しすぎると声壊すぞと、そうなってしまいます。それはおかしいのです。
だから課題曲と同じように自由曲のセレクトも自分で考えてこなくてはいけません。好きというのと歌えるというのは違います。ここは表現の場ですので、その表現を絞り込んだ中で必然性があって、その曲が選ばれてくるべきだと思います。それでないと、何の曲でも歌える曲ということになってしまいます。
歌える曲、歌えない曲とかは、状況によって決まってきます。声の音域とかではない、自分の気持、そこの日程、何時に、どういうお客に対して、何を伝えたいために、どういう目的でやる、ということで全部決まってきます。だから声も潜在的に後で乗ってくるな、器があるなと感じた声でやってほしいです。これはトレーニング全部に関していえます。
なぜ高いところまで出る人に「ハイ」とか「ララ」とか体からいわせているのかというと、今はそれでは高いところは出せないかもしれないけれど、後で大きなものがいろいろと乗ってくるからです。大きな表現が出てくる可能性があるからやるわけです。だから本人もそれはわからないとダメです。敏感じゃないとダメです。この声は今は使いにくいけど、将来的に使えると、そこしかないのです。ヴォイストレーナーの判断が一致していないと、そんなところにいてもしかたありません。絶対一致しないわけがないのです。
そもそも快感のなかでやっている。ただスポーツとかと同じでそれがわからない時期というのはあります。腕を大きく使うより、小さく使ったほうが打ちやすいでしょう、というのは理屈しか入っていないからです。小さな勝負しかしてないからです。でっかいところの勝負になったら、これではダメだということになります。それをできれば本能的に知ってほしいし、わからない人は本当のプロのものを聞きまくってほしいです。
今、厳しいことをいうのは2年経ってから同じようなことをいうよりは最初にいっていた方がよいです。みんなが自分で可能性を限定しないようにして下さい。「このままじゃだめかな」とか「できないんじゃないかな」というみんなのなかの迷いがトレーニングを妨げるわけです。こっちは全然迷っていません。やった分だけ身につくのはあたりまえのことです。人間の世界ですから、それを自分で制限してしまうと、日本人だからなーと、向こうにいくと嫌というほど突き付けられる。
その時間だけのことでは、いかに2年間に20年分くらいのものを詰め込むかということです。オリジナルに関してはオリジナルなものを出さなければいけないので、それは徹底して考えてみて下さい。声が出るとか、音域が広いとか、リズムがよいとか、その人間がオリジナルなところに根差して歌っているかどうかでその人の世界ができるかできないか、味が出るか出ないか、その人を連れてくる意味があるか、というのは決まります。最終的にはそこです。
その上で条件を整えていけばいけないところは沢たくさんあると思います。1つの言葉を1つでいうのに音楽の世界で何かいうのは結局そこで本当に1/10ズラしてみたりちょっと入るのが遅れたり、速く入ったりすることによって、違うものが出てくるのです。
言葉でもそうでしょう。言い方が変わっていくわけです。そういうものが音の世界のなかでやれている、ということです。わからないならば楽器でやればいいです。私が弾くのとピアニストが弾くのとでは全然違いますよね。そこから入ればいいと思います。誰でもできる、誰でも吹ける。でもなんであんなに違うのだろうということからです。
